SHOCKER: Fractured visions of the mind

Metal Progressif, Belgique (Autoproduction, 2023)

C’est en 2018 que se forme Shocker, après la rencontre que font Sammy Peleman (chant, ex-After All et ex-September Sin) et Koen Vanasshe (basse, ex-Gae Bolga et autres) avec David Vandewalle (guitare). Après divers essais, le groupe se stabilise enfin et publie en 2021 un premier Ep, mais voit son batteur d’alors quitter le navire. C’est donc avec le guitariste et claviériste Chris Dedeurwaerder et le batteur Louis Genovese que Shocker enregistre Fractured visions of the mind, qui parait fin 2023 et que je découvre aujourd’hui. Tout au long des 9 titres de ce premier album, les Belges nous offrent un metal racé et puissant avec de jolies échappées dans les contrées du metal progressif. Tout au long des Shattered ou Injecting the parasite l’ombre de Queensrÿche et de Geoff Tate semble planer au dessus du groupe, tandis que le chant de Sammy rappelle également celui de Geddy Lee (Rush). Efficace de bout en bout, cet album évoque également par instants Deep Purple ou encore Iron Maiden. Chacun des titres se distingue des autres, dont le morceau éponyme au refrain direct et particulièrement efficace qui précède And so it has begun, une conclusion presque instrumentale seulement « dérangée » par quelques paroles éparses. Avec Fractured visions of the mind, Shocker nous propose un album très accessible et efficace, bien moins torturé que ne le suggère cette horrible pochette. Une superbe découverte à découvrir et à soutenir.

HELLFEST 2024: Le report

La Gardienne des Ténèbres

« Le monde a changé… » Les mots qui introduisent le premier volet du Seigneur des anneaux sont ici adaptés. Parce le Hellfest, aussi, a changé et change. D’année en année, le plus grand festival français de musiques extrêmes poursuit sa transformation et le monstre mue et évolue. Les changements sur le site, s’ils se font moins notables sont pour autant tout aussi remarquables. pour le plaisir des yeux et des oreilles, Metal-Eyes a sillonné le site de long en large, de fond en comble. En 4 jours, ce sont plus de 80 km parcourus, une paire de baskets HS, quelques 36 concerts couverts – avec, pour je crois la première fois depuis longtemps, toutes les scènes visitées, avec notamment un record pour la Warzone – trois saisons vécues en l’espace de ces 4 journées, des averses de dingue mais pas assez longues cependant pour que le site ne se transforme en terrain boueux. Et surtout, des rencontres, des retrouvailles, des découvertes à gogo. Un Hellfest intense et usant, mais c’est aussi ça! Comme il est impossible de tout relater ici, je vous invite à m’accompagner dans mes humbles souvenirs de ce dernier week-end en enfer!

The Sanctuary by night

Commençons cependant, comme il se doit, par les sources d’insatisfaction… Bien que l’orga ait annoncé une fréquentations de 240.000 festivaliers, on a bien souvent l’impression de côtoyer plus de 70.000 personnes par jour. Il n’y a pas qu’à simplement rajouter les invités, les médias ou les bénévoles, mais bien, semble-t-il, du public. En plus de ça, le journal régional s’en fera le relais, entre les files d’attentes pour aller se soulager la vessie – le Hellfest avait déjà bien travaillé le sujet, mais cette année, force est de constater, les longues files d’attentes en témoignent, qu’il y a eu un cruel manque de WC – et le fait de ne plus se voir proposer de « petits » formats de boissons – on oublie les 25cl au profit unique des pintes – une relation de cause à effet? – joue sans doute en ce sens. On notera également une sorte d’aspect plus « touristique » de la population. Certains pouvaient, à tort, reprocher, il y a quelques années au Hellfest d’être une sorte de Disneyland metal, on ne peut que constater qu’aujourd’hui on s’en rapproche de plus en plus, même dans un esprit post apocalyptique. Même si l’arrivée annoncée de la Gardienne des ténèbres, gigantesque création des machines de Nantes attire les regards, on ne peut que constater – déplorer diraient certains – le côté too much du Hellfest cuvée 2024, d’autant plus avec les annonces faites par Ben Barbaud à la fin du week end – Muse ou Coldplay pourraient y avoir leur place. Que le Hellfest soit plus populaire est une bonne chose, mais on a parfois l’impression que l’esprit originel de défenseur des musiques extrêmes a cédé le pas au profit du dieu marketing et/ou capital. Le Hellfest est devenu une marque commerciale à part entière, soit, mais lorsqu’elle se décline autant – pas un supermarché qui ne propose des dizaines de produits dérivés, principalement des boissons, de la bière au whisky, mais également des jeux, des aromates épicés… – on peut se demander où est passé l’esprit aventurier des débuts. La rançon du succès passe sans doute également par là.

Parmis les satisfactions, il y a ce constat que, enfin, Altar et MS1 ne jouent pas en même temps, ce qui permet une meilleure écoute. Logiquement, l’alternance se fait en respectant un rythme MS1/Temple et MS2/Altar tant que cela est possible, à savoir en journée. Egalement, les ombreux points d’eau sont facilement accessibles et permettent donc de s’hydrater comme il le faut.

Lemmy veille. Toujours.

Il n’empêche, la machine Hellfest propose une affiche variée qui, même si elle m’emballe moins cette année, a de quoi séduire tous les publics amateurs de musiques amplifiées, du plus mainstream au plus spécialiste .

Jeudi 27 juin

Le Hellfest commence désormais tranquillement le le jeudi après midi. Les portes ouvrant vers 14h, je fais tranquillement la route depuis Orléans pour trouver place au parking et récupérer sans pression mon accréditation. Le temps de dire un rapide bonjour aux quelques copains déjà présents, je file assister au premier concerts. Un coup d’oeil au Sanctuaire, l’espace merch officiel du Hellfest m’incite à ne pas prendre place dans le queue – il y en a déjà pour trois heures d’attente, alors qu’on circule très facilement du côté des espaces merch des artistes. Bien que The Sanctuary soit une superbe initiative, il semble nécessaire de repenser cet antre afin de fluidifier la circulation du public et faciliter ses achats. Sans doute peut-on imaginer un second temple?

Maintenant, les concerts. Sur la Mainstage 1, on a pu se défouler avec Slaughter To Prevail qui a démonté le public témoin d’exactions sans pareil. Quoique… Kerry King et sa troupe ont expliqué à l’ensemble du public n’en avoir rien à faire d’une retraite et revient aux affaires avec force conviction. Brutal et direct, le show de « l’ex »-Slayer a mis tout le monde d’accord. C’est peu dire que le gang ait mis le feu tant la pyro était de mise. Impressionnant retour!

Kerry King @HELLFEST 2024

Megadeth a aussi su se placer en maître incontesté du thrash classieux, mais, ayant vu la nouvelle formation de maître Dave Mustaine une semaine à peine plus tôt, j’ai préféré aller assister à un autre concert (ce que je ferai également pour Extreme et Tom Morello pour les mêmes raisons).

Du côté des tentes, malgré un propos musical explosif, j’ai trouvé Immolation très concentré et attentif à son sujet. Seuls quelques instants se sont révélés plus fulgurants pour un concert que d’aucuns pourraient qualifier de sobre.

Immolation @ HELLFEST 2024

Ce ne fut pas le cas des Mexicains de Brujeria qui, visiblement très attendus, ont donné une prestation des plus explosives d’un death grind aux relents simplement brutaux.

Brujeria @HELLFEST 2024

Il en est allé de même avec les très attendus Japonais de Crystal Lake qui ont proposé leur metalcore à un public des plus denses venu en nombre envahir la warzone. Circle pits et slams de rigueur ont émaillé ce concert haut en couleurs.

Crystal Lake @HELLFEST 2024

J’ai, cette année, quelque peu déserté la Mainstage 2. Une programmation attirante sur d’autres scènes explique en partie cette désaffection, mais un « détail » m’a quelque peu convaincu de m’en éloigner: désormais, la scène se situe à plus de 3m de hauteur et y faire des photos s’avère peu intéressant. Des bustes, des instruments coupés, une distance et un éloignement peu propice au plaisir de l’image. J’ai ainsi renoncé à assister aux concerts de Savage Lands – pourtant à découvrir – de Steel Panther – on sait à quoi s’attendre – Rhapsody Of Fire, malmsteen, Accept, Bruce Dickinson, Saxon, Frank Carter ou encore Corey Taylor. Mais les concerts auxquels j’ai pu assister, sinon photographier, valaient le détour.

A commencer par Landmvrks qui, même si je ne suis pas sensible à la musique, a simplement tout démonté et retourné le public avec une prestation explosive de bout en bout. C’est simple: la sécu a vraiment commencé à travailler avec Landmvrks qui a vu une nuée de crowd surfers se diriger vers la scène.

Landmvrks @HELLFEST 2024

Dropckick Murphys ne fut pas en reste, le rock punkisant et festif des Américains étant naturellement taillé pour la scène. Impossible de résister à cette folle envie de guincher! Même Al Barr, le chanteur a le regard ébahi en voyant un spectateur surfer sur la foule dans son fauteuil roulant. Déjà au contact du public, le chanteur tout souriant va le saluer et lui taper la pogne. ce n’est que le début d’un concert festif et explosif, celui qui clôt en beauté cette première journée.

Vendredi 28 juin

Le vendredi débutera sous Altar avec une première claque infligée par Karma Zero. Le public est déjà présent, et se prend lui aussi un bon coup derrière la tête.

Karma Zero @HELLFEST 2024

Je file sur MS1 retrouver les Français de 7Weeks qui donnent une jolie prestation devant un public encore épars – bon… quelques milliers de personnes à 11h du mat, on est souvent preneur. Axant son court set sur ses derniers morceaux, le trio séduit comme il se doit.

7Weeks @HELLFEST 2024

A coté, sur Main 2, ce sont les Espagnols d’Ankor qui délivre un set aussi enjoué que puissant. Le groupe mixte, qui existe depuis le début des années 2000, fait une belle impression et remporte incontestablement de nombreux suffrages.

Angkor @HELLFEST 2024

Je me laisse ensuite tenter par les Japonaises de LoveBites – et me surprends à penser que, depuis deux jours, je n’ai sans doute, et tant mieux, jamais vu autant de femmes sur les scènes du Hellfest. Toute de blanc habillées, les jeunes femmes présentent cette grande, très grande différence d’avec leurs consœurs de Baby Metal (passées la veille sur MS2) de vraiment jouer de leurs instruments. Une belle découverte visuelle sinon musicalement mémorable. Ce sera – malheureusement ou pas – ma dernière MS 1 du jour.

Love Bites @HELLFEST 2024

Je dois déserter le site et ne reviens que pour le set de Lofofora. Comme à son habitude, Reuno est enragé et, en ce week end électoral, n’hésite pas – le contraire eut été surprenant – à lancer messages et consignes. Mais, voilà que la scène est investie par deux femen, mini jupes et seins à l’air, armées de fumigènes et d’une banderole, scandant de longues minutes durant que « l’enfer c’est vous, nous c’est MeToo« . Une intervention planifiée qui casse le rythme du concert des Français, tous s’étant retirés de scène laissant les filles faire leur show – peu convainquant selon moi.

Lofofora @HELLFEST 2024
Lofofora @HELLFEST 2024

Les interviews commencent et je reviens sous Temple pour découvrir les Allemands de Kanonenfieber, formation spécialisée dans la première guerre mondiale dont les musiciens sont en uniforme et masqués. Un décor de tranchées, de barbelés et un canon qui tonne ajoutent un intérêt visuel au death/black du groupe visiblement attendu.

Kanonenfieber @HELLFEST 2024

Je zappe volontairement Steel Panther dont le show ne réserve guère de surprise sauf pour ceux qui découvrent le groupe live. Je leur préfère Satyricon qui remet aussi les pendules à l’heure sous Temple. On ne rigole pas à cette heure de la journée!

Satyricon @HELLFEST 2024

Après avoir couvert leur concert à Orléans, je ne pouvais rater le show de Shaka Ponk. Certains disent que Frah et sa bande n’ont rien à faire au Hellfest, Shaka leur démontre le contraire! La foule qui se masse devant la MS2 prouve bien l’intérêt public que suscite le groupe! Dommage seulement qu’il faille être sur liste pour les shooter… Je décide de m’apporcher de la scène et se frayer un chemin se fait en jouant des coudes. une foule remonte dans l’autre sens, mais, arrivé devant les barrières, je comprends pourquoi: les crowd-surfers n’arrêtent pas d’arriver par vagues entières, donnant un sacré boulot à la sécu, cette foule quittant les lieux le sourire aux lèvres. Comme toujours, le chanteur saute dans le public, se faisant porter par lui – on notera le final pour lequel deux cubes l’un sur l’autre lui servent de plongeoir sous les yeux ébahi d’un agent de sécurité qui semble se dire « nannn… il ne va pas faire ça?!? » – tandis que sa complice Sam va le narguer avec ses gentilles provocs. Sans conteste une des meilleures performances du week-end!

Le temps de remonter le courant, Machine Head est déjà sur scène devant un public tout acquis à sa cause. Visiblement, Flynn met le feu et retourne MS1, mais je n’assiste au concert que de loin… Dommage, Machine Head semblant plus qu’en excellente forme.

Samedi 29 juin

J’aime aller voir les groupes que je vais rencontrer… Même s’il y a parfois des ratés, je me lève tôt pour aller voir Darken. Las, le groupe ouvre la journée du samedi sous la pluie ce qui a sans doute calmé les (h)ardeurs de certains festivaliers. En plus, la tête d’affiche de ce soir a installé un gigantesque demi cercle… Metallica veut se rapprocher de son public mais impose une grosse distance aux autres groupes… Darken ne se laisse pour autant pas démonter et donne un set thrash et direct.

Darken @HELLFEST 2024

Mon regard est attiré par un duo qui, sous Temple, semble attirer les regard et attise ma curiosité. La journée s’annonce folk aujourd’hui et je découvre Eihwar aux tonalités nordiques et à la musique simplement envoutante. Les Français séduisent et marquent quelques points avec une prestation élégante.

Eihwar @HELLFEST 2024

Direction la Warzone pour aller soutenir The Dead Krazukies, là encore en belle forme. On sent les basques à l’aise et visiblement ils n’ont qu’une chose en tête: des circle pits et des wall of death, jeux auxquels le public se prête volontier dans la bonne humeur. Ce genre de punk là est fait pour mettre le feu à cette scène, et le pari est gagné.

The Dead Krazukies @HELLFEST 2024

Les Néo-Zélandais d’Alien Weaponry ont déjà fait connaissance avec le HF en 2022 et ne s’en laissent pas compter. Débutant leur set avec leur traditionnel Haka, ils ne se laissent pas impressionner par la-dite scène et investissent à loisir l’espace de Metallica pour aller chercher le public.

Alien Weaponry @HELLFEST 2024

Matthieu, transfuge de Skald, a monté son propre projet pagan viking avec son épouse, Christine. Le duo se partage le chant au coeur de Hrafngrimr (ça se prononce Raven Grimer, facile, non?), un groupe dont l’originalité, outre les instruments « sur mesure » est de comporter en son sein deux danseuses dont la gestuelle illustre chacun des titres et des musiciens provenant de divers groupes, dont Mus d’Arkan. Les chansons, justement, aériennes et légères, entraine l’auditeur dans ces univers nordiques. Encore une formation plus que séduisante évoluant dans un univers décidément très en vogue.

Hrafngrimr @HELLFEST 2024

C’est avec plaisir que je retrouve Anvil, pile au bon moment, Lips nous offrant son légendaire solo de guitare avec godemichet. Le trio est en forme et délivre un set fun et apprécié du public qui semble apprécier les facéties du bassiste édenté Chris Robertson.

Anvil @HELLFEST 2024

Enfin! Oui enfin! pourrais-je dire Car Black Stone Cherry reste un de rares groupes que je n’ai pas encore eu l’occasion d’acclamer sur une des scènes du Hellfest. mené par un autre Chris Robertson au chant et à la guitare, le groupe est lui aussi en forme et profite du soleil pour délivrer un set qui résume bien sa carrière. Steve Jewell, qui remplace Jon Lawhorn à la basse depuis son départ, a trouvé ses marques et s’est parfaitement intégré au groupe. Toujours aussi explosif, Ben Wells saute comme un cabris, arpentant la scène de long en large tandis que le batteur John Fred Young s’agite derrière ses fûts, bien éloigné du public. Un set un peu trop court, mais ce sont aussi là les règles d’un festival. Vivement un retour en salle!

Black Stone Cherry @HELLFEST 2024

Ce samedi est la journée la plus chargée en matière d’interviews. Une fois les premières faites, je préfère retourner vers la Warzone pour découvrir, enfin, le cultissime Didier Wampas Psycho Attacks. Une chemise de touriste exotique sur le dos, le gaillard propose un set fun et n’hésite pas non plus à se faire porter par le public aux anges. Rien de très sérieux dans sa musique, le groupe propose un set simplement fun et quelque peu irrévérencieux.

Didier Wampas Psycho Attacks @HELLFEST 2024

Je découvre ensuite, sur cette même scène et sous la pluie qui revient, Nekromantix, groupe au look piqué à Marlon Brando ou James Dean, proposant un rock vintage énergique joué avec une contrebasse forgée dans un cercueil par des musiciens peu sérieux (le batteur qui vient se poser devant la scène pour se laquer la banane…) maitrisant cependant leur sujet.

Nekromantix @HELLFEST 2024

Malgré la pluie qui se fait dense, la file de photographes et la foule qui prend place devant la Valley indique que Mr. Bungle est attendu. Si Mike Patton est attendu comme jamais, la troupe compte également en ses rangs de fines gâchettes: Scott Ian et Trey Spruance aux guitares, Trevor Dunn à la basse et Dave Lombardoo à la batterie pour un cocktail musical déjanté et envoutant. On ne s’y trompe pas, et la pluie n’empêche ni le public de rester, ni le groupe de s’éclater.

Mr Bungle @HELLFEST 2024

Je rentre de la Valley pour aller me protéger dans un espace VIP ultra blindé – l’espace presse a fermé ses portes comme tous les jours à 22h précises – y découvrir l’ami Erwan affalé qui a raté le groupe qu’il attendait pourtant avec l’impatience d’un gamin excité, et, comme de nombreux autres, patiente le temps que la météo se calme. Dans quelques minutes, Metallica sera sur scène et la foule commence a déserter le VIP pour aller braver les éléments. Oui, il est temps d’aller rendre hommage aux patrons, mais il s’avère rapidement compliqué de se faufiler assez près pour pouvoir vraiment voir ce concert. Alors j’écoute. De loin, et je regarde un peu ces écrans partagés qui ne laissent guère voir grand chose. Creeping death ouvre le concert avec détermination, et la suite est prometteuse. Mais quel intérêt de regarder des écrans? Je décide alors de quitter les lieux alors que les Horsemen annoncent leur désormais traditionnelle reprise: ce soir, il s’agit de… L’aventurier (Bob Morane) d’Indochine, groupe que je n’ai jamais aimé mais je ne peux que m’incliner devant le fait accompli: Metallica parvient sans peine, malgré une interprétation foireuse, à faire chanter en chœur 60.000 spectateurs, et ça, c’est fun. Las, la fatigue de la journée l’emporte et je rentre me coucher, renonçant à regret au concert de Saxon…

Dimanche 30 juin

Dimanche, dernier jour… Je commence la journée avec Sang Froid dont l’album proche de la new wave m’avait séduit et que je dois rencontrer un peu plus tard dans la journée. Un concert étonnant qui permet aux musiciens d’échapper à leur quotidien plus violent (certains viennent de Regarde Les Hommes Tomber).

Sang Froid @HELLFEST 2024

Direction MS2 pour assister à un concert étrange… Rapidement, je me demande ce que Hotwax fait là, ne parvenant pas à saisr l’intérêt de leur présence à Clisson. Un esprit à la L7, des clins d’oeil au punk féminin? J’ai sans doute raté quelque chose et je n’accroche pas.

Hot Wax @HELLFEST 2024

C’est donc sans regrets que je retourne sous les tentes, cette fois sous Altar, pour voir Deficiency, groupe que je suis depuis quelques temps mais que je n’ai pas encore vu live. Le moins qu’on puisse dire est que les Français connaissent également leur affaire et dépotent autant que possible.

Destinity @HELLFEST 2024

Après avoir erré sous les tentes, je me dirige vers MS pour voir les foldingotes de Nova Twins qui, avec leur funk groovy et metallique, et leur look un peu moins improbable qu’on aurait pu s’y attendre, séduisent la petite foule présente. Amy Love et Georgia South emportent tout sur leur passage dont de nombreux suffrages publics. En cinq ans – elles se sont déjà produites ici même en 2019 – les « jumelles » ont évolué pour le mieux et le prouvent aujourd’hui encore.

Nova Twins @HELLFEST 2024

Je file ensuite sous Altar où Karras remplace au pied levé Caliban. Comme me le dit un collègue photographe, à défaut de shooter Yann avec Mass Hysteria, on peut le photographier avec Karras, on fait donc du « Mass Karras »! Ce n’est pas le genre de la maison et le trio défonce tout pendant les 45′ qui lui sont allouées, entrainant avec lui un public aux anges.

Karras @HELLFEST 2024

Nous étions quelques uns à attendre avec impatience le passage des soeurs Wilson à Clisson… Et quelques uns à regretter que Heart annule sa venue. Alors, OK, Blues Pills est une valeur sure mais ne saurait remplacer les Américaines. Pourtant, comme toujours, les Suédois, menés par la toujours énergique Elin Larson, proposent un heavy rock groovy à souhaits qui, là encore, emporte le public dans un tourbillons dansant, sous le soleil qui plus est!

Blues Pills @HELLFEST 2024

Il reste quelques interview à faire, et la journée avance… Je prend enfin le temps d’aller faire un tour au Metal market pour y discuter de nouveau avec Saad Jones, l’écrivain m’annonçant s’attaquer enfin à son quatrième roman. un peu de lecture pour 2025? Espérons le. Je fini par quelques emplettes et file ensuite shooter ce qui sera mon dernier groupe de cette édition: Rival Sons, là encore très attendu par le public. Si les regards se portent comme toujours sur Jay Buchanan, chanteur aux pieds nus à la voix d’or, et son complice guitariste Scott Holiday, c’est un groupe tout sauf rival qui joue ce soir. Si certains ont fait part de leur étonnement quant au choix de faire jouer Rival Sons sur la Valley, les Américains assurent cependant ici une tête d’affiche remarquable. Auraient-ils cependant fait aussi bien sur une Main Stage? Pas sûr, alors prenons ici ce qu’il y a de bon, et de meilleur à prendre.

Rival Sons @HELLFEST 2024

Alors que je me dirige tranquillement vers la sortie, je saisi quelques instants de Foo Fighters . Pas assez cependant pour me faire une idée, suffisamment toutefois pour sentir le groupe délivrer un set propre et directement rock. Mais il est temps pour moi de reprendre la route. Alors que je chemine en direction de la voiture, je repasse dans mon esprit les instants forts de cette édition 2024 et les points à améliorer… Si l’ambiance générale a changé, pas forcément en mieux, j’ai pu passer beaucoup plus de temps avec les copains du monde entier – France, Espagne, Australie, Angleterre… – que d’habitude et faire de belles rencontres. Mais une fois encore, les kilomètres parcourus sont usant, et la dernière journée s’est avérée plus difficile que les années précédentes. Mais, une fois encore, le Hellfest, c’est aussi ça. Alors que les places de l’édition 2025 sont déjà parties, attendons maintenant les premières annonces pour la prochaine édition qui se tiendra du 19 au 22 juin 2025 – et dont l’ensemble des pass 4 jours ont, en ce 9 juillet, trouvé preneurs en moins de… 90′. Le Hellfest aligne décidément record sur record!

La Gardienne des Ténèbres

HEAVY WEEK END: report du dimanche 23 juin

Judas Priest @HEAVY WEEK END

Cette troisième journée promet d’être aussi passionnante que diversifiée avec 4 groupes d’horizons variés mais de nationalités plus restreintes puisque nous avons trois groupes américains (Ayron Jones, Tom Morello et Alice Cooper) et un seul anglais (Judas Priest).

Ayron Jones @HEAVY WEEK END

Décidément très en vue et très présent en nos contrées, c’est un Ayron Jones concentré qui a l’honneur de lancer la journée. Bob Lovelace, son bassiste est quant à lui, et comme à son habitude, une véritable pile électrique qui va chercher le public tandis que le guitariste Matthew Jaquette (absent lors du concert à l’Elysée Montmartre en octobre dernier) use de ses charmes et de son sourire pour séduire le public, malheureusement encore peu présent en ce milieu d’après midi.

Ayron Jones @HEAVY WEEK END

Ayron Jones a choisi d’aller à l’essentiel en concentrant son set sur les principaux morceaux de ses deux derniers albums en date, favorisant même Child of the state dont il présente pas moins de 5 extraits (Boys from the pugget sound, Emily, Supercharged, Mercy et Take me away), les trois autres morceaux (On two feet I satnd, Otherside – et sa partie reprise de Smells like teen spirit de Nirvana – et Blood in the water) provenant quant à eux du plus récent Child of the state.

Ayron Jones @HEAVY WEEK END

A force de fréquenter l’Hexagone, Ayron se plie au jeu de l’apprentissage de la langue, et, après On two feet I stand, s’adresse au public en Français: « Comment ça va? Ca va bien? » suffisant pour être acclamé avant de présenter ses compagnons de scène.

Ayron Jones @HEAVY WEEK END

Si une bonne partie du public semble découvrir la formation, elle semble également réceptive à sa musique, savant mélange de rock, de blues et de soul, qui puise autant chez Lenny Kravitz que Jimi Hendrix en passant par Prince ou Michael Jackson. Oui, il y en a pour tous les goûts et Ayron Jones se retire avec le sentiment du devoir accompli.

Ayron Jones @HEAVY WEEK END
Tom Morello @HEAVY WEEK END

Tom Morello prend la suite devant un public plus dense. Arrivant sur scène le poing levé, le guitariste engagé attaque son instrument sans pitié. L’attitude de l’Américain, comme à son habitude, mélange sérieux, engagement et rage.

Tom Morello @HEAVY WEEK END

On admirera tout au long de son set les immenses portraits projetés en fond de scène mais les spectateurs peuvent également se demander qui sont ces personnages, principalement africains ou afro-américains, et quel message Morello veut transmettre. Sans doute l’a-t-il verbalisé pendant son concert, et si tel est le cas, je ne l’ai pas entendu…

Tom Morello @HEAVY WEEK END

Pendant une heure, le quatuor délivre certains de ses titres les plus emblématiques que ce soit avec RATM, Audioslave, des reprises, ou encore sous son nom. Soldier in the army of love, Vigilante nocturno côtoient ainsi les classiques que sont Killing in the name, les medleys Bombtrack/Know your enemy… ou encore The ghost of Tom Joad et Power to the people. Le public est conquis et l’on ne peut que regretter un temps de jeu trop court… Tom Morello remercie ensuite Ayron Jones d’avoir ouvert et fait part de son honneur de partager la scène avec Alice Cooper et Judas Priest, « deux de mes groupes préférés de tous temps » et cède la place pour la suite.

Tom Morello @HEAVY WEEK END
Alice Cooper @HEAVY WEEK END

On attaque avec l’un des gros morceaux de la soirée. Alice Cooper joue ce soir pour la toute première fois de sa carrière à Nancy et réserve la surprise du décor, un gigantesque voile noir cachant la scène aux yeux du public. Puis, deux êtres masqués font sonner leurs cloches avant de s’emparer chacun d’un des cotés du voile, le faisant tomber. Une gigantesque une de journal apparaît, annonçant qu’Alice Cooper est banni de France, mais le héros sanguinaire apparait enfin.

Alice Cooper @HEAVY WEEK END

Le show est lancé et, si la setlist reste sans surprise, si le spectacle regorge des effets désormais classiques, le show et la mise en place des chacun des musiciens sont simplement impeccables et dantesques. Chacun des musiciens connait naturellement son rôle sur le bout des doigts, proposant une mise en scène énorme, qui emporte tous les suffrages.

Alice Cooper @HEAVY WEEK END

Là encore, les classiques – No more Mr. nice guy, I’m eighteen, Billion dollar babies, Welcome to my nightmare, Elected, Poison, Hey stupid!… – sont de sortie mais Alice nous réserve quelques surprises, se faisant notamment accompagner par son boa sur Snakebite.

Alice Cooper @HEAVY WEEK END

Les artifices classiques sont toujours d’une redoutable efficacité: le paparazzo trop insistant qui fini par se faire planter par Alice, l’infirmière assassinée, la femme SM prise à son propre jeu fouettée par Alice qui, un meurtre de trop, fini par être décapité sur la place publique avant de revenir, le monstre de Frankenstein… Le public est tellement aux anges que, contrairement aux soirs précédents, et profitant de l’absence d’un agent de sécu, un puis deux puis une dizaine de spectateurs décident de rejoindre la fosse. De l’autre côté, certains se voient empêchés ce même accès mais l’agent présent voit déferler des dizaines de spectateurs qui envahissent la fosse. Le pauvre bougre, dépassé par les évènements, semble lancer un appel au secours à l’orga qui fini par demander qu’on fasse sauter les chainettes…

Alice Cooper @HEAVY WEEK END

Retour au concert où tous les ingrédients attendus sont présents permettant à ce concert de remporter tous les suffrages. Sans aucun doute le meilleur concert de ce week end, à ce stade en tout cas!

Judas Priest @HEAVY WEEK END

Car il reste maintenant la tête d’affiche. Judas Priest est, depuis quelques temps, dans une forme remarquable comme les Anglo-américains l’ont encore démontré à Paris. Alors que le fort à propos War Pigs de Black Sabbath résonne (« generals gathering their masses… ») le public se masse devant la scène. Même si le spectacle prévu est identique à ceux de Lyon et de Paris – le groupe réuni devant le kit de batterie avant d’investir la scène.

Judas Priest @HEAVY WEEK END

Là encore, on n’a pas de surprise, la setlist présentant cependant quelques différences avec celle proposée à Paris en avril dernier. Ainsi, ce soir, Judas Priest a retiré Lightning strikes, Love bites, Saints in hell ou encore Crown of thorns les remplaçant par Riding on the wind, Sinner et Invicible shield. Cependant, les classiques sont fort heureusement au rendez-vous, le public reprenant avec force Breaking the law, Turbo lover Electric eye ou Living after midnight.

Judas Priest @HEAVY WEEK END

Rob Halford est dans une remarquable forme, tant vocale que physique, arpentant plus la scène que tournant tel un lion en cage, Richie Faulkner et Andy Sneap occupent chaque espace de la scène et ian Hill tabasse son espace comme jamais. Seul Scott Travis, malgré sa remarquable frappe, est un peu moins enthousiaste surtout lorsqu’il s’agit, comme c’est son rôle depuis longtemps, de demander au public s’il veut encore une chanson. C’est un faiblard « Nancy, what do you wanna hear? » qui est lancé avant de démarrer un Painkiller annonciateur de la fin du show.

Judas Priest @HEAVY WEEK END

Sans surprise, The Hellion/Electric eye est le premier titre du rappel et Faulkner nous gratifie même, sur Hell bent for leather et l’arrivée à moto de Halford d’un solo inattendu à ce stade du concert, avant que Judas Priest ne conclue la soirée avec le classique parmi les classiques Living after midnight.

Judas Priest @HEAVY WEEK END

Ce soir encore, Judas Priest a récolté tous les suffrages et mis tout le monde d’accord. Le groupe en a encore sous le pied et on espère bien pouvoir les retrouver encore une fois dans cette même forme.

Judas Priest @HEAVY WEEK END

Au moment de partir – et de clore ce report – un rapide bilan s’impose: le Heavy week end, malgré une trop faible fréquentation, a tenu toutes ces promesse: un lieu idéal, une capacité qui reste largement humaine pour un festival, un rythme permettant de voir l’intégralité des concerts… Les deux seuls points qu’il faudra revoir l’an prochain sont les tarifs des places en fosse qui, cette année, ont certainement freiné les envies d’une partie du public qui a préféré s’abstenir – et une beaucoup plus importante capacité en… WC, à répartir tout autour du site, sans doute, ce qui permettra, espérons-le, d’éviter que le public ne se rue pour se soulager à la fin des concerts, dans des files interminables, préférant se soulager le long de toutes les barrières possibles… Pour le reste, on ne peut que remercier et féliciter toutes les équipes présentes, GDP, sécurité, accueil, commerces… pour une organisation sans faille.

Judas Priest @HEAVY WEEK END

On attend maintenant avec impatience de connaitre les dates de l’édition 2025 ainsi que l’affiche. Les noms déjà retenus seraient du lourd… Comptez sur Metal Eyes pour se faire le relais de ces prochaines informations!

Merci à Anne-Lyse Rieu et Nicolas le Bouedec (GDP), Olivier Garnier (Replica promotion) et Sabrina Cohen Aiello (Verygroup) d’avoir rendu ce report possible

HEAVY WEEK END : report du samedi 22 juin

Pretty Maids @HEAVY WEEK END

Après une très belle première journée, nous profitons de la matinée et du début d’après midi pour flâner et déjeuner à Nancy avant de revenir sur les lieux du crime: le Zénith de Nancy. L’affiche du jour est plus dense puisqu’elle compte un groupe de plus, soit un total de 4 concerts dont nous allons pleinement profiter. Une journée variée puisque, contrairement aux autres jours qui proposent chacun 2 groupes américains, elle accueille quatre nationalités différentes. une jolie variété d’influences culturelles en somme.

Sortilège @HEAVY WEEK END

Décidément très en vue, les Français de Sortilège – qui ont récemment ouvert pour Scorpions et Deep Purple – ouvrent le bal. A peine installé derrière son kit, Clément Rouxel toise la petite foule pour la harranguer tandis que la paire de bretteurs Bruno Ramos/Olivier Spitzer s’installe avec concentration et que le toujours souriant bassiste Sébastien Bonnet arrive tranquillement.

Sortilège @HEAVY WEEK END

Le heavy metal chanté dans la langue de Molière attire naturellement les connaisseurs, d’autres découvrant ce groupe à la puissance de feu sans pareil. Le public massé devant la scène connait les textes sur le bout de la langue et il ne faut guère de temps à Zouille pour être soutenu par les fans. Le chanteur a aujourd’hui délaissé sa chemise à jabot à laquelle il a préféré un simple T-shirt, ce qui ne change rien à l’attaque puissante que le groupe propose avec un Amazone rapidement suivi d’un Phenix d’actualité.

Sortilège @HEAVY WEEK END

La production récente de Sortilège a su démontrer que le groupe, cette version du groupe, a encore des chose à dire, et les titres extraits de ses deux derniers albums se fondent à merveille parmi les classiques. Le public reprend en chœur et avec cœur les hymnes que sont Chasse le dragon ou Poséidon, réservant le même accueil à un sublime Délire d’un fou (poliment introduit par ces mots de Zouille: « sans faire de politique, vous ne trouvez pas qu’on est gouvernés par des fous? Il faudrait les enfermer et nous mettre à leur place, non? »).

Sortilège @HEAVY WEEK END

Las, Sortilège termine son set sous la pluie qui revient mais pas assez pour faire fuir les fidèles. Concluant son concert avec la triplette D’ailleurs, Vampire (Zouille va sucer le sang de Bruno Ramos pour l’occasion – et sans doute reprendre des forces), le chanteur, accompagné du public, met un terme au concert avec son habituelle version a capella introduisant l’intemporel Sortilège. Une mise en bouche des plus savoureuses pour entamer la journée!

Sortilège @HEAVY WEEK END
Pretty Maids @HEAVY WEEK END

Combien de personnes se sont-elles déplacées pour venir célébrer le retour en terres françaises des Danois de Pretty Maids? En tout cas, il y a du beau monde dans le public – on croise Sortilège au complet, ou encore Peter Scheithauer, guitariste fondateur de Last Temptation, Zaza Bathory, batteuse de Furies et d’autres encore. Les fans se massent au devant de la scène et acclament les musiciens qui arrivent tranquillement sur les planches l’un après l’autre avant d’ovationner Ken Hammer puis Ronnie Atkins qui se pointe en dernier. Le groupe attaque dans la foulée avec Mother of all lies et met tout le monde d’accord. Les 5 sont en grande forme et en veulent vraiment.

Pretty Maids @HEAVY WEEK END

Pandemonium, issu de l’album du même nom entraine la petite foule dans un tourbillon mélodique enjoué avant de voir Chris Laney quitter son poste derrière les claviers pour s’emparer d’une guitare et rejoindre la troupe qui entame le furieux classique Back to back, repris en coeur par le public.

Pretty Maids @HEAVY WEEK END

Autre classique fédérateur, Red hot and heavy recueille tous les suffrages. Ronnie Atkins va toujours chercher le public et s’adresse régulièrement à lui. A l’issue du titre, il exprime même son bonheur d’être enfin de retour en France: « C’est si bon d’être de retour en France, je crois que ça fait 6 ans que nous ne sommes pas venus! » En effet, le dernier passage dans l’hexagone remonte au mois de mars 2018 avec seulement 2 dates…

Pretty Maids @HEAVY WEEK END

Le soleil brille enfin à l’ouest, éblouissant une partie du public qui acclame pourtant la jolie ballade Please don’t leave me, reprise de John Sykes, titre qui termine avec une forêt de bras levés. Puis les affaires sérieuses reprennent avec Little drops of heaven suivi d’un Love game, premier extrait du légendaire Future world, titre mélodique à souhaits.

Pretty Maids @HEAVY WEEK END

Alors que retentissent les premières notes de l’incontournable Future world, une fan quitte son siège pour se précipiter vers la fosse, se glissant sous les chaines séparant les deux mondes et se voit arrêtée par un agent qui l’empêche, malgré ses supplique de passer et la renvoie à son siège. J’imagine la frustration lorsque, plus tard, lesdites chaines seront enlevées, laissant la foule envahir la fosse. Reste que, sans surprise, Pretty Maids remporte tous les suffrages. Une superbe prestation en somme, de bout en bout.

Pretty Maids @HEAVY WEEK END
Megadeth @HEAVY WEEK END

On l’a lu un peu partout: Megadeth est en forme. La fosse désormais bien rempli s’apprête donc à recevoir une claque et se prépare à acclamer les classiques incontournable de la bande à Mustaine. « Bring out your dead! » résonne annonçant le morceau d’ouverture du dernier album, The sick, the dying… and the dead!. Récemment arrivé dans le groupe, Teemu Mäntysaari est concentré et va se révéler une plus que très fine gâchette.

Megadeth @HEAVY WEEK END

Mustaine, tout de noir vêtu (avec, détail perturbant pour le regard des photographes, un bouton de chemise non attaché) est effectivement très en forme et nous offre une collection de titres certes sans surprise mais tellement efficace qu’ils écrasent tout sur leur passage.

Megadeth @HEAVY WEEK END

James Lomenzo se déchaine sur sa basse tandis que Dick Verbeuren inflige à sa batterie une frappe d’une puissance et d’une précision exemplaire tout au long des Angry again, Hangar 18 ou autres Sweating bullets, morceaux que le public reprend à tue-tête. Et enfin, les choses sérieuses débutent avec un, puis deux, puis trois crowd surfers qui viennent réveiller les agents de sécurité. une fois la machine lancée, difficile pour le public de s’arrêter même si le rythme est ici moins intensif qu’ailleurs.

Megadeth @HEAVY WEEK END

Megadeth continue sur sa lancée avec l’incontournable A tout le monde, dont Dave fait naturellement et sans avoir besoin d’insister chanter le refrain au public, avant un Tornado of souls exemplaire avant We’ll be back, le second et dernier extrait du dernier album. Simple, direct et efficace…

Megadeth @HEAVY WEEK END

L’orchestre symphonique retentit, annonçant évidemment Symphony of destruction annonciateur d’un concert qui touche à son terme, et, comme très souvent, suivi de Peace sells. La foule est dense et reprend chaque parole comme un seule homme, sachant que le concert va se terminer (trop) rapidement. En effet, Mustaine et sa bande quitte la scène une fois ce commerce de la paix terminé.

Megadeth @HEAVY WEEK END

Ce n’est évidemment que pour mieux venir achever ce superbe set avec Mechanix – nous ne ferons pas l’affront de rappeler l’histoire de ce titre… – et un dantesque Holy wars… the punishment due qui met tout le monde d’accord. Oui, Megadeth est – très – en forme et Dave Mustaine heureux de retrouver son public. Superbe concert!

Megadeth @HEAVY WEEK END
Deep Purple @HEAVY WEEK END

Bien que Deep Purple ait une relation plus que privilégiée avec la France depuis de nombreuses années, ce n’est, paradoxalement, que la troisième fois que le groupe donne un concert à Nancy, le dernier remontant à… 2007. Autant dire que les absents ont tort. Et si j’ai pu avoir quelques doutes quant au dynamisme du groupe – les derniers concerts auxquels j’ai assisté m’ont donné à voir un groupe fatigué prorposant un set ennuyeux – le Deep Purple 2024 se montre en grande forme. Sans doute est-ce-là l’effet de l’arrivée de Simon McBride il y a maintenant 2 ans qui apporte un regain de jeunesse?

Deep Purple @HEAVY WEEK END

En tout cas, les classiques sont; ce soir encore, de sortie. Deep Purple entame son concert avec les classiques Highway star, Hard lovin man et Into the fire, titre sur lesquels Ian Gillan donne autant de voix que possible, même si, depuis de nombreuses années, il ne peut pousser aussi haut que dans ses jeunes années. On note également avec satisfaction que le chanteur quitte moins la scène que ces derniers temps, se positionnant, pendant les parties instrumentales, entre la batterie de Ian Paice et les claviers de Don Airey.

Deep Purple @HEAVY WEEK END

Il profite cependant du solo de Simon pour se reposer, laissant le « jeune » guitariste impressionner le public par sa dextérité et sa précision. Vraiment, il n’a rien à envier à ses prédécesseurs! Le groupe le rejoint pour continuer avec Uncommon man que Gillan dédie à son frère Jon Lord et, regardant le ciel, lui dit simplement « We love you, Jon ».

Deep Purple @HEAVY WEEK END

Soutenu par l’animation visuelle projetée sur les écrans de fond de scène, Airey propose une longue introduction de Lazy, titre suivi du premier extrait de =1, dernier album du pourpre profond, en évoquant ses séjours en Hongrie et fait mine de franchir une porte en guise de présentation de Portable door, suivi d’un Anya de retour dans les setlist depuis deux petites années.

Deep Purple @HEAVY WEEK END

C’est maintenant au tour de Don Airey de proposer son solo aux claviers. S’il n’a pas l’aura de Lord, il offre un cocktail inspiré de sa carrière – on reconnaitra facilement des clins d’œil à sa période avec Ozzy – de ses influences classiques et pop, avec une version enjouée de En passant par la Lorraine de circonstance avant de continuer avec la seconde nouveauté, Bleeding obvious.

Deep Purple @HEAVY WEEK END

Alors que certaines familles commencent à quitter tranquillement le site, Deep Purple annonce la presque fin du concert en interprétant les incontournables Space truckin’ et Smoke on the water de manière magistrale, bien que l’on sente quelques défaillances vocales de Gillan. Ce morceau terminé, la foule part plus rapidement, manquant ainsi le rappel.

Deep Purple @HEAVY WEEK END

Pourquoi commencer avec Green onions, reprise de Booker T que DP avait mise de côté depuis 2014, va savoir… N’empêche, on se délecte du final composé de Hush et d’un Black night dont on ne saurais se passer. Ce soir, Deep Purple, qui a largement dépassé le demi siècle de carrière, s’est montré en bonne forme, proposant une setlist certes classique mais y incluant quelques titres plus rares. Et ça, c’est toujours bon.

Deep Purple @HEAVY WEEK END

HEAVY WEEK END: le report – Vendredi 21 juin

Le Heavy Week End… Une affiche de rêve que nous propose Gérard Drouot Productions une semaine avant le grand pèlerinage annuel des métalleux de l’autre coté de la France. Un festival qui se veut plus soft, et bien moins éreintant puisqu’on nous promet que le Zénith de Nancy n’aura qu’une seule scène, permettant ainsi au public de pouvoir profiter pleinement de chacun des 11 concerts de ce week end.

Contrairement à nombre de Zéniths de France, celui de Nancy présente la particularité d’être modulable. Ainsi, en retournant la scène, une ouverture à son arrière permet d’accueillir, en configuration mixte (gradins et fosse) environ 15.000 personnes dans un véritable écrin de verdure. Le Heavy Week End se veut ainsi un festival à taille humaine. Las, a peine trois semaines avant le coup d’envoi, de nombreuses places restent libres. La conjonction prix du billet – un peu cher, 111€ le jour en fosse – et le Hellfest la semaine suivante a sans doute freiné les potentiels festivaliers. Résultat, GDP annonce, le 10 juin, un nouveau tarif exceptionnel en fosse de… seulement 21€ par jour, ce ci « pour fêter l’été ». Une réduction de 80% qui vise, naturellement, à la remplir, cette fosse, mais un nouveau tarif qui pourrait aussi, on peut aisément l’imaginer, faire bondir ceux qui ont acheté leur(s) place(s) au prix fort. Sera-ce suffisant pour attirer plus de monde et éviter que les géants du métal ne jouent face à un parterre vide? La promotion disparait cependant rapidement, une opération éclair qui n’a sans doute pas assez duré.

Après une longue route sous une pluie battante – la météo annonce cependant des accalmies- c’est le soleil qui accueille notre arrivée à Nancy. Le temps de poser mes affaires, et me voici parti en direction du Zénith. La route est limitée à une voie, ce qui rend la circulation dense mais également fluide. L’accès aux parkings est aisé.

The Last Internationale @HEAVY WEEK END

J’ai le plaisir de retrouver bon nombre de copains d’un peu partout, dont certains que je n’ai pas vus depuis des lustres. L’ambiance générale est détendue tant au niveau du public que chez les autres intervenants – ou presque. Mais c’est sous un ciel grisonnant, devant un parterre dégarni et des gradins encore peu remplis que les New Yorkais de The Last Internationale investissent la scène. Nous avions pu découvrir le groupe lors de son passage au Hellfest en 2022 et la prestation avait emballé le public. Las, ce groupe fondé par la chanteuse Delila Paz et le guitariste Edgey Pires il y a maintenant plus de 15 ans va avoir le plu sgrand mal à dynamiser un public épars et peu réactif malgré les remarques qu’égrène Delila (faisant référence à Tom Morello qui dit que « ça n’a pas besoin d’être bruyant pour être heavy » ajoutant « mais ce serait bien que vous fassiez plus de bruit quand même » ou encore « c’est le festival le plus calme que je connaisse »…) Même quand Delila évoque Nina Simone, la gigantesque chanteuse de jazz américaine, elle ne reçoit que quelques retours polis… Et pourtant, la brune chanteuse possède une voix suave et puissante…

The Last Internationale @HEAVY WEEK END

Pas encourageant comme attitude, mais il en faut plus pour décourager le groupe qui affiche son humeur du moment – un drapeau palestinien sur le côté de la scène et la peau de grosse caisse flanquée d’un Cease fire en lettres capitales. Pour terminer le concert, Delila se saisit de la basse tandis que son bassiste s’installe aux claviers pour une fin simplement rock et énergique. Une mise en bouche sympathique maisun public pas encore très chaud.

The Last Internationale @HEAVY WEEK END
Extreme @HEAVY WEEK END

On passe à la vitese supérieure avec Extreme, que je n’ai pas vu depuis des lustres. Comme une première fois en somme. Et le message est clair à peine Gary Cherone monte-t-il sur scène: on va avoir droit à du show tant le chanteur se tord tel un Gary latex! Clairement, on change de registre et le festival monte en puissance devant un public plus dense sinon imposant.

Extreme @HEAVY WEEK END

Le fond de scène est explicite: l’illustration de la pochette du mythique Pornograffitti indique que le groupe souhaite mettre en avant son album le plus connu. Et ça démarre avec la triplette It(‘s a) monster et Decadence dance suivi de Kid ego issu du premier album des Américains.

Extreme @HEAVY WEEK END

Nuno Bettencourt est aussi bavard que démonstratif – sans frime aucune – alignant ses riffs et soli avec une diabolique précision, Pat Badger (basse) s’appliquant sous son Stettson tandis que, plus discret, Kevin Figueiredo martèle ses futs tenant la structure.

Extreme @HEAVY WEEK END

Le public n’a d’yeux pourtant que pour la paire Cherone/Bettencourt qui se donnent comme de beaux diables, ne laissant aucun instant de répit au public (sauf un moment moins intense sur , avec qui les deux communiquent beaucoup. Après Hole hearted, Nuno annonce que voici son « moment préféré du concert: je vais pouvoir m’asseoir! Et quand tu arrives à 58 ans, s’asseoir c’est aussi bon qu’un orgasme! » Il attaque alors un impressionnant solo à l’issue duquel il est rejoint par Gary Cherone qui annonce avec gravité: « je sais que c’est sensé être un concert heavy, mais le monde a aussi besoin d’amour » pour entamer More than words que le public connait par cœur. Les téléphone se lèvent pour immortaliser l’instant et, devant moi, j’aperçois Matthieu Drouot qui filme aussi, se tournant pour capter tout le public mais… Je crois apercevoir un regard interpellé. Rapidement, l’organisation décide de faire tomber le barriérage invitant le public assis à investir la fosse, ce qu’il ne se fait pas répéter.

Extreme @HEAVY WEEK END

Cherone rappelle au public qu’ils sont en mode « festival », avec un show écourté, souhaitant cependant pouvoir revenir rapidement avec un show complet. Extreme termine son show avec l’incontournable Get the funk out et un extrait du tout récent Rise. Voila la machine Heavy week end lancée, et la suite promet d’aêtre tout aussi belle.

Extreme @HEAVY WEEK END
Scorpions @HEAVY WEEK END

Ceux qui ont pu voir Scorpions ces dernières années savent que le groupe est en forme. Les Allemands sont de retour pour célébrer les quarantième anniversaire de Love at first sting, alors on sait déjà qu’on va avoir droit à une setlist de rêves.

Scorpions @HEAVY WEEK END

Un nuage de fumée envahi l’espace scénique, pendant que les premières mesures de Coming home ne se fassent entendre alors que la scène est encore vide. Dans la fumée, côté cour, apparait un Klaus Meine hésitant, qui a du mal a marcher. Il rejoint le centre de la scène avant que ne déboulent avec énergie ses compères.

Scorpions @HEAVY WEEK END

Après Gas in the tank, seul extrait du dernier album, Rock beleiver, Scorpions nous assène une collections de hits et de raretés (dont Crossfire, interprété pour la première fois sur toutes les dates de cette tournée ou The same thrill jamais interprété depuis 1984!).

Scorpions @HEAVY WEEK END

Les lumières sont au top, les illustrations qui animent l’écran de fond de scène superbes, et les instrumentistes sont vraiment en forme, Rudolf Schenker et Matthias Jabs investissant généreusement l’avant scène.

Scorpions @HEAVY WEEK END

Seul Klaus, s’il est en voix, confirme avoir pris un coup de vieux. S’agrippant au pied de micro, il se déplace lentement et, lorsqu’il s’adresse au public la voix chevrotante, il semble avoir besoin du soutien de son pied de micro, ne balançant plus – heureusement! – des baguettes par forêts entières.

Scorpions @HEAVY WEEK END

La foule compacte – on remarque ce soir que même les gradins sont désormais bien fournis, bien qu’on circule aisément – est toutefois à fond derrière ses héros légendaires acclamant aussi bien les classiques que sont Make it real, The zoo, Bad boys running wild que les attendues ballades Delicate dance, Send me an angel ou la nouvelle version de l’incontournable Wind of change dont le premier couplet a été modifié, ne parlant plus de la Moscova pour dénoncer l’agression russe envers l’Ukraine.

Scorpions @HEAVY WEEK END

Après The same thrill, Mikkey Dee nous assène un monstrueux solo de batterie d’une bonne dizaine de minutes qui, bien que totalement intégré à Scorpions, évoque, par le biais du juke box projeté, son glorieux passé avec Motörhead avant que Rudolf ne redéboule armé de sa guitare à fumée pour un Blackout (seul extrait de l’album éponyme) suivi de Big city nights, doublette annonciatrice de l’approche de la fin du concert.

Scorpions @HEAVY WEEK END

Etonnamment, le pubic commence à quitter les lieux lorsque le groupe quitte la scène avant de revenir pour un – court – rappel. Ben oui, il manque un titre quand même… Scorpions revient pour le très attendu et incontournable Still loving you qui voit, comme toujours, les couples s’enlacer, avant une superbe interprétation de l’explosif Rock you like a hurricane venant conclure un superbe concert. Nos héros vieillissants ont encore des choses à dire, alors profitons en.

Scorpions @HEAVY WEEK END

Au final, malgré une faible fréquentation globale – le public a miraculeusement grossi pour le concert de Scorpions – cette première journée a rempli toutes ses promesses. Celles d’un festival convivial, à taille humaine et permettant surtout, c’est bien le principal, de pouvoir assister à l’ensemble des concerts dans leur intégralité. Vivement demain!

Merci à Anne-Lyse Rieu et Nicolas Le Bouedec (Gérard Drout Productions) et Olivier Garnier d’avoir rendu ce live report possible.

Interview RED MOURNING

Interview RED MOURNING. Entretien le 31 mai 2024 avec JC (chant) et Seb (basse)

Red Mourning revient deux ans après Flowers and feathers avec ce nouvel album, Acoustic. Avant que nous n’en parlions, que s’est-il passé ces deux dernières années, comment avez-vous défendu votre précédent album sur scène ?

JC : Ce cinquième album électrique, metal a été un gros jalon dans la vie du groupe. Il y a eu les concerts, le Hellfest, des clips… C’était vraiment une super réussite pour le groupe. Derrière ça, on a développé notre facette acoustique. Sur Flowers and feathers, il y avait des morceaux entièrement acoustiques et on s’est décidé à se lancer dans ce filon qui nous plaisait. On a sorti un Ep de 5 titres acoustiques, et on a décidé d’aller au bout de l’exercice. On adore cette possibilité de nous exprimer comme ça, donc on est allés au bout de cette envie.

Flowers and feathers a reçu un accueil important, tu viens de le rappeler. Pourquoi avoir voulu sortir cet album acoustique maintenant ? Vous aviez besoin de vous ressourcer, de retourner vers vos racines blues et les faire sortir du bayou ?

Seb : Non, il n’y avait pas de volonté absolue de sortir un album acoustique, mais, comme le disais JC, on a sorti un Ep, juste avant Flowers and feathers, il n’est sorti qu’en streaming. On était plutôt contents du résultat et on trouvait qu’il n’était peut-être pas suffisamment mis en valeur. On a décidé d’enregistrer 5 titres supplémentaires qu’on allait rajouter à cet Ep pour avoir un album complet. Ce qui s’apparentait jusque-là à une sorte de parenthèses dans la carrière du groupe est devenu un album à part entière, aussi importante que les autres albums. C’est une phase de Red Mourning qu’on a poussée un peu plus loin comme on avait pu le faire sur d’autres aspects sur les albums précédents, en termes de prod, par exemple. La démarche est toujours la même, il y a une volonté de nous dépasser artistiquement et de donner un sens un peu inattendu à la démarche finale.

De surprendre le public. Il s’agit en fait de deux Ep que vous avez réunis…

Seb : Disons qu’on a élargi l’Ep précédent. On n’a pas sorti un deuxième Ep, on a complété le précédent. Mais, comme je te le disais, à part le streaming et quelques plateformes, il n’avait aucune visibilité. Là, on l’a sorti en physique, un vrai CD qui le met à égalité avec les autres albums du groupe.

Comment avez-vous sélectionné les titres que vous avez repris ?

Seb : C’est le fruit de différents tests, d’essais, de pertinence par rapport au résultat en acoustique. Par exemple, Come to bury : il y a eu plusieurs versions proposées par différents membres du groupe avec des réussites plus ou moins heureuses. En fonction de ce qui était proposé et des résultats, on sélectionnait ce qui nous plaisait. Le fil conducteur, c’était de faire des morceaux suffisamment originaux et indépendant de leurs sources électriques pour en faire de vraies entités qui soient écoutées telle quelle, sans forcément faire référence à la version électrique. Si tu ne connais pas le groupe, tu peux très bien supporter de les écouter et même les apprécier.

J’aime bien le terme de « supporter » … JC, tu as quelque chose à rajouter ?

JC : Il y a le fait de surprendre le public, mais c’est aussi plus la volonté de notre part d’explorer d’autres choses, de nous challenger, de garder des bols d’air frais en faisant de nouvelles choses, des choses originales, nous réinventer plus que de dire qu’on va surprendre le public ou lui plaire. On est très content de trouver des gens qui aiment ce qu’on fait, mais on le fait avant tout pour nous. Si quelque chose ne marche pas pour nous, on le met de côté.

Tu as retravaillé ta voix aussi, JC, elle est beaucoup moins agressive, beaucoup plus blues. As-tu dû fournir un travail vocal particulier ?

JC : C’est sûr que c’est une manière de chanter totalement différente. On a travaillé en studio avec Francis Caste qui nous aide beaucoup, sur chacun de nos albums, et qui m’a beaucoup guidé et poussé à découvrir une façon de chanter que je n’avais jamais utilisée. Il me disait de moins forcer, de mettre moins de grain, de chanter moins fort… et c’est vers ça qu’on s’est orientés. Je lui suis reconnaissant parce que c’est vraiment ce que je trouve beau, et c’est une vraie nouveauté dans ma manière de chanter.

Il y a beaucoup d’émotion dans ce que tu dis !

JC : Oui, mais une émotion contenue, par petites touches, avec moins de lâcher prise. Ou un lâcher prise différent, parce que quand on hurle dans le micro, on a certaines habitudes, on peut tout lâcher, tandis que là, c’est totalement différent.

Il y a une fidélité au producteur, Francis Caste, mais également au label, Bad Reputation…

JC : Oui, on est toujours avec le même label. Eric (Coubard, responsable du label) nous est fidèles, on lui est fidèle aussi. C’est comme ça qu’on envisage la musique : la vie du groupe, c’est des collaborations avec des gens de confiance, on a aussi croisé tout un tas de gens pas forcément recommandables qu’on a abandonnés au fil des années. On bosse avec des gens qu’on aime bien et qui bossent bien…

En gros, On ne change pas une équipe qui gagne.

Ensemble : C’est ça.

JC : Et de gens humains, des gens sympas, aussi.

Un groupe de rock, c’est aussi la scène. Comment envisagez-vous de défendre ces nouvelles versions tout en en proposant des versions plus rugueuses ?

Seb : En fait, ça fait déjà deux ans qu’on travaille le versant acoustique du groupe sur scène. On a fait pas mal de concerts, dont une grosse dizaine de concerts acoustiques. On a bossé notre son, on a accordé nos instruments un peu différemment, et on arrive à quelque chose d’assez concluant. On a fait une date pour la release party au Hellfest corner qui était plutôt concluante. Jusque-là, on était dans un processus amélioratif et là on est assez satisfaits de notre prestation. On va enchainer pas mal de dates qui nous permettront de pousser encore plus loin : plus d’émotion, la voix de JC, le feeling dans les cordes et les perçus…

Est-ce que, sur scène, vous vous dites parfois que tel morceau ne fonctionne pas aussi bien que ce que vous aviez prévu et vous le retirez de votre setlist ?

Seb : Oui, bien sûr. On s’y est accoutumés au fil des années, c’est un échange avec le public et avec nous-mêmes. On se rend bien compte s’il y a des choses qui marchent ou pas. On retente, parfois on réadapte et là, pour l’acoustique, c’est pareil : il y a des morceaux qu’on a déjà écartés et d’autres qu’on met plu sen avant. On va continuer de le faire à l’avenir. La dynamique humaine d’un concert acoustique n’est pas du tout la même que celle d’un concert metal. Le rythme est différent, on peut faire des pauses et papoter… C’est comme le reste, on est tout le temps en train d’expérimenter, de découvrir de nouvelles choses, d’apprendre…

Même si cet album acoustique ne représente qu’une parenthèse dans la vie du groupe, si vous deviez, chacun, ne retenir qu’un seul titre d’Acoustic pour expliquer ce qu’est Red Mourning aujourd’hui, ce serait lequel ?

JC : J’ai mon idée… Il y a un titre que j’adore, c’est White line. J’adorais la version électrique, mais je trouve cette version acoustique très réussie. Je trouve que c’est très relativement original d’un point de vue instrumental, il y a les guitares, l’harmonica et beaucoup d’émotion.

Seb : Moi, je dirai Come to bury parce que c’est un titre qui figurait sur le premier album et c’est un morceau, en électrique, relativement sauvage, qui ne baisse pas d’intensité du début à la fin. Ce qu’on en a fait en acoustique est tout aussi intense mais avec un versant totalement différent, avec un ajout de clarinette, et c’est assez inattendu. C’est un morceau qui fonctionne très bien sur album et en live. Il y a un mariage d’harmonies vocales qui lui rend vraiment justice. Je ne sais pas laquelle des deux versions est la plus intense…

Un groupe de rock, on le sait, ne vit que très rarement de sa musique. Quelles sont vos activités dans vos autres vies ?

JC : Je vais commencer par la blague : dans le groupe, il y a un acousticien. C’est Aurélien, notre batteur.

Seb : Il y a un coach sportif, Alexandre, notre guitariste, un électricien, JC, et moi, infirmier en psychiatrie.

Des métiers assez variés…

JC : Oui, mais c’est ce qui nous permet d’assurer un minimum de finance dans ce projet assez couteux en temps, en énergie et financièrement. C’est pas avec ce que Red Mourning nous rapporte qu’on pourrait ne pas bosser…

Question classique, JC, tu y as déjà eu droit : quelle pourrait être la devise de Red Mourning ?

JC : Euh… pour vivre heureux vivons cachés ? Non, c’est ma devise personnelle. Pour le groupe, il y a une recette pour la longévité du groupe, c’est qu’on se dit franchement les choses. En devise, on pourrait dire Pour vivre heureux, disons les choses.

C’est à peu près ce que tu me disais il y a deux ans : Soyons fidèles à nous-mêmes… C’est dans le même ordre d’idées.

JC : Oui, c’est vrai, et c’est ce qui fait qu’on fait quelque chose d’un peu différent.

Seb : Pour moi, « le roseau plie mais ne casse pas » !

Souhaitez-vous ajouter quelque chose à ajouter pour terminer ?

JC : Soutenez l’Ukraine !

Je ne sais pas si on a la solution, maintenant, si tu vas sur le site, tu verras que le logo est aux couleurs de l’Ukraine.

JC : Ah super ! Merci pour eux. Je ne suis pas Ukrainien, mais il faut les soutenir.

Interview: ORKHYS

Orkhys 2024 – Photo promo

Interview ORKHYS. Entretien avec Jean-Yves Châteaux (batterie) le 6 juin 2024.

Jean-Yves, la dernière fois que nous nous sommes vus, c’était pour votre concert au Dropkick d’Orléans. Depuis, vous avez publié Legends, votre nouvel album. Quels sont les premiers retours que vous avez eus ?

Il est sorti le 26 avril. Pour l’instant, les retours sont plutôt positifs. On a eu une chronique d’une personne qui n’a pas trouvé ça bien, il en faut aussi. D’ailleurs, c’est une chronique qu’on a partagée parce qu’on est preneurs de tout ce qui est constructif. Dans l’ensemble, ça a été bien perçu, il se vend plutôt bien. On essaie de le défendre sur scène et ça marche plutôt bien aussi (NdMP : depuis, deux dates ont été annulées indépendamment de la volonté du groupe).  Le merch n’est pas encore fait – on n’a pas encore trouvé le graphisme qu’on souhaite, mais ça ne va pas tarder.

C’est un album qui s’appelle Legends et qui contient 9 titres. Quelles sont-elles, ces légendes et qu’est-ce qui vous a poussés à faire un album autour de ces légendes ?

Il y en a plusieurs… En fait, Brice (guitares) s’occupe des compositions et nous soumet les morceaux. Quand il nous les soumet, on les écoute plein de fois pour voir ce que ça nous inspire. Là, Laurène, notre chanteuse qui s’occupe des textes, a proposé ces thèmes-là. On a tous trouvé que ça collait bien à la musique et on a gardé toutes ces thématiques.

Laurène est allée chercher ces légendes pas toutes très connues où ?

Elle est bretonne d’origine, avec une culture celte assez forte, culture qu’on retrouve dans la plupart des morceaux, à part le Draugar qui lui vient de chez les vikings. Ce personnage viking, on le retrouve dans une grande série qu’on a vue il n’y a pas longtemps dans laquelle on parle des marcheurs blancs (NdMP : il s’agit bien sûr de Game of thrones)

Avez-vous changé votre façon de travailler sur cet album, notamment parce que vous avez accueilli un membre supplémentaire : Henri, second guitariste.

On n’a pas fondamentalement chané la façon de travailler. Le seul truc que la présence d’un nouveau guitariste, dans la préparation de l’enregistrement, il a fallu que les deux guitaristes se mettent d’accord entre eux pour savoir exactement qui fait quoi. Brice se sent beaucoup plus confortable sur de la rythmique et Henri se sent mieux en lead. Donc la façon de s’organiser est venue assez spontanément. A part ça, le mode de travail est resté le même : Brice se charge des compositions, chacun échange et propose de changer des choses lorsqu’il pense que c’est nécessaire, la chanteuse définit les thèmes et les textes, et ensuite, on met tout ça dans le même bol pour voir ce qui se passe quand on mélange tout ça. Au fil des petits arrangements, on va enregistrer pour proposer ce qui, on l’espère, va vous plaire.

Brice s’occupe de la grande majorité des compositions. Orkhys présente aussi la particularité d’avoir une harpe. Comment ces arrangements sont-ils envisagés ? Brice pense-t-il d’office aux passages de harpe, Laurène propose-t-elle de l’inclure à tel ou tel moment ou est-ce un travail de groupe ?

Brice s’occupe de 99% des compositions, et il inclut aussi la harpe quand il pense que ça sert le morceau. Il cherche à construire quelque chose et si dans un morceau il y a besoin de la harpe, il compose la ligne de harpe. Parfois, il propose des choses qui sont difficilement jouables à moins d’avoir douze bras et, à ce moment-là, il y a une refonte de ces passages pour que ça fonctionne. Le principe de composition c’est ça : il compose des morceaux, nous les soumets et nous, on fait des propositions de changement si on estime que c’est nécessaire ou techniquement impossible à jouer. On part de là pour voir comment on va structurer les textes et la structure de l’album.

A part l’arrivée de Henri, le second guitariste, il y a une autre différence avec le premier album : vous avez inclus un titre en français. Pourquoi ce choix ?

Laurène, quand on préparait ce morceau, elle a senti que, sur ce morceau, c’est le chant en français qu’il devait y avoir. Au niveau de la prononciation de la langue, de son rythme, de ses sonorités, c’est ce qui collait, ce qu’elle percevait. Et je trouve que sa perception était juste, ça fonctionne bien.

Vous avez testé en anglais ?

Non, parce qu’on sentait que ça ne s’y prêtait pas du tout.

Comment analyserais-tu l’évolution d’Orkhys entre vos deux albums ?

Je pense que nous avons progressé au niveau précision et de la maturité des compositions. On a plus facilement trouvé notre place, et notre  rôle dans la structure. On a su tirer des enseignements de ce qu’on considérait être des petits travers, des petites erreurs sur le premier album. Ça n’est peut-être rien pour quelqu’un qui écoute l’album, mais nous, on se dit « ah, oui, il y a ce truc qu’on aurait pu faire comme ça. » Alors on a retravaillé tous ces éléments sur le nouvel album pour qu’on ne retrouve pas ces mêmes erreurs dans nos interprétations.

Ce qui a aussi permis une meilleure cohésion de groupe. Quel a été l’apport d’Henri ? Pour l’avoir vu sur scène, j’ai l’impression qu’il a une sacrée personnalité aussi !

(Rires) Ah, oui, oui ! Quand il est sur scène, il prend de la place ! Mais son jeu, qui vient surtout du death et du thrash, a permis de construire des riffs et des structures dans ces styles. Il y a un peu plus de passages black ou thrash qui n’étaient pas présents sur le disque précédent.

Le côté sombre se retrouve également sur les illustrations de vos pochettes très monochromes et sombres. J’imagine qu’il y a un choix artistique également ?

On était parti d’une page blanche… Brice avait gribouillé un arbre sur la gauche, un lac au milieu avec ce qui avait l’air de ressembler à une forme de cheval mais on n’était pas trop sûrs… On s’est dit qu’on n’allait pas mettre ça directement sur la pochette et on l’a confié à quelqu’un qui savait faire du dessin. Je pense que le résultat correspond à ce qu’on voulait : une pochette sur laquelle il y a plein de petits indices au sujet des légendes qu’on va raconter. 2Videmment, il y a les deux indices principaux au milieu de la pochette, c’est dur de les louper ! Mais il y en a d’autres sur les côtés. On avait même posté un truc sur Facebook où on disait que ceux qui trouverait tous les indices, on leur filait un disque. Personne n’a tout trouvé ! Il y a eu des personnes très proches… mais pas suffisamment.

C’est un album qui contient 9 titres. Si tu devais n’en retenir qu’un seul pour expliquer ce qu’est Orkhys aujourd’hui, ce serait lequel ?

Oh, la, la ! C’est très, très difficile…

C’est pas marrant de n’avoir que des questions faciles…

Ah… si, c’est mieux (rires) ! Je pense que je choisirai le dernier morceau, The infernal Kelpie, parce qu’il commence très gentiment, comme une ballade, et, tranquillement, il fini par s’énerver. Il y a de la harpe, quelques orchestrations, des parties plus énervées, un peu de black, un peu de thrash… C’est un mix relativement soft qui peut plaire à pas mal de monde. Et surtout, il y a dans ce morceau un des contrastes que je trouve vraiment trop bien : le chant est extrêmement doux, posé, calme, et quand on lit le texte, il n’y a que des horreurs (rires) !

On sait bien que, aujourd’hui, un groupe de rock, qui plus est de metal, en France vit très rarement de sa musique. Quelles sont vos autres activités, hors Orkhys ?

A part Laurène qui est prof de chant, prof de harpe et qui vit de la musique, tous les autres avons un job. Je fais le job extrêmement passionnant de responsable informatique. Ça fait maintenant 42 ans que j’use des claviers, et j’en ai un peu marre… Je réfèrerai faire de la musique à temps plein… Brice, lui, travaille pour une petite boutique qu’est la RATP en tant que, je crois, responsable de chantier. Henri, lui switche de job et je ne sais pas trop ce qu’il fait en ce moment, mais ça ne lui plait pas. Julien, notre bassiste est ingénieur dans une entreprise qui fabrique des machines qui servent à faire des prises de mesures.

Si tu devais maintenant penser à une devise pour Orkhys, ce serait quoi ?

Euh… « Libre quoiqu’il en coûte ». C’est d’ailleurs le thème du premier titre de l’album.

As-tu quelque chose à rajouter avant de terminer ?

Je vais dire ce que je dis souvent et que j’estime qu’on ne dit pas assez : je remercie tous les gens qui sont présents lors des concerts, qui achètent nos CD, du merch, qui parlent de nous… Sans eux, on ne serait pas là, et on leur doit le fait d’être là. Donc, oui, c’est normal de les remercier, ainsi que tous ceux qui, comme toi, prennent le temps d’échanger avec nous sur une journée comme aujourd’hui.

On prend aussi du temps sans doute parce qu’on apprécie aussi ce que vous faites…

Oui, mais ce n’est pas un dû, et ça ne coûte rien de dire « merci ».

NOURITURE: Barbara vol. 1 – pastèque planet

France, Rock barré (ils appellent ça du « mindfunk rock ») (Autoproduction, 2024)

Un point commun existe entre la musique et la bouffe: il y a de la junk food à consommer et à jeter comme il y a des choses qu’on prend le temps de digérer. Nouriture fait partie de la seconde catégorie dans son genre de musique… Le groupe a déjà publié un premier album en 2020, Kreg’s adventure et revient aujourd’hui avec Barbara vol. 1 – planète pastèque. Ne cherchez pas… Le combo français nous entraine dans ses délires sonores aussi interpelants que barrés. « Cette œuvre dantesque défie les conventions et vous invite à un voyage au-delà de l’ordinaire » dit le communiqué de presse. Tu m’étonnes! Une étrange pochette rose fuchsia, un démarrage tout aussi étrange avec des sonorités de réacteurs de vaisseau spatial, une musique qui démarre doucement avant de monter en puissance, une narration d’histoire, un phrasé rap et du chant torturé. On imagine parfaitement cet album illustrer un film qui mélangerait des univers SF à ceux de Tarantino (Pulp Fiction et Kill Bill ne sont pas loin), du western et des mondes post apocalyptiques, dans un esprit décalé à la Mike Patton meets Living Colour et qui m’évoque parfois 6:33. Ne cherchons pas à coller une étiquette à Nouriture, la formation se laisse porter par ses envies et parvient à proposer un album aussi intrigant et riche musicalement et émotionnellement. Il y a du rock, du punk, du funk, de la new wave, de la pop, du black, de… Bref, Nouriture ne se pose aucune limites, explore, teste et valide. Barbara et ne se digère pas en une écoute mais nous entraine dans des mondes complètement barrés et envoutants.

HUMAN ZOO: Echoes beyond

Hard rock, Allemagne (Fastball music, 2024)

Il en faut de la patience ! Les fans auront dû attendre pas moins de huit longues années pour que les Allemands de Human Zoo donnent un successeur à My own god. En même temps, le groupe de hard mélodique nous y a habitués depuis son second album… Le voici donc enfin, ce Echoes beyond tant attendu! Et on peut se rassurer dès les premières mesure du bien nommé (malgré un gentillet jeu de mots) Gun 4 a while qui démarre pied au plancher. Le chant puissant et très émotionnel de Thomas Seeburger évoque souvent un certain Andi Deris mais Human Zoo se distingue cependant de Helloween avec son heavy léché et soigné superbement mis en son. Toute la première moitié de l’album entraine l’auditeur dans des contrées sonores variées, le groupe proposant une palette de couleurs différentes, alliant rock, heavy, entrain et donne envie de reprendre les refrains de To the ground, Ghost in me ou Hello hello, et fait même frissonner avec la ballade, hommage à un père aimé et disparu, Daddy you’re a star. On ne leur fait pas l’article à ces anciens, les riffs concoctés par le guitariste Ingolf Engler plus que soutenus par une rythmique solide (le bassiste Ralf Grespan et le batteur Matthias Amann) et les claviers légers et discrets de Zarco Mestrovic. Ce qui fait également la différence avec d’autres groupes, c’est l’apport du saxophone de Boris Matakovic, pour des passages qui, souvent, évoquent un certain E Street Band (celui du Boss, Springsteen). Mais, voilà… un moment de faiblesse vient quelque peu casser le rythme de l’album avec deux titres moins marquants jusqu’au très westernien Waiting ’til the dawn qui refait taper du pied de bout en bout avec sa bottleneck. Ready to rock vient presque conclure ce disque avec une belle énergie retrouvée qui allie tous les ingrédients d’un bouquet final, l’album se terminant avec une version acoustique de Forget about the past. Malgré un moment moins inspiré, Echoes beyond regorge d’énergie positive, de petites trouvailles sonores et donne simplement envie de taper du pied. Un très joli retour!

Interview: SIDILARSEN

Interview SIDILARSEN. Entretien avec Viber (chant, guitare), Didou (chan) et Marvyn (batterie). Propos recueillis au Rock In Rebrech’ 13 le 25 mai 2024.

Commençons avec l’actualité : après 15 années passées au sein de Sidilarsen, Samuel a décidé de quitter son poste de batteur. Non seulement était-il un membre originel du groupe, mais il est également le frère de l’un d’entre vous (Didou) et l’ami d’enfance de l’autre (Viber). Que s’est-il passé ? La crise sanitaire l’a amené à faire ce choix ?

Didou : Déjà, c’est au bout de 25 ans parce que, avant Sidilarsen, on avait commencé sous un autre nom. Donc on a vécu une très longue aventure ensemble. Le Covid a sans doute accentué certaines choses, mais il était arrivé au bout de cette vie sur la route. S’il avait pu faire Sidilarsen à la maison, il aurait certainement continué… Il avait besoin de faire ce choix, très douloureux pour lui, mais c’était une question de santé physique et mentale. Ça a été dur pour nous aussi, mais tout s’est passé en bonne intelligence et en bonne amitié. Il n’y a pas de rancœur, mais ça a été difficile. C’est un choix qui n’est pas tout blanc, même s’il a fait ce choix, il y a des moments où il en est triste et en même temps, il en est content. Aujourd’hui, il va mieux.

Je m’adresse à tous les deux – et je te poserai la même question après, Marvyn – comment avez-vous fait la connaissance de Marvyn et qu’est-ce qui a fait la différence entre lui et d’autres batteurs ?

Viber : Le talent ! (rires)

Ça, c’est du fayotage ou je ne m’y connais pas !

Viber : On a passé des annonces, en fait. On a fait u appel à candidatures pour voir qui avait envie de jouer avec nous et commencer à sélectionner. Quand Marvyn est arrivé, on lui a demandé de nous envoyer une vidéo avec une reprise d’un morceau. Ça nous a beaucoup plu et il y a une chose qui nous a marqués : quand on a discuté avec lui, ça s’est bien mieux passé que ce à quoi on s’attendait.

Didou : Il n’y a pas eu d’efforts à faire, on a joué un peu, et c’était naturel…

Donc d’un point de vue musical autant qu’humain…

Didou : C’est ça qui n’est pas forcément évident… Ça peut aller d’un point de vue mais pas de l’autre, bien que je pense que quand ça colle artistiquement, c’est qu’il y a quelque chose qui passe. Des connexions dans les choix artistiques, dans les envies, on se retrouve facilement.

Viber : La charte est assez complexe : il nous fallait quelqu’un qui ait un bon niveau technique, qui aime ce qu’on fait, capable de jouer au clic.

Didou : Il faut être carré pour faire du Sidilarsen…

Marvyn, comment as-tu connu Sidilarsen, comment as-tu découvert ce poste ? Déjà, quel âge as-tu ?

Marvyn : J’ai 25 ans. Je suis né après le groupe.

Didou : Et ça, ça nous plaisait.

Reprenons : comment as-tu découvert le groupe ?

Marvyn : C’est une bonne question, je ne sais pas si on m’a déjà demandé comment j’ai découvert Sidilarsen… J’ai toujours connu le nom qui est un de ceux récurrents en France. Mais je ne saurais pas te dire comment j’ai découvert. Je les suivais, mais je ne les avais jamais vus avant.

Maintenant, tu ne vois que leurs culs…

Marvyn : Oui, littéralement ! (rires)

Viber : Il faut préciser une chose : Marvyn est de Montpellier, donc il ne risquait pas de voiur Sidilarsen…

Marvyn : Vous y avez joué… quoi ? Une fois en 25 ans ? Montpellier, ce n’est pas forcément l’endroit le plus simple. Après, la candidature était sur les réseaux. J’ai postulé mais sans penser à une suite possible… je me disais que c’est un gros groupe, il va y avoir plein de gens qui vont postuler…

Viber : Il y a eu 60 candidatures…

Marvyn : Ah ouais ! Heureusement que je l’ai su après ! Ça a matché, on s’est rencontrés et ça a matché direct. On s’est rencontrés, on a pris décision qu’on passe l’été ensemble pour voir en condition réelles comment ça se passait, aussi bien sur la route qu’humainement.

Didou : Ça a été un peu dur pour Marvyn, cette sorte de « période d’essai », un peu comme dans une entreprise. On n’est pas une entreprise mais il y a des engagements. Si, on est un peu une entreprise, et il y a des choses bien dans les entreprises, aussi.On avait déjà eu des changements de line-up, on savait qu’on ne pouvait pas remplacer Sam comme ça. On voulait prendre du temps et Marvyn était d’accord avec ça. On part sur plusieurs dates, c’est pas simple, il y a une pression très forte, tu ne sais pas encore si tu vas rester ou non dans l’aventure… C’est particulier.

Viber : Nous, on avait vraiment besoin de cette garantie-là, on ne pouvait pas prendre ce type de risque, notre avenir en dépendait pas mal. On ne voulait pas faire comme certains groupes où le line-up change souvent… Un batteur tous les ans, non… On avait besoin de reconstruire une stabilité.

Il y a aussi un bassiste qui a changé en 2019, puisque Sylvain Sarrobert est arrivé dans le groupe. Vous pensez avoir enfin retrouvé cette satbilité ?

Didou : Complètement ! On a fait du bon boulot et on a appris à se connaitre. On s’est dit très tôt que Marvyn est la bonne personne, mais on s’est obligés à prendre du temps.

Et toi, aujourd’hui, tu te sens complètement intégré, Marvyn ?

Marvyn : Totalement. Et comme ils l’ont dit, il ne fallait pas s’emballer. C’était pareil pour moi, et c’était difficile parce que même avant les premières dates, je me disais que ça marchait trop bien. C’était génial, musicalement, humainement. Il fallait que ça continue comme ça, même si je voulais faire comprendre à tout le monde que ça pouvait ne pas continuer… On a très vite attaqué sur des émotions fortes, on a fait des festivals, il y avait des niveaux de concerts que je n’avais jamais atteints – j’avais des groupes locaux avant, mais rien de comparable ! Garder la tête froide. Mais (il s’adresse à Didou et Viber) quand on a fait un point au milieu de l’été, vous m’avez aidé à garder la tête froide.

Didou : Il y a cette simplicité aussi, on ne veut pas de ces gens qui se prennent la tête…

Revenons un peu en arrière : 2019 voit la sortie de On va tous crever. Avec le recul, on peut se dire que c’est un titre un peu prémonitoire puisque, quelques mois plus tard, il y a eu un confinement. Mais… hasard du calendrier, au début du mois de mars 2020, vous sortez la vidéo du titre On va tous crever. Coup sur coup… Vous n’avez pas un peu l’impression d’être responsables de tout ce merdier ?

Didou : Si, si, si, et on le dit : On vous a sauvés (rires) ! J’ai beau expliquer aux gens que c’est nous qui avons lancé le virus, ils ne me croient pas !

Pourtant, c’est vrai que tu as une tête de pangolin (rire général) !

Didou : Tout était calculé…

Vous étiez en relation avec la Chine…

Viber : Et au niveau du management, ça a été du haut niveau.

Donc vous assumez complètement cette responsabilité.

Didou et Viber : Oui, totalement (rires)

Plus sérieusement, la crise sanitaire est passée par là, elle a dû vous contraindre à annuler une partie de la promo et des concerts aussi… Quel impact est-ce que ça a eu sur les ventes de l’album ?

Didou : Bizarrement, pour Sidi, on a eu de la chance, contrairement à ceux qui ont sorti un album pile au moment de la crise. Nous, l’album est sorti 6 mois avant, donc il a eu une petite existence. Et comme tu l’as expliqué, paradoxalement, la crise a collé avec la thématique de l’album, et du clip. Bizarrement, le groupe a grossi pendant la crise sanitaire. Au final, on n’a pas trop ressenti de baisse. On a été très angoissés comme tous les artistes (Viber confirme), on se disait que peut-être on ne ferait plus notre métier. Il y a eu quelques mois où les artistes, tous, même les plus gros, se disaient que c’était peut-être fini. Et ça, ça laisse des traces, il y a des traumas qu’on sous-estime.

Les interviews que je pouvais faire à cette période, à distance, ce n’était pas du tout la même ambiance…

Didou : On est d’accord qu’on n’était pas bien, tous… Peur ou pas peur du virus, c’est pas ça, c’est l’ambiance globale qui était malaisante. Sans se lamenter parce que tout le monde était concerné à ce niveau-là, pas que les artistes… Mais, en tant qu’artistes, je parle de ce que je connais, on a eu très peur. Mais Sidilarsen… On a été très soutenu par notre public : les gens ont acheté du merch en ligne comme jamais. On a halluciné, on voyait qu’on n’avait plus rien, et, en fait, ça nous a tenus. On a trouvé de nouveaux modèles, on a même fait une bière Sidilarsen, on est devenus brasseurs… on a fait des trucs, on n’y pensait même pas. Et finalement, on a réussi à redémarrer la tournée On va tous crever comme si rien ne s’était passé… On a eu plus de monde dans les concerts, plus de monde qui chantait nos paroles et, ensuite, l’arrivée de Marvyn a continué d’alimenter cette dynamique.

 Donc, d’une certaine manière, vous avez tiré un bénéfice de la crise sanitaire…

Didou : Ça s’est passé comme ça…

Viber : On ne sait pas ce qui se serait passé sans le covid.

Didou : L’album On va tous crever avait très bien démarré…

Il y avait une dynamique en route, d’ailleurs, avec l’explosion de Dancefloor bastards, vous avez passé différents paliers.

Didou : Oui, il y avait déjà une dynamique, et là, on sent encore quelque chose de plus fort.

On va tous crever était un album assez pessimiste, entre le titre, les couleurs ternes et cette personne en train de s’enflammer aussi… Vous revenez avec Que la lumière soit, un esprit peut être un peu plus SF – la pochette m’évoque l’univers de Star Wars. Il y a cependant toujours cet engagement qui a toujours collé à la peau de Sidi. Qu’avez-vous voulu mettre dans cet album ? Un peu plus de lumière ?

Viber : Oui. Quand on a choisi ce titre, on avait décidé qu’on voulait mettre de la lumière…

Ça veut dire que votre engagement a changé ?

Viber : Non, ça n’a pas changé mais il y a peut-être une conscience sociale… On est sensibles à ce qui nous entoure, à la société dans laquelle on évolue – on évolue avec elle. Il y a eu beaucoup de choses qui se sont accumulées, personnellement, je me disais « c’est bon, il y en a assez ». Et il y a la guerre en Europe, au Moyen Orient, et plein d’autres endroits dont on parle moins. Donc on voulait un peu de lumière, parler de ce qui nous tient à cœur, de ce qu’on veut changer dans la société mais pas en accumulant de la violence et pas… plus de name-dropping, désignation. Tout est, aujourd’hui, très polarisé, et on ne voulait pas de ça sur l’album, on voulait vraiment que ce soit ouvert, que les gens puissent rentrer dedans. Il est sombre, mais je trouve aussi qu’il est rassembleur.

Didou : Si on se plonge dans les textes, souvent il y a des couplets très sombres et des refrains plus lumineux, positifs. Il y a plus de célébration, d’espoir : « on est tous ensemble et on va pouvoir se relever ». Il y a quand même une partie très dark… « Que la lumière soit » c’est aussi très ironique, ça évoque la part sombre de la lumière, mais aussi, on a pris le contre-pied total de On va tous crever… Quand on a choisi le titre, Que la lumière soit, ça m’a fait le même effet que quand on a choisi On va tous crever : Ouais, c’est bon ça ! (tous se marrent)

Justement, par rapport à ça, quel a été l’apport de Marvyn, un nouveau batteur au jeu certainement différent de celui de Sam, selon vous deux et aussi, selon toi Marvyn ?

Viber : Il y a effectivement un apport, même si Sam est irremplaçable, mais il n’est plus là…

Didou : On ne voulait pas d’un Sam 2, et en plus, ça nous aurait vite saoulés…

Viber : Le remplacer par quelqu’un qui fait une imitation, ça aurait été très con… Marvyn est arrivé avec sa personnalité, sa façon d’avancer, de bouger et de vivre la musique et d’insuffler une énergie très… personnelle et particulière.

Didou : Il y a cette année la patte de Marvyn.

C’est quoi, alors, « la patte de Marvyn » ?

Didou : C’est un petit truc… Il faut l’écouter (Marvyn rit).C’est difficile à définir…

Comme les guitaristes, chaque batteur a sa signature. Quelle st, Marvyn, ta signature, qu’est-ce qui te différencie de Sam et qui pourtant te permet d’être un membre à part entière de Sidilarsen ?

Marvyn : Ce qui me différencie de Sam ? C’est dur… Sam était connu pour être un métronome. Je pense l’être moins mais je tente des trucs qui parfois ne passent pas mais au moins, j’y vais !

Scéniquement, pour quelqu’un qui a vu l’ancien Sidi, on sait que Sam allait chercher le public directement sur scène. Est-ce que tu as ce même type de connexion, est-ce que tu quitte ton kit ?

Marvyn : Non, pas comme ça en tout cas, parce que, pareil, l’idée n’est pas de faire la même chose. On s’est posé la question. J’aime beaucoup l’énergie live et je l’interprète aussi à ma manière.

Didou : Ce que je vois, ce que je constate depuis les balances – mais je ne suis pas dans le public – c’est quelque chose de plus… libéré par rapport à Sam. Plus physique aussi. Sam était très concentré, très sec et physique aussi, ce qui a participé à la notoriété de Sidi aussi. Maintenant, quand il allait haranguer le public, c’est parce qu’il en avait besoin. Il était tellement dans son clic qu’il fallait relâcher. Il fallait qu’il libère un peu cette énergie. J’ai l’impression que Marvyn est déjà dans cette énergie, un peu moins dans le contrôle, mais c’est complètement subjectif. Il est moins cérébral…

Marvyn : C’est aussi ma façon de profiter du moment…

Didou : Quand on a auditionné des batteurs – on le savait parce qu’il y a des fois où Sam ne pouvait pas jouer et où il a été remplacé – ça ne collait pas. (A Marvyn) Tu as une frappe différente mais qui marche pour Sidi. Bien sûr, il y a des points communs, il fallait que ça colle, dont la fameuse frappe de caisse claire… Il y a beaucoup de batteur qui n’avait pas ça. Sam avait une frappe très…particulière qu’on voulait retrouver.

En dehors de l’arrivée de Marvyn, comment analysez-vous l’évolution de Sidilarsen entre On va tous crever et Que la lumière soit ?

Viber (d’un ton totalement détaché) : Alors… on arrive aux sommets… C’est l’Olympe (rire général) ! Comment on analyse ? Je pense qu’’il y a des choses qu’on a trouvé en nous et avec le public qui nous a permis de nous poser un peu plus. Le confinement a permis une introspection, un retour à la racine – pourquoi on est là, pourquoi on fait ça, et si on continue, on sait pourquoi on continue… On a répondu à plein de question. Le fait aussi de l’essor de notre notoriété avec cet album nous a vraiment fait du bien, je ne te le cache pas. Ça rassure te je pense aussi que cette période nous a permis de faire tomber des grillages qu’on se posait. On s’en est libérés, délivrés… Ce faisant, on était plus libres pour aborder les choses de manières plus sereines, plus faciles. Ça a été plus facile et… plus joyeux.

Didou : Oui, plus joyeux… C’est marrant de dire ça, mais…

C’est aussi un changement d’état d’esprit : le fait que vous soyez plus joyeux, rassuré, que le public vous a soutenus pendant la crise sanitaire… 

Didou : Le départ de Sam aussi… Il a fallu le digérer mais après, ça a été comme une sorte de libération, une seconde jeunesse…

Viber : On s’est aussi dit qu’après ça, il ne pouvait plus arriver grand-chose !

Didou : Aussi, Marvyn, Benben (Benjamin Lartigue, guitare) et Sylvain (Sarrobert, basse) se sont bien trouvés pour composer les instrus…

C’est un critère de s’appeler Benjamin pour être guitariste dans Sidilarsen ?

Viber : C’est obligé oui ! (Rires)

Didou : « L’esprit léger » qu’ils avaient tous les trois – je dis « léger » mais ils envoyaient du lourd – il ne se prenaient pas la tête alors qu’avant, dans Sidi, on se prenait beaucoup la tête… On ne se rentrait pas dedans, mais on se faisait des nœuds au cerveau. Le calcul, la compo… Eux, ils sont arrivés, et c’est plus simple. Nous (Vyvber et Didou), on accueille ça et on n’a jamais été autant dans la joie, comme le dit Viber, on n’a jamais été aussi bien quand on a posé nos textes et nos lignes de chant.

Si vous deviez, chacun, ne retenir qu’un titre de Que la lumière soit pour expliquer ce qu’est l’esprit de Sidilarsen aujourd’hui, ce serait lequel et pourquoi ?

Didou : C’est compliqué…

Marvyn : Logiquement, je pense au single, parce que c’est un peu l’approche qu’on a eu quand on a pensé au single à sortir pour présenter l’album. Il fallait quelque chose qui représente l’album et qui ait aussi sa propre personnalité : On revient sur terre, donc, parce qu’il y a un peu de tout ce qu’on retrouve sur l’album, un refrain épique qui rassemble, la partie un peu plus metal… un peu de tout !

Viber : Moi, ce serait Adelphité, pour le côté rassembleur et le coté, quand même, revendicatif. Il est mid tempo et bien lourd, et très mélodique. C’est des trucs qu’on n’arrivait pas à faire avant, qu’on avait essayé il y a longtemps mais un peu abandonné… Mais aussi par rapport aux impressions que j’ai reçues de gens autour de moi qui ne sont pas du tout dans le metal… Cet ensemble de choses, avec des influences assumées, qui me représente vraiment aujourd’hui. Un nouveau Sidi…

Didou : C’est difficile, parce que j’aurai répondu la même chose qu’eux deux. Je vais faire exprès de répondre différemment (rires). Je dirai Du sang sur les fleurs. En plus, c’est aussi un clip, et ces jours-ci, je trouve qu’il représente une nouvelle facette de Sidi. Même si on ne peut pas nous représenter avec un seul morceau, c’est un titre très changeant, très vivant. Sur ce nouvel album, et c’est aussi ce qui nous rend heureux, il y a beaucoup de morceaux qu’on estime « forts ». Il y a un bon paquet de titres qui nous tiennent à cœur et les gens ont l’air de bien recevoir ça.

Viber : Il y a des choses qu’on n’aurait pas faites avant, qui se justifiaient pour nous de manière différente. Là ce n’est plus le cas, ce n’était pas dur à faire, avec des passages plus posés, plus aérés.

J’ai l’impression qu’il y a aujourd’hui une belle unité dans le groupe, en tous cas, vous semblez satisfaits de l’arrivée de Marvyn. Si aujourd’hui vous deviez réenregistrer un des albums de Sidilarsen avec le line up actuel, ce serait lequel ?

Viber : Probablement Une nuit pour sept jours, parce que (Didou et Marvyn approuvent)… Tu es d’accord aussi ?

Marvyn : Oui, mais pas pour les mêmes raisons…

Viber : C’est un de nos albums les plus arrangés. On avait beaucoup travaillé sur le son et on a été déçus du mix…Au final, c’est trop brutal, c’est sec…

Didou : Ça manque de dynamique.

Viber : On a été frustrés. Après (se tournant vers Marvyn), vu de l’extérieur…

Ca a été ton choix, aussi, Marvyn…

Marvyn : Oui, parce que c’est un album de cœur dont je ne me lasserais jamais. Et je l’aime aujourd’hui avec ce son-là. C’est un plaisir coupable, mais ça serait moins bien, c’est juste pour dire « j’y étais » ! (Rire général)

Didou : Je dis la même chose parce que c’est vraiment l’album qui nous a le plus frustrés. Il y avait de belles choses dessus, premier album composé à 100% avec Benben qui avait apporté beaucoup de mélodie. On était dans cette fameuse période de « aucune limite à rien » on osait tout.

Marvyn : je le trouve plus dans l’esprit de ce qu’on fait maintenant, il est plus metal, et on est plus metal…

Didou : Je suis assez d’accord. Mais je sais que Sylvain et toi vous êtes d’accord là-dessus, même au niveau de la prod – et nous, on la trouve à chier…

En même temps, c’est souvent une impression qu’on retrouve de l’extérieur, il y a des dizaines d’albums qu’on pourrait citer qui plaisent au public mais pas aux musiciens…

Didou : Bien sûr, et c’est totalement subjectif.

Il y a de très belles dates à venir, un mois d’octobre bien rempli avec un Sidifest, un Olympia, une date avec Crisix aussi… Comment vous préparez toutes ces dates importantes pour Sidi ?

Viber : On a fait des résidences pour travailler la lumière, la scénographie, on a beaucoup répété…

Didou : A partir de maintenant, les meilleures répètes, c’est les dates.

Vous envisagez la possibilité, en discutant après les concerts de modifier la set list parce que tel morceau ne passe pas aussi bien que vous le pensiez ?

Didou : Ah oui !

Marvyn : On ne le fait pas à chaque date, mais presque…

Didou : On ne modifie pas forcément la setlist, mais on modifie soit des arrangements, soit des détails…On modifie beaucoup. On va même refaire des résidences après l’automne pour encore peaufiner le show. Cet album, on a envie de le défendre sur plusieurs années. Les gens nous disent « waow, c’est une belle tournée », mais en fait, non : ce n’est que le début ! On va le défendre longtemps cet album, il le mérite.

Vous allez le défendre longtemps : on le sait en France, rares sont les groupes de rock qui peuvent vivre de leur musique. Avez-vous, dans voos autres vies, des activités plus alimentaires ?

Didou : On a la chance, et on n’est pas beaucoup en France sur la scène metal, de pouvoir en vivre. On est intermittents du spectacle, et on a quelques plans à côté parce que Sidilarsen ne peut pas tourner tout le temps. Parfois, il faut se mettre en retrait. Il faut se poser, se retirer pour composer et dans ces moments-là, on n’a pas de cachets. Ceci-dit, on a maintenant la chance de travailler avec une maison de disque sérieuse qui nous donne un cachet pour le travail en studio, mais parfois on est obligés de compléter. En tant qu’intermittents, on a des plans « tech », toujours dans le domaine de la musique.

Marvyn : Pareil, je fais pas mal de plans « home tech » pour des groupes.

Didou : Sylvain et Benben aussi. On a la chance de pouvoir le faire, j’ai bien conscience qu’il y a pas mal de groupes pour qui ce n’est pas le cas, mais je peux te dire qu’on ne chôme pas. Parfois, on fait des   heures par semaine. On s’occupe de tout, on fait la com’, le management, le merch… C’est une boite, Sidilarsen. On a des réunions toutes les semaines, sauf quand on est en tournée où, là, on se voit tellement (rire général). On a le temps de parler dans le camion. Les gens ne le réalisent pas forcément, mais aujourd’hui, un groupe se gère sur un million de plateformes différentes, des réseaux… il y a toujours plus de trucs à gérer…

Viber : Toujours plus de trucs à gérer et moins de pognon qui rentre… le streaming vidéo, par exemple, ça rémunère zéro. L’ADAMI s’en plaint, il y a plein de choses qui ne sont pas mises à jour…

Terminons avec ceci : quelle pourrait être la devise de Sidilarsen en 2024 ?

 Viber : … Que la lumière soit !

Marvyn : Ça marche aussi en devise !

Vous avez quelque chose à rajouter ?

Didou : rendez-vous au Sidifest et à l’Olympia en octobre.

On va peut-être commencer par le Rock In Rebrech, ce soir, non ? (Rire général)

Didou : Oui, bien sûr, on passe tout à l’heure… à 23h30…