SABATON live à Paris: le Zénith, 21 avril 2023 (avec Lordi et Baby Metal)

Sabaton est aujourd’hui bien plus qu’une valeur sure du metal international. C’est un incontournable. Sabaton et la France – Hellfest et Paris, tout au moins – c’est une histoire d’amour. Au point que presqu’à peine annoncé, son concert parisien affiche déjà complet. En arrivant au Zénith de Paris, c’est clair que le public est présent. Je crois n’avoir encore jamais vu une telle file s’étendre jusqu’à l’esplanade de la grande halle! Et ce ne sont pas que des fans camouflés qui sont présents, on compte un bon nombre de T-shirts flanqués Baby Metal. Car Sabaton est ce soir accompagné de deux premières parties formant une belle affiche : les Finlandais monstrueux de Lordi précèdent les jeunes japonaises de Baby Metal qui remplacent un The Hu très en vue initialement annoncé. Mais peu importe, car au final, ce que l’on retiendra de ce soir c’est que Sabaton a embrasé un Zénith comme seuls de trop rares groupes savent le faire. Atomisé, même, diront certains…

Une fois passés les contrôles de sécurité, le public peut déjà patienter pour s’offrir, à l’extérieur du Zénith, des souvenirs de Sabaton qui affiche aujourd’hui les tarifs des « grands » groupes. Mais ce sera sans moi… A 40€ le T-shirt, je passe, comme souvent aujourd’hui, mon tour et m’engouffre dans la salle pour rapidement constater que, comme sur sa dernière tournée de 2020, la scène est identique: des sacs de sables et barbelés viennent quelque peu gâcher la vue. Et les premières parties devront s’en contenter.

A 19h30, Lordi investit les lieux et force est de reconnaitre que ce type de scène lui correspond bien, d’autant plus avec des squelettes en guise de pieds de micros. les 40′ allouées défilent rapidement, les Finlandais offrant leur hard rock racé au public avec force… grimaces et mise en scène soignée bien que – la faute à ces costumes vraiment encombrants – quelque peu pataude. Le son est clair et puissant, chacun des musicien parfaitement en place. Après Would you love a monsterman? Mr Lordi nous fait son numéro de charme, demandant tour à tour si le public est là pour du heavy metal japonais (hurlements d’approbation) et prêt pour le heavy metal suédois de Sabaton (tremblement du Zénith de plus qu’approbation). « Pour le moment, vous devez faire avec du hard rock finlandais » conclue-t-il avant d’attaquer Thing in the cage.

Le Zénith est plus que rempli et le public hurle de satisfaction tout au long des titres qui défilent. Lordi est loin de n’être qu’un groupe de monstre te de gimmick, les musiciens sont aussi doués qu’appliqués et le démontrent tout au long des Blood red sand man, Devils is a loser ou Who’s your daddy?. Et lorsque le groupe entame Hard rock Hallelujah – vous savez, le morceau qui leur a permis de remporter l’Eurovision au grand dam du Drucker national qui passait son temps à faire des commentaires désobligeants plutôt que d’avoir la politesse de laisser les téléspectateurs écouter et se faire leur propre opinion… Le public, connaisseur, lui, explose permettant à ordi de terminer en apothéose ce concert aussi fun que monstrueux. Une très belle mise en bouche.

Baby Metal, je les ai vus une seule fois lors du premier Download Paris. Le groupe, alors peu connu en France autrement que par les fans de culture nippone, jouait alors étonnamment après Saxon et avait incompréhensiblement écourté son concert. Mais le public semble ne plus s’en souvenir et/ou ne pas en tenir rigueur. Et des fans de culture pop japonaise, ce soir, il y en a un paquet. Tout est carré et millimétré, tiré au cordeau, chacune des jeunes filles connaissant et exécutant sa partition avec une précision déconcertante.

Si le set tabasse autant qu’il cherche du côté du hip-hop, si les musiciens faire valoir masqués sont en place, et s’il en faut pour tous les goûts, ben… l’ensemble me laisse froid. Tout est si calculé qu’il ne reste pas de place à l’humain… Le public est cependant plus que réceptif aux Baby metal death, Pa pa ya! ou soit disant marrant Gimme chocolate. Le trio termine avec Road to resistance avant de saluer – ah, ces voix stridentes… – le public avec un « Arrreee you reeaaadyyy for Sabaaatoonn? » qui recueille une naturelle et fervente approbation. Les musiciens sont déjà partis, les jeunes filles quittent la scène à la queue leu leu.

On a prévenu les photographes: « vous allez avoir chaud! » La salle n’est pas encore éteinte que le public se fait plus qu’entendre. Malgré ce qui ressemble à un petit faux départ (la bande d’introduction de Sarajevo qui s’interrompt une petite minute) le temps que les techniciens viennent ôter les toiles dissimulant la batterie juchée sur (oh, surprise) un tank et c’est parti pour presque deux heures d’un show en tout point remarquable. Avec 18 bouches à feu réparties sur scène et sur le char, pas étonnant que la température monte de plusieurs crans et ce dès Ghost division qui voit le premier gimmick de la soirée: Joackim quitte la scène pour revenir avec un bazooka et vise Hannes Von Dahl juché sur sa batterie.

Ce The tour to end all tours – qui ne fait que référence au dernier album The war to end all wars et n’est en rien une promesse de fin de carrière – démarre très fort et l’énergie de chacun des musicien se verra décuplée tant le groupe est porté par un public tout acquis à sa cause. Si, arrivé à ce niveau, il ne reste guère plus de place à l’improvisation, le groupe semble toujours aussi jovial et heureux de vivre et de jouer. Preuve en est cette « surprise » que réserve les deux guitaristes, Chris Rörland et Tommy Johansson qui viennent coller bon nombre de médiators sur le front du chanteur amusé par cet enfantillage.

Mais ceci n’est que badinerie comparé à l’ensemble de ce spectacle bien plus que mémorable, à plus d’un titre. Si on retrouve des effets qui feront désormais partie intégrante des shows de Sabaton – le biplan rouge sur The red baron, les gaz et masques à gaz sur The attack of the dead man, des costumes et uniformes variés de diverses armées – le groupe nous réserve des surprises tel ce Carolus Rex dans sa version suédoise qui voit ensuite Hannes interpeler le public: « Paris, vraiment, vous êtes le public le plus bruyant qu’on ait eu depuis le début de la tournée! » Il n’en faut pas moins pour que le Zénith tremble sous les hurlement et tapage décuplé d’un public déjà conquis.

Puis la traditionnelle question: « qui a déjà vu Sabaton en concert? Ok, vous connaissez le cirque! Qui voit Sabaton pour la première fois? » ne bonne moitié des bras se lève (autant dire que cette moitié reviendra sans aucun doute à de futurs concerts qu’on espère plus nombreux à l’avenir – après tout, la France compte un bon nombre de Zénith, dont un, je dis ça comme ça, à Orléans… – avant que Joackim n’annonce à son tour que ce n’est pas la seule première, ce soir: « Ce soir, nous allons jouer un titre pour la première fois en concert. On attendait le bon moment pour le faire, et c’est ici! Ce morceau parle d’un soldat français! » Autant dire que The first soldier, chanson relatant l’histoire du chasseur alpin Albert Séverin Roche qui s’est distingué lors de la grande guerre par son héroïsme et sa bravoure est acclamé comme il se doit et joué sous des lumières bleu-blanc-rouge. Un honneur logique que la France ait droit à cette première mondiale.

Tout aussi logique est cette autre surprise qu’est la reprise de 1916 de Motörhead qui déboule après un Stormtroopers explosif. Tout feu, tou flamme est ce concert bourré de pyrotechnie et d’effets qui, chanson après chanson, finit d’achever un public dont l’enthousiasme est plus que débordant. La sécurité a du boulot, ce soir, avec un nombre incalculable de crowd surfers à récupérer! Pas un instant de répit jusqu’au terme de ce concert qui se termine avec les incontournables Primo victoria, Sweedish pagans et To hell and back.

Le spectacle de ce soir, exemplaire et magistral, est à la hauteur de cette ambiance qui émeut presque aux larmes Pär Sündstrom, le bassiste fondateur et complice de toujours de Joackim. Oui, définitivement il y a quelque chose entre Paris et Sabaton. Le reste de la France n’attend d’ailleurs que de pouvoir aussi vous accueillir – même si on peut également imaginer comme prochaine étape une invasion de Bercy. Mais pour ce soir, Joackim, Pär, Hannes, Chris, Johaness, un seul mot: Merci.

Merci à Olivier Garnier d’avoir rendu ce report possible.

 

ALEISTER: Nightmare

France, Thrash (M&O music, 2023)

Nightmare. C’est sans doute l’état d’esprit dans lequel se trouve Aleister aujourd’hui. Formé en 1988 à Belfort, la formation publie No way out, son second album en 2019. On sait ce qui suit, une certaine crise sanitaire remettant en cause de nombreux espoirs et tout ce qui s’imposait jusqu’alors comme évidence. On imagine volontiers que le groupe qui tentait un retour en forme a ragé et enragé, ses rêves devenant cauchemars. Pourtant, Aleister ne baisse pas les bras et revient aujourd’hui avec ce Nightmare exemplaire d’efficacité brute. Du thrash old school qui débute avec un Prepare your soul for war éructé et vomi d’une gorge profonde, grave et inquiétante avant que les guitares ne viennent charcuter l’espace, méthodiquement soutenues par une section rythmique qui pilonne et tabasse sec. Les riffs imposent des craquements de nuque tout au long des plus qu’efficaces et rentre dedans The Game ou The reason of my anger. Liar vient clore ce superbe retour avec des influences plus heavy/doom et une réalité s’impose: si les influences paraissent évidentes – d’Exodus à Death Angel en passant par les incontournables Slayer, une once de Merciful Fate et une pincée de heavy metal pur jus – ce n’est qu’injustice qu’Aleister n’ait pu trouver son public plus tôt. Espérons que The preacher parvienne aujourd’hui à réunir en nombre de nouvelles ouailles et puisse trouver sa place dans le peloton de tête du Thrash classieux made in France!

STORMHAVEN: Blindsight

France, Metal (M&O, 2023)

Avec sa pochette très SF, son logo, bref, son visuel très attirant, pas étonnant que je glisse ce Blindsight de Stormhaven dans mon lecteur CD (eh, oui… Il y en a encore…) Mais dès les premiers hurlements enragés de Fracture, le morceau qui introduit cet album (car il s’agit bien d’un album malgré ses seulement 6 titres), je fais demi tour. Cependant, quelque chose me retient… Et rapidement, Stormahaven me surprend. Par la diversité des instrumentations qui composent ce premier titre, par la variété des styles musicaux explorés, aussi. Le death ou le black ne sont jamais loin, certes, mais le groupe démontre rapidement naviguer avec bonheur non pas en eaux troubles mais d’univers en univers variés (certains passages m’évoquent même Rush!) Le brutal frôle souvent le power metal, voire le progressif – ah, tiens, je viens d’en citer un des maitres…). Le prog n’est pas du tout une évidence avec le premier titre, Fracture, remarque qui fait rire Zach (guitare et chant): « en effet, oui! Il faut s’accrocher! Ce que je voulais pour cet album, c’est quelque chose qu’on n’avait pas fait avant: pas d’intro, une explosion et c’est direct dans la gueule. On voulait mélanger ça avec quelque chose de plus énervé que ce qu’on avait fait jusque là, avec des morceaux plus longs, développer des histoires avec le chant tout au long de l’album. L’album précédent, Liquid imagery, je l’avais plus pensé comme un long morceau d’une heure. Là, même si j’ai voulu une cohérence dans l’ordre des titres, chacun peut être pris séparément et tient la route seul« . Le groupe toulousain formé en 2010 pourrait franchir un pas supplémentaire avec ce quatrième album varié et entrainant. Jamais avare de démonstration (dans le bon sens du terme, svp), ce disque est empli de ces petites trouvailles qui font la différence. La période de crise sanitaire a-t-elle d’ailleurs eu un impact sur le groupe qui  n’a pu correctement défendre Liquid imagery, sorti en 2019? « Pas vraiment, je n’attends pas de défendre un album sur scène pour continuer de composer. Blindsight était prêt assez rapidement après Liquid imagery. Mais on ne savait pas trop si on attendait ou pas pour le sortir. Personne ne savait ce qui allait se passer. On a décidé d’avancer, de passer à autre chose. On avance et on vise un peu plus haut en matière de production, de com et de promotion. » Le titre de l’album, Blindsight (aveuglement) fait-il référence à ce manque de vision que nous a offert la crise sanitaire ou est-ce autre chose? « Il se trouve qu’on peut faire pas mal de parallèles, mais ce n’était pas pensé ainsi. L’idée c’est qu’on suit un personnage qui a subi un accident, un évènement marquant assez violent – d’où le premier titre, Fracture. Ensuite, il perd la vue et il développe des pouvoirs un peu plus mystique de clairvoyance et autres. On ne sait pas trop s’il voyage mentalement ou physiquement, il rencontre des personnes… On suit ce voyage tout au long de ‘album« . Bref, une approche conceptuelle qui se rapproche de l’esprit prog. Quand on lui demande comment le groupe a évolué entre ses deux derniers albums, Zach répond d’un « Ouh la!… je dirai que j’assume sans doute plus mon approche rock prog, qui est, pour moi, l’influence majeure que je revendique et que je ne mettais pas autant en avant que je l’aurai voulu. Et d’un point de vue humain, il y a eu un changement de line-up avec l’arrivée d’un nouveau batteur et d’un nouveau claviers, donc un changement d’équilibre, une organisation différente à trouver. Comme je le disais, on se concentre plus sur la promo, la communication, alors qu’à la base on est une bande de mecs qui aiment jouer de la musique ». Zach approuve entièrement le terme de professionnalisation que je lui propose en résumé de ses propos. « On s’est posé la question, au bout de 4 albums: on veut faire quoi? On reste comme ça ou on évolue? Si on veut évoluer, il y a plein d’autres choses à côté qu’il faut faire« . Un groupe qui a donc simplement mûri. Tout au long des titres, longs – tous tournent autour des 7’30, exception faite de Dominion qui culmine à 24′! – on trouve les inspirations aussi brutales que progressives du groupe. Je lui cite le nom de Rush…  Mais il y a plus que de la brutalité et de la technique dans ce disque, bien plus. Si Zach devait ne choisir qu’un seul titre de Blindsight pour expliquer ce qu’est aujourd’hui Stormhaven, lequel retiendrait-il pour inciter quelqu’un à écouter le reste? « Bonne question… Sur ce nouvel album, je choisirai Hellion, un morceau qui permettrait sans doute de toucher un public plus large. On n’a pas l’effet coup de massue qu’il y a avec Fracture. D’ailleurs, il y a un clip qui sort dans quelque semaines. Hellion a une approche moins death, plus prog avec plus de chant clair, plus de place pour les claviers aussi. » Je lui cite le nom de Rush que certains passages de ce même titre m’évoquent. Ils font partie des inspirations de Stormhaven? « Ah, oui! A 100%! Même si on a l’étiquette de metal prog, mon inspiration vient plus du rock progressif que du metal. Du Rush, Kansas, Deep Purple… le tout mélangé à des touches de death » Sera-ce cependant une approche suffisante pour extraire Stormhaven de la masse? Un groupe de rock, c’est aussi la scène, alors, quoi de prévu? « On a pas mal de dates qui sont prévues, principalement dans le sud, en fin d’année et en 2024 on devrait aller en Espagne et dans le nord de la France, là où on n’a pas encore beaucoup joué. Et on vise aussi les festivals d’été… » C’est sans doute en effet là que le groupe pourra le mieux se faire connaitre, aller au contact de son public et faire connaitre son death prog, alors attendons de voir les dates que Stormahaven affichera bientôt sur son site et ses réseaux sociaux.

PENUMBRA: Eden

France, Metal (M&O music, 2023)

L’Eden, le soit disant jardin « paradis » qui a vu toutes les contradictions se mêler. Entre sexes – Adam et Eve – sagesse et tentation, obéissance et prise d’indépendance… On retrouve tout cela dans cet album des Français de Penumbra qui, avec Eden, évoluent dans un registre multiple, alliant grandes orchestrations épiques – le groupe introduit pour la première fois dans le metal le hautbois – chant mixte entre lyrisme féminin et growls black/death masculin… Penumbra explore avec bonheur des univers variés avec la juste dose de violence vocale explosive, dans une dualité constante qui navigue entre ombre et lumière. L’ensemble se révèle rapidement efficace et intrigant, notamment grâce à des breaks venant aérer des prises de vitesse et montées en puissance bienfaitrices. Penumbra nous entraine dans ses mondes, symphonique, épique, celtique, heavy et extrême tout à la fois. Un album à découvrir…

LOCO MUERTE: Los clasicos de Loco

France, Hardcore/crossover (M&O, 2023)

Ay, caramba! Los amigos, soy Loco Muerte, entiende? « Caramba », c’est la seule chose hispanique que je retiendrai tellement il y a de folie, d’énergie et de bonne humeur contagieuses dans ce Los clasicos de Locos, nouvelle déflagration des Parisiens de Loco Muerte qui revisitent certains de leurs « classiques »  principalement issus de leurs deux premiers opus Maquina de guerra (7 morceaux) en 2011 et Traicion bendicion (3 titres) en 2013. Rien cependant du dernier – La brigada de los muertos paru en 2018 – mais qu’importe! A l’écoute de ces 11 cartouches qui te pètent à la gueule, impossible de ne pas faire de lien avec le gang de Venice, Suicidal Tendencies, et son rejeton Infectious Groove (on s’en serait doutés rien qu’au bandana…) Si l’album débute avec un nouveau titre – La vida loca – les autres morceaux sont tous aussi explosifs qu’enjoués. Loco Muerte nous concocte un hardcore/crossover des plus efficaces, certes, mais surtout digne des plus grands noms du genre. C’est simple, il y a, tout au long de Los clasicos de Loco une rage et une envie de vivre communicatives. Il est simplement impossible de en pas se laisser entrainer dans ces rondes pogotées qu’on appelle des circle pits qu’on imagine volontiers animer des concerts. Une dinguerie parfaitement contrôlée en somme, un défouloir bienvenu et bienveillant comme seule les meilleurs savent nous en offrir. on en redemande! Et je me demande vraiment si la Hellstage résistera au passage de ces doux dingues le 16 juin prochain? Ca qui est sûr, c’est que ça va groover grave!

METALLICA: 72 seasons

USA, Thrash (Blackened, 2023)

Ne confondons pas vitesse et précipitation, s’il vous plait! Alors que sort – enfin – le nouvel, onzième, album de Metallica, il serait dommage de foncer tête baissée pour être parmi les premiers à commenter et disséquer ce 72 seasons tant attendu. Car là où les « grands » médias n’ont pu se faire qu’une première idée sur une écoute unique, nous, « petits » médias – webzines, radios… – avons le privilège de pouvoir écouter ce disque à plusieurs reprises et à notre rythme. Alors profitons en. Car s’il est vrai que les Mets ont souvent déstabilisé leurs fans depuis …And justice for all – les errances du renouvellement de la période Load/Reload, la sombre souffrance de St Anger, un son de batterie perturbant sur Death Magnetic (sans parler de l’ovni Lulu) – Hardwired… to self destruct semblait vouloir remettre le pendules à l’heure. Metallica a toujours été un groupe de heavy thrash, certes, mais de ceux qui se lancent de nouveaux défis pour ne pas se répéter. La musique comme exutoire et terrain de jeu d’expression de ses sentiments. Venons en à ce nouvel album, voulez-vous? Une fois passé le cap de cette pochette d’un jaune canari – peut-on l’envisager comme futur décor de scène, ce lit de bébé qui, telle une Doris à l’époque de la tournée Justice, serait monté tout au long du concert avant d’être carbonisé en éparpillant les divers objets de ladite pochette? – un premier constat s’impose: l’album est long. Il dépasse les 75′ pour 12 titres dont deux seulement n’atteignent pas les 5′ : le premier single, Lux aeterna (3’21), un titre accrocheur et nerveux, et Too far gone ? (4’33) particulièrement thrash, direct et saccadé. Deux titres qui, à eux seuls, démontrent qu’il est inutile de vouloir trop en faire, ce qui se révèle rapidement le travers principal de ce nouvel album. C’est le morceau éponyme, 72 seasons, qui ouvre les hostilités. Son intro très Motörhead est claire: Metallica sait encore jouer heavy. Efficace même si l’ensemble se fait répétitif et aurait gagné à être raccourci pour se concentrer sur le chant de James ou ce solo de Kirk autant que sur le si souvent inutilement et à tort critiqué jeu de batterie de Lars. C’est cette répétitivité de certains plans qu’on peut sans doute le plus reprocher à ce disque par ailleurs riche de trouvailles, de brutalité contrôlée, de riffs et de soli qui tuent et entrent dans le crane, et qui est truffé de références un peu partout. Si on a déjà évoqué Motörhead, Metallica salue ici cette période bénie qui a réuni James et Lars il y a plus de 40 ans: partout on trouve des clins d’œil à cette NWOBHM, que ce soit directement (Lux aeterna fait explicitement référence au Ligntning to the nations de Diamond Head) ou des mélodies dignes des plus grands noms du genre, Saxon et Maiden en tête mais parmi d’autres, et fait même référence à sa propre histoire, de Kill ’em all à Hardwired – je vous laisse chercher! 72 seasons se révèle, comme sa pochette, à double face: d’un côté Metallica est toujours animé par ce heavy thrash des grands jours mais se perd parfois en propos par trop répétitifs, voire en plans dont on se serait passés, comme ce If darkness had a son, surprenant et déstabilisant troisième single. Le groupe, cependant, sait toujours prendre des risques et le démontre avec ce pavé qui vient clore l’album: Inamorata et ses 11’10 – sans doute le morceau e plus long jamais proposé par Metallica – s’il débute de manière presque oppressante et inquiétante se fait rapidement plus varié, parfois mélancolique ou plus simplement « passe partout » dans un esprit classic rock. Si 72 seasons aurait gagné à durer moins longtemps, Metallica nous offre un album très riche, une œuvre dense qui mérite plusieurs écoutes avant d’être totalement apprivoisée. Un album qui ne laissera personne indifférent. Rendez-vous les 17 et 19 mai prochain au Stade De France avec un lit à barreaux en guise de snakepit ?

STORM ORCHESTRA: What a time to be alive

France, rock (Autoproduction, 2023)

Quelle époque pour être en vie, quelle belle ou drôle d’idée, en effet! Sans cela, il eût été plus que difficile de découvrir ce premier album de Storm Orchestra, groupe bien de chez nous né de la rencontre du chanteur guitariste Maxime Goudard et du bassiste Adrien Richard dont les chemins se croisent au coeur d’une école de son. 2020 voit paraitre un premier Ep avant que le trio (rejoint quelques temps plus tôt par le batteur Loïc Fouquet) ne retourne en studio fin 2021 pour nous proposer aujourd’hui cette pépite nommé What a time to be alive, composé de 11 titres qui parlent autant de l’amour et de la fin du monde. Le groupe propose une variété musicale rafraichissante qui puise autant chez Muse que Royal Blood, pour les influences les plus évidentes. L’ensemble est chantant, simplement entrainant, les guitares se faisant aussi douces que parfois brutales, tout comme le chant, aussi tendre qu’il peut être déterminé. Storm Orchestra parvient à proposer des titres entrainants et fédérateurs sans jamais tomber dans le travers de la recherche de mélodie facile. C’est là la grande force du trio qui, tout au long de ces onze morceaux, nous démontre la variété de ses influences, pop, rock, alternatives tout à la fois, le tout chanté dans un anglais parfaitement maitrisé. La production donne sa juste place à chaque instrument. Il en résulte un album de rock qui s’écoute sans temps mort. On ne le répètera jamais assez: la France regorge de talents et Storm Orchestra est de ceux là. Alors, amateurs de rock, foncez les découvrir!

DROPDEAD CHAOS: Underneath the sound

France, Metal (At(h)ome, 2023)

Né en pleine crise sanitaire, en 2020, donc, pour ceux qui ont la mémoire courte ou défaillante… – Dropdead Chaos est un collectif dont les membres sont issus de formations aussi diverses que Trepalium, les Tambours du Bronx, Smash Hit Combo, Betraying The Martyrs ou encore Black Bomb Ä. Du lourd et du direct, donc, mais aussi des influences variées qui vont du hardcore/post hardcore à l’électro en passant par des sonorités tribales, certaines hip hop et d’autres purement heavy avec un trait d’union: le groove du punk festif made in USA. Avec son premier album, Dropdead Chaos se place directement dans la cour des grands. Underneath the sound – et son illustration qui m’évoque le superbe roman de John Grisham, L’allée des sycomores – est un condensé de puissance, d’efficacité et de rage sur fond sonore invitant à faire la fête. Car, oui, si l’énergie et le beat sont omni présents, si Renato se permet d’exploser ses cordes vocales, si les rythmiques de Jacou (passé de la batterie à la basse, semble-t-il), si… bref, tout ici est réuni pour proposer une variété qui se fait rapidement bien plus qu’attirante. On retrouve même ci-et-là quelques traces de Red Hot Chilli Peppers qui aurait fornicoté avec Linkin Park. Dropdead Chaos nous offre un premier album simplement brillant. Varié, puissant, différent et unique à la fois, un de ces albums qui n’hésite pas à lier hip hop et metal, rage et beat, des univers finalement pas si éloignés. Et quand on parvient à ce résultat, l’excellence n’est jamais loin.

GOROD: The orb

France, Death technique (Autoproduction, 2023)

L’amateur de death brutal passera son chemin, celui de technique jettera volontiers une oreille sur The orb, la nouvelle déflagration des frenchies de Gorod. Loin d’en être à leur premier essai, les Bordelais nous proposent un nouvel album pas seulement brutal ou technique. Oui, Gorod on les connait pour leur virulence et leurs prestations explosives – une valeur sure de la scène hexagonale. Gorod nous propose ici des moments plus introspectifs (le morceau éponyme) qui se lient à d’autres, plus fréquents, aussi brutaux que techniques. Loin des standards du genre, Gorod se distingue par des structures qu’on pourrait parfois rapprocher d’une certaine complexité du jazz (Megadeth a prouvé que les genres sont loin d’être incompatibles), d’un prog brutal en y mêlant quelques touches qui se rapprochent d’une forme de psychédélisme (pas forcément) hypnotique. The orb, après deux titres directs et simplement « dans ta face » varie son propos et, au bout du compte, intrigue, attire et interpelle. Un album puissant et riche même si pas toujours facile d’accès. Qu’on aime ou pas, c’est bien là ce qu’on demande à un groupe, non?

DIRTY VELVET: Far beyond the moon

Suisse, Doom (Fastball music, 2023)

Un œil qui semble à la fois saigner et regarder un univers qui ressemble à un écran de télé… C’est la pochette assez peu attirante que nous proposent les Suisses de Dirty Velvet pour illustrer leur premier album Far beyond the moon. Suisse? Krokus? Gotthard? Que nenni! Formé à Lausanne en 2019, le quatuor, après répétitions et quelques concerts à domicile, décide de se lancer dans l’aventure d’un album en fin 2022. C’est ce premier essai qui déboule aujourd’hui et nous présente une formation au son brut, aux compositions organiques, aux influences plus que vintage. On repart à la fin des années 60 et au cœur des 70’s. Moon, le premier morceau – pas un hasard s’il s’agit du premier, une invitation à aller largement au delà comme le titre de l’album – évoque immanquablement Black Sabbath, tant par ses riffs et rythmes lents, lourds et oppressants que par le chant plaintif et torturé. D’ailleurs, comme les fondateurs du genre, Dirty Velvet, c’est 4 musiciens: Sly Cuts à la guitare, Katy au chant, Garry à la basse et Gyles à la batterie. Quatre musiciens, une formule simple qui a fait ses preuves. Et même si le chant anglais est perfectible, les tripes de ce disques font mouche. Dirty Velvet puise son inspiration bien au delà du groupe de Tony Iommi. Sa musique, tout au long des 10 chansons évoque tour à tour Candlemass (ok, facile, les dignes héritiers du Sab’) que Blue Oyster Cult (Another reality me rappelle sur quelques plans un certain Astronomy) ou encore Pink Floyd. Même le son est quelque peu old school, ce qui participe pleinement au charme de ce premier album plus que réussi. Heavy, plaintif, psychédélique, hypnotique, aérien… il y a beaucoup à découvrir sur ce Far beyond the moon, premier essai réussi de Dirty Velvet.