SPIDERS: Killer machine

Hard rock, Suède (Spinefarm, 2018),

Qu’ils ont le vent en poupe, les groupes suédois! Spinefarm ne s’est sans doute pas trompé en signant les heavy rockers de Spiders, menés par la charmante vocaliste Ann-Sophie Hoyles qui mènent ses compagnons à la baguette. Mélodieux, doux et puissant, son chant est déterminé à séduire l’auditeur. Spiders, avec son nouvel album Killer machine, propose un hard rock typique de ce qui se faisait dans les 70’s. Look inclus. Il suffit en effet de jeter un rapide coup d’œil à la pochette pour comprendre que la période glam est chère au groupe. Alors, bien sûr, la musique évoque Suzy Quatro, un peu de Joan Jett – la « vulgarité » articulaire en moins – et on pense, aussi, au compatriotes de Blues Pills, et, dans sa musicalité dansante et entraînante, à Abba. Le hard rock vintage des Shock and awe ou Burning for you se marient à la tendresse de titres plus rock comme Dead or alive, voire à tendance disco tel Like a wild child, voire au rock direct de Steppenwolf ou, plus récemment de Royal Republic. L’intro – double grosse caisse et guitare dépouillée – de Swan song évoque une version soft du Overkill de Motörhead, en moins rugueux et plus psyché… Une variété parfaitement assumée et maîtrisée.Même le son semble volontairement minimaliste, sans fioritures inutiles. En allant à l’essentiel, Spiders tape dans le mille. Un groupe qu’on espère bientôt découvrir sur scène.

GHOST: Ceremony and devotion

Hard rock, Suède (Spinefarm, 2017)

Qui a déjà vu Ghost live le sait: le groupe frise la perfection à chacune de ses apparitions. Et après seulement 3 albums studio, les Suédois nous offrent enfin un album live, double qui plus est. Le tracklisting de Ceremony and devotion est impeccable, chaque album étant représenté, rien n’étant à jeter. Allez, la seule que l’on puisse regretter? Le public « capté » à San Francisco, trop parfait pour être honnête. Ca sent simplement le travail en studio, tant les interventions tombent pile comme il faut. Mais ne nous arrêtons pas à si peu, la technique a été utilisée tant de fois qu’on n’en est plus surpris. Le principal reste bien le plaisir qu’on a à écouter les Per aspera ad inferi, From the pinacle to the pit, Year zero, Mummy dust… On pourrait tous les citer tant la setlist resseble à un défilé de hits. Ceremony and devotion est le témoignage d’une formation qui, comme d’autres avant elle, a traversé des épreuves qui pourraient remettre en cause son avenir. A suivre lors du prochain Download Paris, en juin prochain, où Ghost nous montrera sans doute un nouveau visage. En attendant délectons nous de cet album délicieusement subversif qui se termine avec l’incontournable speach de Papa Emeritus III précédant Monstrance clock. A savourer vous dis-je!

TRUST: Live Hellfest 2017

Hard rock, France (Verycords, 2017)

Il en aura fallu du temps pour que Trust se produise au Hellfest. Nous ne reviendrons pas sur le premier rendez-vous raté qui devait voir notre fleuron national jouer en tête d’affiche, ni même sur cette prestation en demi-teinte qui, d’un commun accord, ne fut guère représentative de ce qu’est vraiment Trust. Nous n’en aurons jamais confirmation, mais je reste persuadé que le concert étant enregistré pour ce live, le groupe a reçu pour consigne de ne pas s’emporter et Bernie de laisser ses humeurs au vestiaire. Même si ce Live Hellfest 2017 a, depuis sa sortie fin 2017, été disséqué, décortiqué et critiqué sous toutes ses coutures, même si le look de vacancier plagiste de Bernie surprend toujours autant, même si, même si… on reste surpris par l’étonnant choix que fait Trust, face à quelques dizaines de milliers de spectateurs, de démarrer son set par L’archange, titre d’une remarquable efficacité mais encore inconnu de ceux qui n’ont pas vu les Parisiens sur scène lors de leur récente tournée marathon. Ce morceau, tout comme le non moins efficace Democrassie, figurera sur le nouvel album à paraître cette année. Le reste de la setlist est quasi impeccable: on aurait pu se passer d’un Surveille ton look au profit d’un Idéal ou d’un Par compromission par exemple (il est urgent de réhabiliter ce quatrième album trop injustement décrié!) et gagner un peu de temps au lieu d’imposer un rappel. Car, sur l’heure qui lui est allouée, Trust offre un set d’à peine plus de 57′. Franchement, malgré le souvenir mitigé que m’a laissé cette prestation, si l’on s’en tient à l’audio (les images confirment le rôle purement musical et figuratif de David Jacob et Iso Diop à la mobilité limitée, mais montrent un Christian Dupuy simplement  heureux de battre le rythme), Trust confirme que sa musique se suffit à elle même. Un rock puissant, direct, d’une efficacité redoutable et remarquable. On pouvait s’attendre à pire, et le résultat est, finalement, une agréable surprise (même si un livret manque cruellement…)

MAGNUM: Lost on the road to eternity

Hard rock, Royaume-Uni (SPV, 2017)

Si le titre de ce nouvel album de Magnum se veut prémonitoire, son contenu pourrait bien transformer ce rêve en réalité. De bout en bout, en effet, ce Lost on the road to eternity, enthousiasme, entraine ou/et émerveille l’auditeur. Les mélodies sont simplement toutes d’une simplicité et d’une efficacité à nulle autre pareille, avec des airs immédiats, des mélodies et des refrains qu’on s’amuse à siffloter en choeur sans prendre le temps de se demander ce qu’il se passe. La légèreté de l’ensemble confirme tout le talent de ce groupe qui, tout en restant fidèle à ses origines, taille de véritables hits en puissance. C’est que depuis sa création en 1972, Magnum en a vu et vécu des choses… De Preachers and cream – très réaliste – à King of the wold – très optimiste et positif – chacune des 11 chansons de ce disque fait mouche. A une époque où la violence est à chaque coin de rue, Lost on the road to eternity choisit le chemin de la bienveillance, tant dans ses constructions musicales que dans ses propos. Une totale réussite qui s’adresse à tous les amateurs de belles mélodies.
A noter : SPV propose une version de l’album agrémentée d’un CD bonus contenant 4 titres live enregistrés en 2017. Certes, c’est court mais en attendant un nouveau live intégral, on s’en contentera!

Hommage à Fast Eddie CLARKE

Fast Eddie, le guitariste avec lequel Motörhead est devenu une légende est décédé dans la nuit du 10 janvier 2018 des suites d’une pneumonie. Après Philthy Animal Taylor (décédé le 11 novembre 2015) et Lemmy (le 28 décembre 2015), c’est le dernier membre du Motörhead légendaire qui disparaît. Cet article est mon hommage à ce guitariste d’exception, ainsi qu’au groupe que fut ce Motörhead, bviereux et dangereux au possible. 

Source: internet

Motörhead est à la musique ce que son fondateur était à la médecine : une énigme. En quatre décennies d’existence, Motörhead a connu tant de revers, de trahisons, de coups bas, d’incompréhension, de changements de line-up, s’est retrouvé à la rue on ne sait combien de fois… que le groupe aurait dû, s’il y avait une réelle logique aux choses, disparaître depuis bien longtemps. La vie en a décidé autrement.

1975. Ian Fraser Kilminster, alias Lemmy, retrouve sa terre natale anglaise après s’être fait éjecter de Hawkwind pour possession de drogues (« des mauvaises drogues », dira-t-il plus tard) lors d’un contrôle douanier à la frontière canadienne. Il en faut plus pour démotiver l’ancien roadie de Jimi Hendrix qui décide de monter son propre groupe, qu’il souhaite d’abord appeler Bastards. Mais un management avisé le persuade qu’avec un tel patronyme, Lemmy ne passera jamais à Top Of The Pops. Le bassiste/chanteur choisi alors le nom de la dernière chanson qu’il a écrite pour Hawkwind Motörhead. Le groupe est alors composé, outre son fondateur, du guitariste Larry Wallis et du batteur Lucas Fox, le trio étant managé Dave Edmunds.

Ce dernier s’attèle à la promotion de son nouveau poulain et parvient à faire entrer Motörhead dans l’écurie de United Artists. Le trio entre alors en studio pour enregistrer son premier album qui ne satisfait pas le label, United décidant de ne pas commercialiser On Parole. La carrière de Motörhead commence mal, d’autant plus que Lucas Fox se fait virer pendant les sessions d’enregistrement et se voit remplacé par Phil Taylor, bientôt surnommé « Philthy Animal » Taylor.

Le groupe répète intensément et Lemmy pense qu’un second guitariste est nécessaire. Eddie Clarke – ou Fast Eddie, né 5 octobre 1950 à Twickenham – entre en scène en 1976 au grand dam de Larry Wallis qui décide de retrouver sa liberté. L’efficacité du dernier arrivé est telle que Motörhead demeurera un trio.

En 1977, les choses n’avancent pas. Alors que le trio est au bord de l’implosion à cause du manque évident de succès de leur entreprise, les musiciens profitent de deux journées dans un studio pour jeter les bases de onze morceaux qui tous se trouveront sur le premier album officiel de Motörhead que le label Chiswick commercialise au mois de septembre. Illustré par un certain Joe Pentagno qui crée War-Pig, le célèbre monstre qui suivra à jamais Motörhead, ce premier album démontre simplement que la rage est là, teintée de ce Blues dont jamais Lemmy ne se départira. Le public est sous le choc de la puissance de l’ensemble. Comment un trio peut-il atteindre ce niveau de violence ? Sous le choc aussi de cette voix née de la rencontre d’une râpe à fromage et de papier de verre. Le résultat, c’est la vigueur de Motörhead, le blues de la reprise Train kept a rollin, le prémonitoire White line fever ou Iron horse/Born to lose. L’album atteint bientôt la 43ème place des charts, pourtant Motörhead décide de mettre un terme à sa collaboration avec Chiswick .

L’arrivée de Douglas Smith comme manager de Motörhead en 1978 marque un véritable tournant dans la carrière du groupe qui se professionnalise vraiment. La première tâche à laquelle s’attelle Smith est simple : trouver un foyer pour son groupe. Motörhead signe alors avec le label Bronze, entame une tournée anglaise de 18 dates, et savoure un premier passage à Top Of The Pops. Puis il est temps de proposer du concret aux fans. Le trio retourne en studio alors que le monde vit sous le joug du punk depuis bientôt deux ans. Mais la brutalité et la spontanéité de Motörhead parvient, comme l’a démontré la tournée, à réunir tout type de public, du simple hardos qui commence à ressortir au skinhead en passant par le punk ou le mod’s. Des jeunes à la recherche de virilité et de décibels.

Overkill parait en mars 1979. Le choc est réel. Dès l’introduction à la double grosse caisse du morceau éponyme, le public et les médias savent que le Rock est en train de vivre un grand moment. Sale, violent, puant la transpiration, la bière tiède et les cendres froides, Overkill , grâce à une collection d’hymnes intemporels (Stay cleanI’ll be your sisterNo classTear ya downMetropolisCapricorn…) permet à Motörhead d’élargir son public à travers l’Europe. Soutenu par deux singles, l’album monte à la 24ème place des charts. Bronze se frotte les mains. A peine Motörhead a-t-il le temps de souffler que le label renvoie les musiciens en studio au mois de juillet. Il faut battre le fer tant qu’il est chaud…

Dès le mois d’octobre, le public retrouve le nouveau groupe le plus dangereux du monde grâce à Bomber qui grimpe à la 12ème place. Oui, trois petits mois auront suffit pour concevoir cet album, qui malgré son succès et malgré la puissance de morceaux comme Dead man tell no tales ou l’éponyme Bomber semble très légèrement moins inspiré que son prédécesseur. Si l’esprit rock direct est partout présent, si Motörhead cherche un peu à se renouveler, une certaine lassitude semble s’installer. Cela transparait avec Lawman ou l’inquiétant Sweet revenge, titres lents et lourds mais joués sans réelle conviction. Pourtant, le succès commence à attiser les convoitises… Rappelez-vous : United Artists avait refusé de sortir On parole en 1976. Trois ans plus tard, le label n’hésite pas à le faire.

Motörhead n’a pas le temps de s’inquiéter de l’accueil reçu par Bomber ; déjà le trio part en tournée pour conquérir le continent en compagnie de Saxon (onze dates en Hollande, Allemagne et France) tandis que le Royaume-Uni commence à céder aux coups de boutoirs de ce phénomène que l’on nommera bientôt la New Wave Of British Heavy Metal. Nous sommes en 1980 et le monde du Rock connait une nouvelle mutation. Motörhead en tirera largement profit, comme le démontre l’énorme succès rencontré par Ace Of Spades qui parait en novembre. Cette fois, point de faiblesse. Motörhead signe l’album parfait de Rock sur lequel rien n’est à jeter… Produit par Vic Maile, rendant hommage aux hommes de l’ombre (We Are The Road Crew), parlant des plaisirs de la vie (Ace Of SpadesThe Chase Is Better Than The CatchLove Me Like A Reptile…) Ace Of Spades est bientôt certifié disque d’or, et entre dans le cercle fermé des indispensables classiques du genre.

Motörhead repart sur les routes. Sillonnant sa terre natale, le trio enregistre ici et là ce qui deviendra son premier album live. Mais avant, Lemmy and Co. s’offrent un petit plaisir et enregistrent un maxi single de trois titres avec les nouvelles copines de GirlschoolSt Valentine’s day massacre est propulsé n°5, confirmant le capital sympathie acquis par le trio. Tout va pour le mieux, et avant de s’envoler pour le nouveau continent (vaste territoire qui reste encore à conquérir, les disques de Motörhead n’y étant pas distribués) afin d’ouvrir pour Ozzy Osbourne, Motörhead savoure le plaisir des sommets du podium. No sleep ‘til hammersmith est le parfait témoignage de l’efficacité dévastatrice de Motörhead face à son public au début des années 80. Enregistrés sur plusieurs dates au cours de sa dernière tournée en date, les 11 morceaux figurant sur cet album démontrent que Motörhead n’a pas usurpé son titre de groupe le plus dangereux du monde. Et ce groupe se hisse à la première place des charts ! Plutôt bien pour une formation qui était au bord de l’implosion quatre petites années auparavant, non ?

Un tel succès ne se mérite qu’à force de travail et d’implication. La tournée ne s’est pas passée sans heurts, Eddie et Phithy se battant régulièrement. Lorsque sonne de nouveau l’heure d’enregistrer, il y a de réelles tensions au sein du groupe qui décide de produire lui-même son futur album. Fast Eddie est donc en charge de donner forme au son de Iron fist. Le guitariste verra plus tard dans ce choix l’existence d’un piège destiné à trouver une raison pour le remplacer. Car, oui, Iron fist ne satisfait pas autant les fans lors de sa sortie en avril 1982. Sans être désastreux, les retours sont mitigés. Certes, des morceaux comme Iron fistLoser ou (Don’t need) Religion sont du pur Motörhead . Mais l’ensemble pêche par manque de dynamisme sonore sans doute. Le 14 mai, Fast Eddie quitte Lemmyet Philthy, et part fonder, en compagnie de Pete Way (bassiste de UFOFastway.

Rapidement, les gaillards sont en désaccord, et le bassiste fonde son propre groupe, Waysted. Fast Eddie s’entoure d’une fine équipe et enregistre un premier album, un Fastway remarquable et remarqué et à l’opposé de Motörhead. L’album lorgne plus du côté des Led Zeppelin que de la brutalité lemmyesque. Malgré toutes ses qualités, et malgré le fait que Fastway vende plus que Motörhead ne l’a jamais fait jsuqu’alors aux USA, le disque ne parvient pas à devenir disque d’or: « seulement » 400.000 exemplaires sont vendus. Chiffre qui encourage le groupe à continuer.

C’est confiant que Fastway réintègre les studio afin d’y accoucher de l’excellent Waiting for the roar. Le groupe est en forme et cela se ressent sur chacun des morceaux de l’album qui peine cependant à séduire les acheteurs. Pas grave, c’est aussi ça le rock. Mais mal conseillé ou mal inspiré, Fastway va voir le public déserter par la suite à cause de choix aventureux et pas forcément judicieux.

BLACK LABEL SOCIETY: Grimmest hits

Hard rock, USA (Spinefarm, 2018)

Ce n’est pas parce qu’apparaît le mot « hits » que Grimmest hits, nouvel album du Black Label Society de Zakk Wylde est un best of… Non,non, non… Rien à voir! Il s’agit bel et bien du successeur de Catacombs of the black Vatican paru en 2014. Et là encore, les amateurs de BLS seront simplement comblés, sans pour autant, reconnaissons-le, être surpris. Car les 12 morceaux de ce disque sont le reflet de ce que Zakk fait de mieux: de jolies et puissantes mélodies, de gros riffs de guitares et la ballade qui va bien. C’est carré, chanté avec cette voix profonde et grave qui est typique au guitariste. Grimmest hits se révèle rapidement être un de ces albums profondément honnêtes qu’on a beaucoup de plaisir à écouter, même si on ne retient pas tout spontanément. Pas de révolution, mais un vrai bon moment que nous offre, une nouvelle fois, Black Label Society – qui sera de passage au Bataclan de Paris le 8 mars, et au Bikini de Toulouse le lendemain, 9 mars. Rendez-vous est pris avec l’un des plus sympathique guitaristes bourru comme un ours de sa génération.

Livre: AC/DC Tours de France 1976-2014 : Les bonus

Recueil de documents, France (Editions Point Barre, 2017)

Quel fan d’AC/DC n’a pas dans ses rayonnages la bible ultime qu’est AC/DC Tours de France concoctée de longues années durant par Phil Lageat (rédac’ chef de la bible mensuelle en France qu’est Rock Hard), Baptiste Brelet et mis en images et en pages par Vanessa Girth, également responsable de la mise en pages du sus mentionné mensuel? Le travail alors accompli fut logiquement salué par tous, à commencer par les membres du groupes eux-mêmes. Alors quand certains témoins, après la parution de ce premier pavé décident de se faire connaitre, lorsque de nouveaux documents sont confiés au trio, lorsque la fatigue de 7 années de travail cède le pas à la passion et l’envie de pousser plus loin, que se passe-t-il? On prend les mêmes, on remet le couvert et on relance la machine. Et on offre AC/DC Tours de France 1976-2014: Les Bonus

Ce second volume commence fort, avec la promesse d’un troisième volet… Ben oui, c’est logique: des choses se sont passées depuis 2014, de la séparation d’avec Brian Johnson à la disparition de Malcolm Young en passant par une tournée avec le sulfureux Axl Rose, autant de sujets attendus pour un ultime chapitre.

Mais en attendant, on se délecte de ces photos, rares et nombreuses, de ces témoignages inespérés d’anciens collaborateurs, de ces coupures de presse et de tous ces documents inédits et de cette incroyable aventure que fut le concert « fantôme » de 1991… Vous aviez cru que Lageat et sa bande avaient tout récolté? Vous serez les premiers surpris! S’il y a moins de textes et de témoignages, cependant tout aussi riches que précédemment, les 304 pages n’en restent pas moins bourrées de ces documents qui nous font encore et toujours rêver: photos inédites, places de concerts, pass divers, tout ou presque y est. Une seule chose m’étonne, c’est l’absence de photos de Marc Villalonga qui doit pourtant en avoir encore quelques unes dans ses archives…

Vous avez aimé le premier volume? Alors vous êtes sans aucun doute déjà en possession de ces Bonus. Vous avez raté le premier? Foncez sur celui-ci sans hésiter. En attendant la conclusion à cette oeuvre ultime d’une légende ultime du rock. Bravo à vous 3!

Cet ouvrage a fait l’objet d’une édition limitée, dédicacée, avec fourreau et 3 lithographie. Il en reste peut-être quelques exemplaire à commander sur le site www.acdclelivre.fr

Interview: ATTRACTION THEORY

Interview ATTRACTION THEORY : rencontre avec Didier Chesneau (guitares). Entretien mené le 7 novembre 2017 au Hard Rock Cafe Paris.

metal-eyes: Didier, tu es ici pour assurer la promotion du premier disque de Attraction Theory, commençons par quelque chose de très original : peux-tu raconter en quelques mots l’histoire de ce nouveau groupe ?

Didier Chesneau: Oui, je peux le faire…

metal-eyes: Merci ! Passons donc à la question suivante…

Didier Chesneau: C’est ça ! (rires général) Le groupe s’est monté à l’initiative de Constance (Amelane, chant) et moi. Nous nous sommes rencontrés par le biais d’un ami commun qui est artist relation chez Ibanez et qui faisait des « hapy hours » où il invitait des musiciens, producteurs, plein de gens, pour qu’ils se rencontrent. J’ai rencontré Constance comme ça : elle est venue me voir en me disant qu’elle devait enregistrer avec un groupe que je devais produire. Finalement, ce projet n’a pas aboutit et elle m’a rappelé quelques mois après pour enregistrer des voix qu’elle devait faire avec un groupe anglais, et là, je l’ai découverte en studio. Je me suis dit « euh, ça chante plutôt vachement bien », et on a décidé de commencer à faire des titres, sans but précis, voir un peu ce qui allait se passer. Ça a évolué, le but au départ c’était de laiser des ouvertures, de collaborer avec les uns et les autres et petit à petit, chacun a commencé à vouloir mettre son grain de sel, des amis musiciens voulaient mettre une basse, « tiens, j’ai des idées, j’ai un riff, j’ai un texte »… et le groupe s’est constitué comme ça.

metal-eyes: On peut dater la naissance du groupe à quand ?

Didier Chesneau: Officiellement à l’année dernière puisqu’on a réellement commencé à enregistrer quelques titres l’année dernière, le premier concert, c’était en janvier 2017. C’est tout frais.

metal-eyes: Ce premier concert, c’était le PMFF VI. Il y a quelques personnes, pas très nombreuses, qui ont pu vous découvrir sur la petite scène..

Didier Chesneau: Oh, il y avait du monde quand même…

metal-eyes: Oui, mais c’était la petite salle qui était bien remplie, c’est vrai. Mais petite. Quels sont les souvenirs que tu gardes de ce premier concert ?

Didier Chesneau: UN super souvenir, parce que, déjà, le PMFF, c’est très familial. Phil (‘em All, l’organisateur et présentateur du Rock Fort Show) fait tout ce qu’il peut pour défendre la scène française, et c’est toujours cool. Là, c’était le premier concert du groupe, il y avait plein de potes qui jouaient dans les autres groupes autour, c’était la première confrontation avec un public, en électrique – on avait déjà joué des titres avant, tous les deux, mais dans un autre contexte. C’était en début d’année, une bonne inauguration de l’année !

metal-eyes: Aujourd’hui, vous arrivez avec Principia composé de 3 morceaux originaux, dont 2 sont en 2 versions et 1 reprise. Pourquoi avoir choisi le format plus proche du single que du Ep pour commencer plutôt que de vous lancer dans l’aventure.

Didier Chesneau: Je viens d’une époque où c’était normal de présenter les groupes avec un single ou un Ep, et en plus, aujourd’hui, on est dans une manière de consommer la musique qui est clairement différente. C’est-à-dire que les albums n’ont plus la même valeur npour certains auditeurs qu’à une certaine époque : les gens sont plus prêts à consommer des titres un par un sur itunes et ces trucs là plutôt qu’un album complet. Et du fait de nos passé respectifs, on avait plus envie de présenter le groupe pour ensuite, lorsque l’album va arriver, parler de la musique. Au moins, la question « présentation » est évacuée, et on va pouvoir parler du groupe et de l’album à ce moment là.

metal-eyes: Comment décrirais-tu la musique d’Attraction Theory pour quelqu’un qui ne connais pas le groupe ?

Didier Chesneau: Je ne la décrirais pas… Je dirais que c’est un mélange de metal, de rock… Mais c’est difficile à mettre dans une case. Comme je te l’expliquais, quand on a écris, on ne s’est pas tellement posé de questions sur le format, etc. On a d’abord écrit les titres, certains en acoustiques, d’autres guitare voix, on a envie d’un peu d’énergie, on branche… On ne s’est jamais dit qu’il fallait que ça rentre dans telle case, que ça devait être formaté de telle manière. Du rock, du metal, du prog…

metal-eyes: Il y a même de la pop…

Didier Chesneau: Oui, voilà ! Le but, c’est que ça sonne le plus personnel possible sans avoir la prétention de réinventer quoi que ce soit. Ça reste du rock, un peu énervé, mais accessible.

metal-eyes: Vous avez choisi le chant anglais. Il y aune raison particulière à ça ?

Didier Chesneau: La première raison, c’est que c’est  ce qui est venu naturellement. On a tous beaucoup tourné à l’étranger dans nos projets respectifs. En plus, la première fois qu’on a joué des titres qui allaient devenir ceux de Attraction Theory, c’était au Etats-Unis… Donc l’anglais s’est imposé comme ça, pour le côté communication. On a tous joué beaucoup à l’étranger, on a un batteur américain, il n’y avait pas forcément la volonté de se fermer, et aussi, écrire en français, il faut pouvoir le faire ! Tu n’as pas forcément les mêmes choses, les mêmes doubles-sens, le langage ne se prête pas forcément de la même manière, avec la même facilité. On est un groupe français, mais il n’est pas certains d’avoir besoin de la langue française pour s’exporter…

metal-eyes: C’est quoi, justement, cette Théorie de l’attraction ?

Didier Chesneau: Ah, ben c’est ce que tu veux y voir… C’est quoi, pour toi, la théorie de l’attraction ?

metal-eyes: (long silence…) C’est moi qui pose les questions !

Didier Chesneau: Tiens, c’est marrant, tu es le deuxième à me faire ça ! « C’est moi qui pose les questions » (Rires). C’est un peu pour ça qu’on a choisi ce nom là : selon les personne, l’appréhension ne sera pas la même/ Certains vont y voir les connotations philosophiques en premier – tu attires à toi ce que tu es, ce que tu aimes… – c’est souvent les femmes qui voient ce côté-là, ou alors, c’est Newton, concret, je prends un truc, je le lâche et ça tombe. C’est souvent plus masculin comme réflexion, plus cartésien, et pour un groupe construit autour d’un homme et d’une femme, on avait trouvé assez amusant de jouer là-dessus.

metal-eyes: D’autant plus que cet homme et cette femme sont en couple et je me souviens que Constance était enceinte au PMFF.

Didier Chesneau: Ah ouais, comment tu as vu ça ??? (rires) Il faut garder un peu de secret, mais au PMFF, ça se voyait un petit peu… Ce qui a rendu ce concert d’autant plus particulier.

metal-eyes: Pourquoi avez-vous attendu 10 mois entre le PMFF et la sortie de ce disque ?

Didier Chesneau: Parce qu’il y avait des choses à préparer… Une partie des titres n’était pas enregistrée, mais on a vraiment voulu jouer les morceaux sur scène, voir comment ça se passait, savoir ce que nous alliions en faire. Et comme tu le disais, Constance était déjà enceinte de 8 mois, ce qui était déjà… assez amusant de faire un concert dans ce contexte là…

metal-eyes: Je me souviens avoir vu une tasse avec une tisane et une paille posée là, devant la scène… Très rock n’roll !

Didier Chesneau: (rires) C’est ça ! Il fallait aussi que le temps passe, et maintenant on a un bébé rock n’roll qu’on peut se permettre de laisser un peu par moments, pour pouvoir s’occuper un peu du groupe, ce qu’on n’aurait, évidemment, pas pyu faire tout de suite après le PMFF.

metal-eyes: Rappeler Christophe Babin (Headline) à la basse, c’était une évidence pour toi ?

Didier Chesneau: Ca l’a souvent été. On a travaillé, même depuis Headline, sur beaucoup de projets ensemble. On ne s’est jamais vraiment quittés, même avec Aymeric Ribot. A partir du moment où tu inities un nouveau projet qui se veut ouvert – parce que c’est vraiment ça – tu as des amis musiciens, talentueux, amis de longue date… Pourquoi les exclure ? Il m’a appelé, il m’a demandé ce qu’on faisait, de lui faire écouter… « ah, oui, c’est bien ce que tu fais, là… Mais euh… T’as pas besoin de basse ? » Evidemment. Evidemment, c’est un excellent musicien, c’est un ami de longue date et, oui, c’est une évidence parce qu’il y a forcément des automatismes et je qais qu’avec lui, il y a une telle complicité que ça devient évident.

metal-eyes: Quel a été ton premier choc musical, le premier musicien, le premier groupe qui t’a fait dire « voilà ce que je veux faire plus tard » ?

Didier Chesneau: Je ne sais pas si c’est le « premier choc musical », mais en tous cas, à la guitare, ça a été Van Halen. Avant je jouais un peu de guitare, acoustique avec Hotel California et Jeux interdits. Et il y a eu Eruption et je me suis demandé ce que c’était que ce truc là. J’ai essayé de le jouer sur une acoustique et c’était compliqué, quand même (il sourit). J’ai un ami qui est arrivé avec une guitare électrique et une pédale de distorsion et il m’a dit « mais non, voilà comment ça se joue ! » Ah ouais… Par rapport à la guitare, ça a été ça, mon premier choc. Avant j’écoutais déjà Foreigner, AC/DC, mais le premier qui a fait un lien entre le rock et la guitare électrique, c’est Van Halen. Gary Moore et Malmsteen, le trio maléfique.

metal-eyes: Ou bénéfique…

Didier Chesneau: Ou bénéfique. Les trois conjugué font que j’ai du mal à me passer d’une guitare.

metal-eyes: Beaucoup plus pop, vous avez choisi sur Principia de faire une reprise de Mike Oldfield, To France. Pourquoi ce titre là ?

Didier Chesneau: Pareil, une sorte d’évidence : Constance était venue nous rejoindre avec Headline à l’occasion du PMFF V, et on avait clairement envie de faire la fête avec des amis. On avait joué To France, pour notre ami Phil – on est au Paris Metal France Festival… Les gens avaient aimé la version, la voix de Constance s’y prête, aussi : ça permet d’aborder deux choses qui sont dans notre musique, le côté chanson avec une mélodie pop et le côté rock. Entre le début vocalement pop et la fin où elle s’énerve un peu… Comme je te disais, on a joué certaines de nos compos à l’étranger et, finalement, à chaque fois, contrairement à l’idée préconçue, ce n’est pas préjudiciable d’être Français. Les Américains ont écouté, et c’est « Paris, France Tour Eiffel » ! Tout l’Est, aussi, on est allé à Nashville pour le NAM, on a fait la route du rock, et dès que tu arrives dans un club ou dans une boutique de musique au milieu du Tennessee, ben… le fait que tu viennes de la région parisienne, il y a un espèce de côté… Ils en sont restés à Lafayette : la France a libéré les Etats-Unis, c’est un côté assez marrant pour nous parce qu’on ne s’attend pas du tout à ça ! Surtout moi, qui n’ai pas de culture américaine particulière, je n’y suis pas beaucoup allé… On a vu beaucoup d’Etats pendant ce voyage et le fait d’être Français fait qu’il y avait déjà un a priori positif. Je m’attendais à un accueil un peu austère, surtout dans le Sud des Etats-Unis, et on n’a pas du tout ressenti ça. Finalement présenter un nouveau groupe avec ce morceau était une manière d’afficher notre origine. Et musicalement, Mike Oldfield a aussi cette ambivalence : on ne sait pas si c’est un artiste de pop, de prog, il peut faire To France et Tubular bells. Il y a cette largeur d’esprit, cette ouverture musicale qui nous intéressait. C’est un choix qui, en tout cas, nous amusait.

metal-eyes: Quelle pourrait être la devise du groupe ?

Didier Chesneau (sans hésiter): « Be attracted » ! (rires) Forcément !

metal-eyes: Y a-t-il encore un avenir pour Headline ou le groupe est-il définitivement enterré ?

Didier Chesneau: Il n’est pas définitivement enterré. Il est en sommeil depuis longtemps..

metal-eyes: L’avant dernier PMFF, j’ai l’impression.

Didier Chesneau: Oui, l’avant dernier PMFF, parce qu’il y a un album qui était en cours mais on a tous des envies différentes, pas forcément au même moment et chacun a un peu fait sa vie en dehors de Headline. Aymeric qui est à la fois claviers et arrangeur et surtout un super chanteur et il a exploité ce côté-là en jouant Van Helsing dans la comédie musicale Dracula pendant un an et demi. Il a fait The voice après, Christophe a fait beaucoup de sessions, il a accompagné Magalie Luyten (Nightmare) Dans des projets pédagogique, il est avec Pat O’May maintenant… Il a récemment joué avec Ian Paice (Deep Purple) et avec Ron Thal… Sylvie a fait son école de chant, et est plus portée sur l’écriture… Dirk… Soilwork et Megadeth, ça occupe un peu… Je pense qu’en plus on n’a sincèrement pas vu le temps passer, on est très proches, on a travaillé ensemble sur la plupart de ces projets, on est toujours en contact. Les choses se sont passées naturellement après Duality, on a fait les concerts, la promo et les choses int un peu trainé. Moi, j’ai ouvert un autre studio, j’ai passé du tems à l’aménager, à faire de la production pour d’autres et à un moment, j’ai eu envie de refaire de la scène, de retrouver les gens, mais le timing ‘est pas forcément le même pour tous. On n’est pas nostalgiques – Escape, ça fera bientôt 20 ans qu’il est sorti… Headline n’est pas enterré, il n’y a jamais eut de split officiel, de fâcherie… Peut être qu’un jour on surgira su bois pour faire quelque chose, mais pour le moment, c’est en sommeil.

metal-eyes: Une dernière chose, qui va te permettre de faire un petit retour sur la journée : quelle a été la meilleure question posée aujourd’hui, la plus étonnante, bizarre, surprenante ?

Didier Chesneau (il réfléchit quelques instants) : J’ai eu une question qui était très intéressante sur l’attraction et la physique dans la musique. Je ne m’attendais effectivement pas à ça dans une interview : l’impact de la physique sur les ondes, l’interaction qu’il peut y avoir. La musique est à la fois mathématique et quantique, mais ça c’était… surprenant. Ça touche effectivement à une certaine ambivalence entre les techniciens de la musique et les autodidactes, le ressenti de chacun est différent te les effets peuvent être identiques.

 

EUROPE: Walk the earth

Hard rock, Suède (Hell&back recordings, 2017)

Il y a des groupes comme ça, injustement maudits… Parce que dépendants d’une notoriété liée à un seul titre, un gigantesque hit, et que le public, injuste lui aussi, ne se souvient que de ça. Trust et Antisocial, Scorpions et Still loving you, Deep Purple et Smoke on the water ou Europe et The final coutdown. Europe qui depuis 3 décennies traine ce morceau comme un fardeau, bien qu’il lui assure de confortables royalties… Quelques mois après un live célébrant, tiens donc, les 30 dudit Countdown, Europe nous offre Walk the earth, un album qui mérite bien plus qu’une attention polie et courtoise. C’est un Europe au meilleur de sa forme qui revient. Sans doute plus en forme encore que sur War of kings, son précédent album studio. Plus dur dans son propos, le groupe suédois, qui évoque parfois Deep Purple (The siege, Election day) s’éloigne de son pré carré, de sa zone de confort, et explore encore de nouveaux horizons, la mélodie toujours en avant. 10 morceaux rock, enlevés, enjoués, aux mélodies imparables, un John Norum inspiré qui nous offre des soli irréprochables, une ballade, Pictures, plus qu’émouvante, du rythme, du groove…  Europe nous offre un album à la hauteur de nos attentes, impeccable de bout en bout. Mettez de côté un certain album trentenaire et jetez vous sur ce Walk the earth. Bravo!

Interview: VANDENBERG’S MOONKINGS

Interview VANDENBERG’S MOONKINGS : rencontre avec Adrian Vandenberg (guitares). Entretien mené le 26 octobre 2017 chez Gibson France, Paris.

Quand on vous demande en dernière minute si vous souhaitez faire l’interview d’un de vos héros d’adolescence, vous dites quoi ? Absent depuis 4 ans, Adrian Vandenberg vient assurer le service après vente du nouvel album de son Moonkings. Bavard ? Oui, et vous saurez tout sur ce nouveau disque

 

metal-eyes: Adrian, nous nous étions rencontrés lors de la sortie du premier album de Moonkings, comment te portes-tu depuis 4 ans ?

Adrian Vandenberg: Vraiment bien, et les choses s’améliorent de jour en jour parce que la date de sortie approche ! Nous allons, d’ici deux semaines, commencer la tourner, et nous avons hâte. Il y a eu des retards pris pour cet album, que j’espérais pouvoir publier il y a un an et demi, mais tu sais, on fait tous ces plans, et ça change tout le temps… Mais ça arrive !

metal-eyes: Le groupe lui-même a conservé le même line-up, cependant. Comment vous êtes vous occupés tout ce temps ?

Adrian Vandenberg: D’abord, on a donné beaucoup de concerts. Nous avons commencé à tourner juste après la sortie du premier album, en Europe, au Japon, et l’an dernier… Ce qui nous a mis en retard… J’ai contracté la maladie de Lyme, et il m’a fallu un an et demi pour m’en remettre. Une tique m’a mordu à la jambe. C’est une situation de merde parce que tu te sens fatigué, un peu ailleurs. Je suis vraiment heureux de m’en être débarrassé, beaucoup de personnes n’y parviennent pas. Ça m’a retardé, ainsi que tout le groupe. Tout : le studio, les répétitions, tout s’est rallongé. Mais au final, c’est une bonne chose parce que juste avant d’entrer en studio, j’ai pu écrire deux de mes chansons préférées de l’album, Walk away et If you can’t handle the heat, et elles ne se seraient pas retrouvées sur l’album sans ça…

metal-eyes: Vous avez soutenu le premier album sur scène. Quels sont tes souvenirs du concert parisien ?

Adrian Vandenberg: C’est une des plus belles salles que j’ai pu voir, le Divan du monde et sa déco unique des années 30. Ces canapés, et tout… C’était super. En réalité, nous voulions donner plus de concerts en France mais la tournée à commencé avant la sortie de l’album. Personne ne savait à quoi s’attendre, alors pourquoi booker des concerts ? Ce sera de l’instrumental, du rock ? Qui sait ? Maintenant, ce sera plus facile parce que le premier album a reçu un accueil fabuleux, et le nouveau, les gens se disent « ah, Vandenberg ? Il lui a fallu des années pour revenir, qui sait s’il ne lui faudra pas encore 30 ans pour revenir ? » (rires). Ce sera plus facile maintenant, avec le succès du premier album, d’organiser plus de concerts en France et ailleurs.

metal-eyes: Maintenant que les membres du groupe se connaissent mieux, y a-t-il eu des changements dans votre façon de travailler en studio ?

Adrian Vandenberg: D’une certaine manière, car nous nous sommes rapprochés en tant que groupe, grâce à tous ces concerts que nous avons donnés ensemble. On n’a pas vraiment beaucoup répété, ce que je souhaitais éviter pour ne pas trop « polir » les chansons. Ce que tu entends sur l’album est très dynamique et spontané. En réalité il y a quelques jams sur ce disque. Cet esprit me manque et je crois qu’il y a une raison pour laquelle les gens retournent vers la musique de Led Zeppelin, Free, tout cet esprit 70’S. Si tu écoutes leur musique chez toi, au casque, tu te retrouves en studios avec ces musiciens. Cette spontanéité, cette vibration me manque depuis… 25 ans, depuis que la musique est devenue un business, la musique de nombreux groupe est devenue, également, plus linéaire : tu entres en studio avec un super producteur, il y a toute cette technique pour que tu puisses réaliser un album « parfait », ce qui n’est pas, selon moi, ce que doit être un disuqe de rock. Il doit y avoir du feeling, de bonnes chansons, ce que je crois que nous faisons. Les qualités de musicien, que ce soit dans un groupe comme le notre ou ces groupes que les gens redécouvrent, il y a de très bons musiciens. Tu peux te fier à leur maitrise de la musique, tandis qu’aujourd’hui, c’est tellement facile pour un groupe médiocre d’enregistrer un bon album en se reposant sur la technologie. Ca explique aussi pourquoi beaucoup de gens sont déçus quand ils voient un groupe live : ils jouent avec un disque dur. Les groupes les plus populaires ont 80% de leur musique sur un disque dur, c’est un spectacle de marionnettes. Je fais partie de la vielle école : le show auquel tu assiste ce soir sera unique, tu n’en verras pas un second identique. Ce sera différent le lendemain : le public est différent, tu n’es pas dans le même état, la salle est différente… Rien ne peut être pareil. C’est plus aventureux, tu comprends ?

metal-eyes: Certains des grands groupes aujourd’hui, c’est vrai que tu les vois sur une tournée, tu n’as pas de surprise sur la suivante, même si le décor est différent. Parlons un peu de Mark II : pou moi, il semble qu’AC/DC a rencontré Whitesnake, Led Zeppelin et Jimi PaHendrixge, et toute cette vague vintage. Qu’avez-vous mis dans ce disque ?

Adrian Vandenberg: Quand j’ai lancé Moonkings avec le premier album, je me suis rendu compte que je voulais éviter de me coincer dans l’esprit des morceaux à succès que j’avais écrit dans les années 80, à cause de leur succès. Avec Vandenberg ou Whitesnake… A chaque fois qu’un label s’immisce dans le processus, ce qui est normal puisque c’est leur business. Mais en tant qu’artiste, tu veux éviter cela. C’est une des raisons pour lesquelles nous avons signé avec Mascot, le premier label avec lequel j’ai discuté. Le patron du label m’a dit : « j’ai suivi toute ta carrière, tu n’as jamais fait un mauvais album. Avec nous, tu peux réaliser le disuqe que tu veux, personne n’interférera ». C’est plutôt un bon début, non ? J’ai donc réalisé le disque que je souhaiterai acheter – si, dans mon cas, je ne l’avais pas gratuitement (rires) ! Nous nous sommes vraiment concentrés sur la spontanéité, la dynamique. C’est la première chose qui frappe, plus que la technique, ou les capacités des musiciens. Si tu écoutes un vieil album des Stones, personne ne peut dire s’ils sont bons musiciens ou pas… Il y a du danger, une attitude, et si tu lisses trop le son, ce que j’ai vécu dans ma carrière, tu peux  te dire que la démo sonnait mieux. C’est dommage. J’ai aujourd’hui assez d’expérience pour savoir comment éviter cela. N’en fais pas trop en studio, laisses assez de place en studio pour les tripes… On n’a répété juste avant d’entrer en studio, à la dernière minute ou presque. Il y a beaucoup de spontanéité dans de nombreuses chansons, jouées sans filet. On n’a pas vraiment réfléchi, pour certains titres, à comment les terminer, on a joué et… Il s’est passé ce qu’il s’est passé, tout simplement ! The fire  ou If you can’t handle the heat se sont terminées en sessions jams dans le studio, comme dans les 70’s. J’en suis très fier ! J’ai dû les écouter 1000 fois, et elles me font toujours le même effet. Une chanson doit tenir d’elle-même, ensuite, en studio, c’est du bonus…

metal-eyes: Si la structure est solide, tu peux faire ce que tu veux autour…

Adrian Vandenberg: Exactement, tu peux en faire une chanson country ou pop, si tu veux ! Un bon refrain est très important… Je suis un grand fan des Beatles et… Les gens vont me tuer pour ça, mais je respecte aussi beaucoup Abba : ces gars faisaient de la pop mais avec tout ce qu’il faut. Tu peux en tirer une chanson de hard rock si tu veux ! Love runs out, sur notre album, et personne ne s’en est rendu compte, est une reprise d’une chanson de One Republic. On en a fait une chanson de Moonkings. La raison pour laquelle nous l’avons reprise est parce qu’une émission de télé hollandaise nous a demandé de jouer live. L’idée est de jouer un de tes titres et une reprise, à ta manière. C’était difficile parce qu’ill y a beaucoup de rap… Et j’ai entendu cette chanson de One Republic et j’ai réalisé que c’était presque une structure blues, et il n’a pas été trop complexe d’accélérer le tempo. On voulait que ce soit un titre bonus pour le Japon, qui veut toujours un peu plus… Mais quand Mascot l’a entendue, ils l’a voulaient sur l’album. Je leur ai dit que c’était à eux de se débrouiller avec les Japonais, je ne veux rien avoir à faire avec àa. Et je trouve qu’elle a toute se place sur l’album.

metal-eyes: Selon moi, Jan a, par instants, de plus en plus d’intonations à la David Coverdale. Vous en êtes vous rendu compte ?

Adrian Vandenberg: Pas forcément plus sur cet album que sur le précédentn d’ailleurs. Il a certains héros, et David en fait partie. Jan a 40 ans, et lorsqu’il était ado, il avait ses idoles : Robert Plant, Roy Rogers, Coverdale, Chris Cornell, Ray Gillan de Badlands, et aussi Rod Stewart, celui des débuts…

metal-eyes: Que des voix puissantes…

Adrian Vandenberg: Oh, oui, très puissantes, et il a ce type de voix. Chacun a un certain timbre, et ça ne change pas. Le sien peut évoquer David Coverdale, et même s’il chantait une chanson des Beatles, on entendrait ce timbre. C’est ainsi. Ce dont je suis ravi, c’est que, pour cet album, Jan a gagné en assurance. Il chante ces chansons avec plus d’assurance que sur le premier album. Il n’a pas chanté pendant deux ans. Sur le premier album, je l’ai beaucoup coaché pour qu’il se libère, et là, il est arrivé avec plus de certitudes. Une autre différence : sur le premier album, le chant a été enregistré avec un micro à 30.000 euros. Vintage… Il se tenait devant, et je me suis rendu compte que Jan… En tant que chanteur, tu ne dois pas te sentir vraiment à l’aise avec ça, pas en tant que chanteur de rock. Là, on a utilisé un micro bien moins cher, le genre qu’on utilise en radio. Il peut supprimer un maximum de sons d’arrière plan. Lors d’une émission de radio, tu écoutes l’animateur, tu n’as pas envie d’entendre les tasses de café dans le fond. Jan le tenait comme s’il chantait live, tu vois la position du chanteur de rock sur scène ? Je savais qu’il se sentait bien plus à l’aise. La différence entre ce micro et un micro à 30.000 euros s’entend dans son chant.

metal-eyes: Ca a donc changé son comportement lors de l’enregistrement.

Adrian Vandenberg: Absolument, c’est exactement ça.

metal-eyes: Comment décrirais-tu l’évolution du groupe entre ces deux albums ? AU début, vous ne vous connaissiez pas beaucoup, depuis vous avez tourné, 4 années se sont écoulées…

Adrian Vandenberg: Je me suis rendu compte après les quelques premiers concerts, nous partagions tous le même bus et chaque soir je sentais que nous nous rapprochions, que nous pouvions compter les uns sur les autres. Par exemple, notre premier gros festival en Hollande se tenait devant 50.000 personnes. Les gars n’avaient jamais joué devant plsu de 100 personnes (rires). Et là, ils se retrouvent face à plusieurs milliers de spectateurs, sur une scène de 80 mètres de large, et je ne savais pas à quoi m’attendre. Mais ils ont agi comme s’ils avaient fait ça toute leur vie. Et soudain, ma guitare est tombée en panne, 4 fois. Il y avait un problème technique ou je ne sais quoi, et face à ce type de problème, un tiers du son qui disparait… Ils ont agit de la seule manière possible : en jouant les mêmes mesures, en occupant la scène, et le public s’est rendu compte que je ne pouvais rien faire. Ils ont vraiment assuré ce jour là. Aussi, je me demandais comment Jan allait s’en sortir vocalement live, car en studio il peut monter ou descendre, et il s’en est parfaitement sorti aussi. Maintenant, on est devenu si proches que quand il y a un problème, ce qui arrive naturellement de temps à autres, tu sais que les autres vont rattraper le coup. Et aussi, on a le même type d’humour, alors quand on va donner un concert, on passe toujours de bons moments. Tout le monde est détendu, il n’y a pas de drogues, ni d’alcool, ce qui est vraiment chouette et bien. Il n’y a pas de mauvaises surprises.

metal-eyes: J’ai vu la video de Tightrope, tournée en festival. Vous avez déjà interprété ce titre en festival ?

Adrian Vandenberg: Oui, nous l’avons jouée lors des 3 derniers festivals qu’on a donnés. Le public aime avoir un avant gout de ce qui arrive. Nous ne l’avions répétée qu’une ou deux fois avant, mais c’était un festival de taille moyenne, et ça nous a donné des repères.

metal-eyes: Justement, vous prévoyez de tourner en fin d’année puis au début du printemps, y at-il des festivals européens prévus ?

Adrian Vandenberg: J’espère, j’espère vraiment que nous pourrons jouer dans les festivals en Europe et en France, il y en a un bon paquet maintenant. C’est super de jouer dans des clubs, mais les festivals permettent de toucher un vaste public.

metal-eyes: Si tu devais ne retenir qu’une chanson de MKII pour définir ce qu’est Vandenberg’s Moonkings aujourd’hui, laquelle serait-ce ?

Adrian Vandenberg: Sans hésiter The fire car elle démarre tranquillement, Jan chante avec une certaine mélancolie, et elle monte en puissance avec de gros riffs… Et à la fin, tu peux nous entends jammer, je n’en fais pas beaucoup à la guitare, je n’ai plus rien à prouver aujourd’hui. Je pense que c’est une bonne introduction au groupe. Elle montre le type de chansons que nous jouons, nos racines blues rock…

metal-eyes: Quelle pourait être la devise du groupe aujourd’hui ?

Adrian Vandenberg: La devise ? Probablement… « Jouez avec tout votre cœur, sans aucune limite. »

metal-eyes: Une dernière chose : selon toi, quelle a été la meilleur question, la plus surprenante, étonnante qu’on t’a posée aujourd’hui ?

Adrian Vandenberg: Aujourd’hui ? Mmmh… Voyons… Tu peux dire que c’est une question difficile… J’ai du mal avec ça, avec le temps, j’ai entendu tellement de questions que plus rien ne me surprend vraiment ! Olivier (Garnier) m’en a posée une bonne hier : Nous étions avec Joe Bonamassa qui se plaignait que tout le monde lui pose les mêmes questions. Et il a eu une interview juste après et le journaliste lui a demandé s’il aime Britney Spears ! Ça l’a surpris, et il a demandé dans quel sens… «  Musicalement mais aussi physiquement » Il n’a pas su quoi répondre… Et le journaliste a continué en lui demandant s’il aimait es filles, il l’a emmené complètement ailleurs ! Je ne sais pas vraiment en fait. Tu l’as remarqué, quand quelqu’un me pose une question, je l’utilise comme un cadre pour parler de l’album, du groupe et parfois, une réponse peut, dans mon cas, nous entrainer complètement ailleurs ! (rires) En fait, c’est une de tes remarques : tu es le premier à dire que la voix de Jan s’approche plus aujourd’hui de celle de David Coverdale. Je trouve qu’il s’en est éloigné par rapport au premier album, et cela montre que chacun peut entendre des choses différentes. C’est ce qui est super avec la musique. Ma sœur est une pianiste classique – j’aime beaucoup le classique, aussi – et je lui explique depuis qu’elle a commencé à jouer à l’age de 6 ans, que j’ai toujours aimé le Moonshine de Sinatra. Je la vois comme une chanson pop de l’époque : elle n’est pas compliquée mais elle a ce feeling incroyable. Ma sœur me dit qu’il y a tant d’autres morceaux plus structurés parmi ses chansons. Oui, mais je lui explique que cette chanson me touche par sa simplicité. Il y a un dicton en Hollande qui dit que dans la simplicité, le maitre se révèle. C’est pareil avec la cuisine : c’est un art, comme la peinture, la musique… J’ai un ami qui est chef, et parfois, quand on se voit, je lui apporte une bouteille de bordeaux et lui dit « prépare un repas qui aille avec ça ! » Prépare quelque chose que tu voudrais manger, en France, dans un restaurant au milieu de nulle-part. Et il trouve toujours quelque chose d’assez simple, un peu de viande, du poisson et trouve la perfection avec beaucoup de poisson…

metal-eyes: Tu parles de peinture : tu continues de peindre, j’imagine ?

Adrian Vandenberg: Je n’ai plus vraiment le temps. J’ai un peu peint digitalement, mais pas de toile… Faire quelque chose d’un peu différent, même si je ne suis pas fondu d’informatique. L’an dernier je n’ai réalisé que deux peintures  par manque de temps. Mais je vais me rattraper.