Interview: KONTRUST

Interview KONTRUST. Entretien avec Julia (chant) et Manuel (percussions). Propos recueillis le 13 novembre 2023.

Metal-Eyes : Avant de commencer, comment se porte la famille Lederhosen (ndMP : nom du pantalon typique du folklore autrichien)

M : Ah, ah ! on est encore en mode festif… Nous venons de sortir l’album, il y a une dizaine de jours, et c’est génial. On a de super retours tant de la part des fans qui se sont montrés vraiment patients que de la part des médias. Pour nous, c’est très encourageant. Presque émotionnel…

« Patients » est le mot approprié puisque votre précédent album, Explositive, date de 2014, bientôt 10 ans. Entre temps, la fille aux cheveux rouge a rejoint le groupe. Que s’est-il passé avec Agata, votre ancienne chanteuse ? Et nous parlerons de ton arrivée juste après, Julia…

M : Simplement, elle a fondé une famille, donc elle a priorisé ça et a préféré quitter le groupe. Je suis certain qu’elle a une super vie avec ses deux enfants. Elle a pris du recul ?

Julia, comment as-tu rejoint Kontrust ? Connaissais-tu le groupe avant ou l’as-tu découvert à cette occasion ?

J : je ne connaissais pas le groupe avant. Je l’ai découvert par le biais d’amis communs et j’ai décidé de tenter une audition pour devenir la nouvelle chanteuse. Il y avait d’autres candidatures, j’ai enregistré certains extraits des chansons les plus connues de Kontrust, les ai envoyées au groupe. Quelques temps plus tard, j’ai reçu une invitation me disant « ok, on souhaite te rencontrer, on aime vraiment ce que nous avons entendu ». On s’est rencontré, le courant est passé et il me semblait évident que ça fonctionnait bien entre nous. Ça sentait bon dès le départ et ça continue dans ce sens.

Tu as intégré le groupe quand, précisément ?

J : Je dirais il y a environ deux ans et demi…

Donc avant la pandémie…

J : oui, un peu avant mais pendant la pandémie, nous ne pouvions pas travailler ensemble. Ce n’est qu’après que nous nous sommes mis au travail.

M : C’était en effet avant la pandémie, donc, oui, on a vraiment commencé à travailler ensemble fin 2020, début 2021…

Manuel, il y aussi eu un autre changement important puisque vous avez recruté un nouveau batteur, exact ?

M : Absolument. Nous avons beaucoup de chance d’avoir Johannas avec nous. Il est vraiment au point, il fait un super boulot et il est très précis. Pour moi, particulièrement, c’est très important : je suis percussionniste et nous devons vraiment coller l’un à l’autre. Tout fonctionne presque parfaitement, aussi bien d’un point de vue musical que personnel.

Etait-ce un critère de sélection important que ces deux nouveaux membres aient un prénom débutant par un J ?

Les deux : Ah, ah !

M : C’est comme ça qu’on les a choisis, en effet !

J : C’était le plan !

Kontrust n’a jamais beaucoup tourné en France. Cependant, vous avez enfin pu jouer au Hellfest en 2022. Quels souvenirs en gardez-vous ?

M : Il faisait chaud et c’était un jour très spécial pour nous : le Hellfest est un des festivals les plus importants en Europe et c’était le second concert que nous donnions avec Julia et Johey (Johannas). Nous avions joué au Grasspop la veille. Ces deux shows leur ont permis de montrer ce dont ils sont capables et ils ont visiblement su nous démontrer que nous avions fait le bon choix.

J : C’était vraiment cool !

Dans quel sens ? Parce qu’il faisait chaud, ce jour-là !

J : Alors imagine, jouer en portant des Lederhosen quand il fait 45° !

J’étais présent, j’ai non seulement vu le groupe jouer dans les tenues traditionnelles mais je t’ai aussi vue dans cette épaisse robe…

J : Imagine la chaleur en plus !

Venons-en à votre nouvel album, Madworld. On ne va pas s’étendre sur le titre du disque parce que nous vivons dans un monde de plus en plus dingue, mais qu’avez-vous mis dans ce disque pour qu’il soit différent du précédent ? j’imagine, Julia, que tu as pu apporter ta personnalité à l’ensemble…

J : Oui, j’y ai mis tout de moi ! Travailler avec un nouveau groupe… Il fallait que je montre ce dont je suis capable, alors il y a ma voix, bien sûr, mais aussi… ma folie et mes cheveux rouge (rires). J’y ai mis mon expérience pour avoir un cocktail un peu dingue…

Et toi, Manuel, comment décrirais-tu l’évolution musicale de Kontrust entre Explositive et Madworld, en dehors du fait d’avoir intégré deux nouveaux membres ?

M : La différence principale est que Madworld est, pour nous tous, le premier album que nous avons entièrement autoproduit, sauf pour le mastering que nous avons fait en France. Tout le reste a été fait par nous. Personnellement, j’ai commencé à composer du nouveau matériel pendant la crise sanitaire, à peu près au moment où nous avons accueilli Julia et Johey. A ce moment-là, j’écoutais beaucoup de musique électronique, du hip-hop, aussi. Je pense que sur Madworld, tu peux vraiment entendre les influences électro, surtout quand tu le compares à nos anciens albums… Selon moi, Madworld est un pont vers notre style futur, nous nous sommes réinventés. Nous continuons de placer des percussions et instruments plus rock mais on a inclus plus de programmation, ce que nous ne faisions pas autant dans le passé. C’est vraiment l’évolution la plus remarquable, et le plus important contraste.

Il y a beaucoup de différences entre ces deux albums. Avez-vous, comme tant d’autres, utilisé les moyens technologiques modernes pour l’enregistrement ou vous êtes-vous retrouvés en studio pour enregistrer ensemble ?

M : Les deux en réalité. Pour nous, il était important que tout soit fait manuellement par nous, en partant de rien. C’était un défi parce que là où se trouvait le studio, il y avait des constructions qui devaient débuter pendant que nous enregistrions. Il a fallu qu’on se dépêche, qu’on trouve un autre studio… C’était désordonné mais au final, on a vraiment tout fait nous-mêmes. En même temps, nous avons pu utiliser la technologie moderne pour obtenir des choses que nous ne pourrions pas faire autrement…

Julia, en tant que membre la plus récente du groupe, comment décrirais-tu la musique de Kontrust à quelqu’un qui ne vous connais pas ?

J : Ouf… Je dirais que c’est une… combinaisons de genres et de sons qui ne sont habituellement pas associés. Un mélange un peu dingue entre des sons électroniques et des percussions, deux chanteurs un peu dingues… Plein de contrastes, en fait. Tu entends ça une fois, tu ne confondras jamais Kontrust avec autre chose (rires).

Et toi, Manuel, que dirais-tu à ces gens qui ne vous connaissent pas ?

M : Que nous proposons une musique très colorée, avec plein d’influences et d’éléments de différents genres musicaux. Parfois même des influences extérieures à la musique et le résultat est un… oui, un contraste permanent. Ce n’est pas une voie à sens unique, c’est plein de couleurs, de styles…

Comment des artistes comme vous parviennent-ils à imaginer des paroles aussi profondes que « Riggiriggiding » ou « Jo didl jo, didl didl jo »… ? (Rires des deux) Vous cherchez avant tout la tonalité pour que ça colle à la musique de Kontrust ?

M : Clairement, sinon ça ne collerait pas à l’esprit…

Si chacun de vous devait ne retenir qu’un titre de Madworld pour expliquer ce qu’est l’esprit de Kontrust aujourd’hui, lequel serait-ce et pour quelle raison ? (Silence de quelques secondes) Euh, il y a quelqu’un, vous êtes encore là ?

M : Julia ?

J : Je pensais que tu commencerais…

M : Non, non… Honneur aux dames, Julia…

J : Ah, d’accord, mais ne dis pas la même chose que moi (rires)… Je dirais I physically like you, la première chanson. A cause de ses « Riggiriggiding », justement ! C’est assez dingue pour définir l’esprit de Kontrust. C’est aussi un titre heavy, dansant, groovy… Il y a tout dans cette chanson.

M : Pour moi… J’ai eu beaucoup de mal à choisir lorsque notre label nous a demandé quelle chanson devrait faire office de single. Il devait y avoir 3 singles avant la sortie de l’album et sur les 11 titres, il y en a 7 qui sont mes préférés. Alors si tu me forces à me limiter à un seul titre, c’est compliqué…

Dans ton état d’esprit d’aujourd’hui, laquelle est représentative de l’esprit du groupe ?

M : Ouais… Si tu veux une réponse vraiment concrète à cette question, je… dois… dire… Black soul. C’était le premier titre que nous avons enregistré, environ 6 mois avant d’enregistrer les autres titres, et c’est une des premières chansons que j’ai composées et elle s’est avérée très efficace, dès le départ. Tout semblait si évident… j’aime son groove, elle est plus heavy que les autres chansons et contient les nouvelles influences. Il y a des percussions très sympas aussi… Oui, ce serait Black soul.

Est-ce que Kontrust parvient à vivre de sa musique désormais ?

M : Partiellement.

Je pose la question depuis la crise sanitaire car beaucoup de musiciens ne vivent pas de leur musique. Quels sont vos métiers respectifs dans votre autre vie ?

M : On est nombreux à avoir un job régulier, mais également lié à la musique. Julia, par exemple, est une chanteuse professionnelle, donc, elle fait du chant à temps plein. Je m’occupe de tout le travail de back office et du management de Kontrust, donc j’en tire un peu d’argent aussi, Stefan et Johey ont d’autres métiers : Stefan travaille pour une boite de marketing, Johey travaille dans l’industrie automobile, Mike est technicien de studio – il a son propre studio où nous avons pu enregistrer et mixer l’album – et Gregor est prof de musique.

Y a-t-il des thèmes que vous ne souhaitez pas aborder dans vos chansons parce que vous estimez que ça n’a rien à faire dans la musique de Kontrust ? Ou pensez-vous que Kontrust peut parler de n’importe quel sujet ?

M : Désolé Julia, je vais commencer… En général, les musiciens et les artistes devraient pousser les limites. A mon sens, ils devraient être autorisés à dire ce qu’ils veulent. Ce n’est pas spécifique à Kontrust. Donc si la question est de savoir si les artistes devraient pouvoir tout dire, ma réponse est clairement « oui ».

J : Je ne peux répondre que de mon point de vue… Mais si les autres me demandent ce que je ne voudrais pas chanter, ce serait au sujet de la politique ou de la religion. Je préfère en rester éloigner autant que possible, il y a tant d’autres sujets à traiter…

Avez-vous quelque chose à ajouter pour conclure ? Julia ?

J : Ah, « les femmes d’abord » (rires) ! Peu importe ce qu’il se passe dans ce monde de dingues, soyez vous-mêmes, aimez et vivez votre vie, écoutez de la bonne musique, écoutez Kontrust, et profitez de chaque jour de la vie. Restez Rock n roll.

M : Je suis impatient de revenir en France, on y a toujours passé de super moments… Jusque-là, écoutez l’album, streamez le, regardez les vidéos, achetez-le si vous le pouvez, et on se retrouve sur scène.

Interview: BLACK RIVER SONS

Interview BLACK RIVER SONS. Entretien avec Vincent (batterie) le 26 octobre 2023

Pour commencer, peux-tu me dire quelle est la question qu’on vous a le plus posée aujourd’hui ?

Ha, ha ! Cette question-là, justement (rires) !

OK, on a dû se mettre d’accord ! J’imagine alors que celle qu’on vous a le moins posée, c’est la plus originale qui soit pour moi qui découvre Black River Sons avec cet album, Skins : quelle est l’histoire du groupe ?

Black River Sons est un groupe qui existe depuis 2016, qui est basé sur la région lilloise. C’est un projet qui est à l’initiative d’Emeric, le chanteur, qui pendant une dizaine d’années a joué dans des tributes et des cover bands – Thin Lizzy, Led Zep, Lynyrd Skynyrd. En 2016, il en a eu marre de jouer les chansons des autres, il a eu envie d’écrire ses propres chansons, de les jouer en concert et de proposer, lui, ce qu’il avait à dire. Comme dans toutes les villes moyennes, dans le milieu de la musique, tout le monde se connait. Emeric, je le connais depuis une vingtaine d’années, on n’a jamais joué ensemble mais on s’est souvent croisés dans des concerts communs… On a joué un peu dans le cover de Lynyrd Skynyrd et quand il a voulu monter Black River Sons, il m’a contacté en premier, se doutant que ce serait le style de musique qui me conviendrait bien. On a monté l’équipe à deux, on a trouvé un bassiste, un guitariste. On a tout de suite voulu exister alors on s’est très vite mis en tête d’enregistrer un premier Ep histoire de pouvoir démarcher, gagner un peu de notoriété et se lancer dans la course aux concerts. Naturellement est venu l’enregistrement de notre premier album, Poison stuff en 2018.

Skins est votre second album, et votre chemin suit un chemin logique pour un jeune groupe composé de vieux briscards…

C’est ça, exactement, « un jeune groupe composé de vieux briscards » !

On ne pourra pas dire le contraire quand on voit vos… comment dire ? Quand on voit vos gueules de taulards chopés à la place de Trump avec vos mug shot (il se marre) … Comment décrirais-tu la musique de Black River Sons à quelqu’un qui ne vous connait pas ? Tu as parlé de Lynyrd Skynyrd, donc on a un indice, il y a du hard rock et du rock sudiste…

On peut effectivement dire que le socle commun à tous les musiciens du groupe c’est effectivement le rock sudiste, c’est ce qui nous a réuni, mais les influences sont bien plus vastes, avec des teintes de blues, du metal, du vieux hard rock, mais aussi du stoner, du grunge même dans certains morceaux. Mais, oui, le socle commun, c’est le southern rock avec les twin guitars, le questions-réponses. Ça va bien au-delà de ça dans la composition. Sur Skins, chaque morceau est différent. On peut passer comme Spit me out qui est très hendrixien, très « Kenny Wayne Sheppardien », à des morceaux beaucoup plus lourds et stoner…

On sent en effet une grosse influence des années 70 et 80, mais pas que ça.

Pas que ça, exactement. Il y a aussi des groupes comme Black Stone Cherry, beaucoup plus modernes, avec des sonorités plus actuelles, et, je trouve qu’ils sont beaucoup moins sudistes qu’à leurs débuts… Sur l’album précédent, on sonnait un peu comme Blackberry Smoke, pour Skins, on a modernisé le son, réactualisé l’écriture.

C’était justement ma question suivante : savoir comment tu analyses l’évolution de BLACK RIVER SONS entre ces deux albums…

Poison stuff, on était un peu dans le cliché rock sudiste, avec des chapeaux et des santiags. La pochette, c’est un tonneau… On a voulu sortir de ce carcan aussi bien au niveau de l’écriture que de la production et du son, tout en gardant notre identité, cette couleur rock sudiste mais on la voulait moins ostentatoire. Après Poison stuff, on a voulu durcir un peu notre musique en gardant le coté sudiste. C’était un choix artistique dès le départ.

Poison stuff est sorti mi 2019, ce qui signifie que vous avez eu 9 mois pour le faire vivre avant la crise sanitaire en mars 2020…

Exactement… Ça a été compliqué, très compliqué, mais comme ça l’a été pour tous les musiciens, tous les artistes… On a eu la chance d’avoir une bonne pub pour cet album qui marchait bien, on avait plein de dates programmées et, du jour au lendemain, on s’est retrouvés coincés chez nous. Là, le second album est là, on se dit qu’on va reprendre où on en était et même aller un peu plus loin.

Justement, pour aller un peu plus loin… Un groupe de rock doit défendre sa musique sur scène. Quels sont vos projets de concerts en dehors de votre région ?

On finit la saison tranquillement, mais cette année, on a vraiment donné beaucoup de concerts. Il nous reste 2/3 dates chez nous, et pour l’instant, il y quelques plans en pourparlers, notamment quelques festivals, et ça nous sortir de la région, ce qui est notre but : sortir du circuit habituel. Les concerts, on en donne beaucoup, mais toujours dans le même circuit. Maintenant, on a aussi pu jouer en Allemagne, dans différentes régions mais pas assez souvent à notre goût. Nous, ce qu’on veut, c’est pouvoir défendre notre album dans un rayon plus grand, aller plus loin et conquérir un autre public.

Vous n’avez pas encore la possibilité de vivre de votre musique, alors, quels sont vos métiers respectifs dans vos autres vies ?

(Il rit) Alors, Emeric vend des vêtements, Fred est prof de guitare – notre bassiste, mais initialement il est guitariste – Guillaume est musicien professionnel, il est intermittent du spectacle. Moi, je suis infirmier anesthésiste.

Si tu devais ne retenir qu’un seul titre de Skins pour expliquer ce qu’est l’esprit de Black River Sons, ce serait lequel ?

Oh… C’est une question tellement difficile parce que je pense que sur cet album il y a tellement de chemins, d’influences, de sonorités différentes… je dirai, s’il faut n’en retenir qu’un, ce serait Birds and beasts. C’est celui qu’on a choisi comme premier single, premier clip parce que c’est un morceau rentre dedans, qui groove, qui est dynamique mais qui a aussi ce côté un peu grand public. Sans se fourvoyer, sans dénaturer l’essence du groupe. Il y a toujours ce côté sudiste mais en plus moderne.

Je n’ai reçu que la version promo du CD, et je n’ai pas vu les paroles. De quoi traitent vos textes ?

C’est Fred qui est l’auteur de tous les textes. Il y a un fil rouge qu’on trouve sur tous les morceaux et qu’on peut expliquer avec les paroles de la chanson Skins : c’est un concept sur les apparences, les différents visages, les différents costumes qu’on peut porter pour se faire accepter de la société, arriver à ses fins… Entre celui que tu es vraiment et comment les autres te perçoivent, il y a une différence, une armure… A partir de quel moment tu dois changer de peau pour être en adéquation avec ton environnement… On parlait de nos métiers tout à l’heure : quand je suis le batteur de Black River Sons sur scène je ne suis pas le même que quand tu me vois dans un bloc opératoire, je n’ai pas le même costume… C’est un peu l’histoire de la dualité entre ce que tu veux être, ce que tu représentes et ce que tu es prêt à faire pour obtenir l’acceptation des autres.

Savoir se montrer sous son vrai jour… C’est un album qu’il faut présenter aux femmes en fait !

E fait, le titre Birds and beasts traite du néo féminisme, le féminisme à outrance, qui endevient peut-être même presque caricatural. Ce n’est peut être pas politiquement correct, mais on est dans une société où il n’y a plus de frontières, plus de limites, c’en devient ridicule, et c’est aussi le constat qui est fait dans cet album.

Et y a-t-il des thèmes que vous ne souhaitez pas aborder, qui n’ont pas lieu d’être dans BLACK RIVER SONS ?

On n’est pas un contest band, on n’écrit pas de protest songs… Le tout, c’est la façon dont tu vas dire, écrire les choses. Fred écrit toujours des paroles à double ou triple sens… On ne s’interdit rien mais on veut avoir une approche assez intelligente sur la forme pour que ce soit entendable. Ça peut être sujet à débat, ça laisse la porte ouverte au débat, à l’échange. Même nous, dans le groupe, on n’est pas toujours d’accord sur tout…

Comment procédez-vous pour la composition, le choix des morceaux ?

En fait, comme dans tout bon groupe, quand quelqu’un prend les clés du camion, s’il sait conduire, il faut lui faire confiance. Emeric avait tout écrit à 100%, là, le processus a été un peu plus démocratique : Fred, en plus d’écrire les paroles et de jouer de la basse, il compose, et chaque compositeur propose des morceaux quasi finis qui ne seront presque pas retravailler ensuite, après approbation collective. Les morceaux sont déjà bouclés quasi à 100%, maquettés quand ils sont proposés. Ensuite, charge à nous, avec nos instruments, d’apporter notre couleur qui fait que ce sera mieux avec un vrai musicien qu’avec une machine…

Comment avez-vous procédé pour l’enregistrement ? Vous avez tout fait en studio, utilisé les moyens technologiques modernes ?

On est allé dans un studio, le CNP studio à côté de chez nous. C’est le cinquième disque que j’enregistre chez lui. Les parties batterie, guitare acoustique et le chant ont été faits en studio pour des raisons logistiques et pratique, tout ce qui est guitares et basses, ça a été fait à la maison, envoyé au studio pour mixage. Pour des raisons de coûts et de charges financières… une journée en studio, ça coûte cher, donc ce qu’on pouvait ne pas faire en studio, on l’a fait nous même en donnant les clés du projet à notre ingénieur du son, qui nous connait bien maintenant puisque c’est le troisième disque qu’on enregistre avec lui. C’est quelqu’un qui est très à l’écoute, qui nous suit dans la direction qu’on a choisie. Si tu écoute les deux albums, ce n’est pas du tout la même production : Poison stuff est très roots, très naturel, Skins est plus rentre dedans, plus méchant. Il n’y a pas de triche sur la batterie, c’est le vrai son. On n’a pas voulu tomber dans le piège de tout trigger, éditer à la double croche près… on a gardé ce côté un peu roots, pas parfait… Enfin, quand je dis ça, il faut vraiment écouter de près pour se rendre compte des erreurs. Il y a un côté un peu organique dans cet album, et c’est ce qui est intéressant.

C’est aussi ce qui permet de garder encore le côté humain…  Tu parlais du contenu textuel de vos chansons, et il y a un lien direct avec la pochette. Qui l’a réalisée ?

Elle a été réalisée par François Parmentier, un infographiste de métier qui a travaillé sur de gros projets, avec des artistes de jazz américains, avec Manu di Bango et j’ai la chance de l’avoir dans mon entourage. Naturellement, je l’ai sollicité, je connaissais la qualité de son travail… Je lui ai fait écouter l’album, lui ai parlé du concept de dualité, d’opposition, de peaux… Je lui ai donné des mots clés et carte blanche. On voulait une pochette qui claque et qui, quand on la regarde de près, fasse dire qu’il y a des détails intéressants.

Quand j’écoute l’album, j’entends en effet du Black Stone Cherry, du Black Sabbath, tu parlais de Blackberry Smoke…  Vous vous appelez Black River Sons. Etait-il important que le mot Black fasse partie du nom du groupe ?

Quand on cherchait un nom, on s’était donné un cahier des charges : le nom devait comporter trois parties, comme Blackstone Cherry, Black Country Communion, Blackberry Smoke… On voulait un nom en trois parties qui commence par « black ». River, c’est en fait un affluent du Mississppi, la Black River, qui le rencontre dans l’Arkansas. Comme on joue du rock sudiste, ben, c’était logique : Mississippi, le sud, la Black river, c’est venu tout naturellement en rajoutant Sons. C’est moi qui ai trouvé le nom et on a trouvé que ça sonnait bien.

Si tu devais penser à une devise pour Black River Sons, ce serait quoi ?

(Il réfléchit) Nous, ce qu’on veut, c’est jouer sur scène, donc je dirais : Play or die ! joues ou meurs. Défendre notre album en concert, élargir notre champ d’action, faire découvrir Black River Sons au plus grand nombre.

Interview: Ayron JONES

Interview Ayron JONES (chant, guitare). Propose recueillis à l’Elysée Montmartre le 19 octobre 2023.

Ça fait plaisir de te voir de nouveau de retour en France. Comment vas-tu ?

Bien, je vais bien. On est arrivés il y a deux jours et j’ai pu me balader un peu, pas trop. Mais je profiterai de Paris demain.

Avant de parler de ce nouvel album, Chronicles of the kid, une remarque : le titre de ce nouvel album est similaire à celui du précédent, Child of the state (il acquiesce). Tu prévois une trilogie autour de l’enfance ?

Ah… C’est une surprise, mec ! Mais c’est une très bonne remarque. Child of the state, c’est le passé, Chronicles of the kid, c’est le présent.

Mais le gamin a grandi…

Absolument, il a grandi. C’est un peu un premier pas. Si je décide de créer quelque chose, ça doit être lié.

En tout cas, ces albums sont en lien avec ton enfance, l’environnement dans lequel tu as grandi…

Oui, et je pense que le prochain album traitera plus de là où nous nous situons aujourd’hui, un regard sur l’avenir…

« Là où nous nous situons » … La première fois que nous avions échangé tous les deux, c’était en 2019 par Skype pour parler de Child of the state. Tout comme sur ce disque, Chronicles of the kid démarre avec un titre heavy, nerveux, pour ensuite explorer toutes tes influences, funk, plus dansantes, rock, grungy… Tu as trouvé une forme de recette ?

Je crois que la recette, c’est ce que j’ai découvert, créé avant : un son qui uni tous ces genres. Pop, blues, rock… Je crois que cet album est encore plus abouti en ce sens que le précédent. Toutes ces chansons sont nouvelles. Sur les albums précédents, il y avait d’anciennes compositions, mais ici, c’est tout ce que j’ai pu écrire au cours de l’année passée. Oui, je pense qu’avoir pros du temps pour composer à l’instant présent m’a permis d’exprimer là où je me situe autour de ce son. J’ai travaillé avec des artistes grunges, avec des gens avec qui j’adore jouer et que j’adore écouter, et ça m’a permis d’avancer.

Child of the state était ton troisième album mais pour les Français…

Pour les Français c’est mon premier album, oui.

Sur Child of the state, il y avait une chanson, Supercharged, qui évoquait Lenny Kravitz (il confirme). Sur Chronicles of the kid, je trouve que Strawman évoque carrément Living Colour.

Carrément… Ce n’est pas une influence directe, mais j’ai grandi avec eux. J’ai grandi avec Cult of personality

C’est exactement le titre que j’ai en tête !

Vraiment (rires) ? Cult of personality passait toujours à la radio. Je l’écoutais mais je ne savais pas qui jouait… C’est le son de ma génération, c’est avec cette musique que j’ai grandi et je l’exprime aujourd’hui. Je ne cherche pas à sonner comme Living Colour ou d’autres, c’est simplement le son que j’ai en tête et que je veux exprimer…

Ça sort tout seul, et ensuite des gens te disent « ça, ça me rappelle…. »

Et je leur dis «t’as raison, mec, exactement ! » (rires)

Comment analyses-tu l’évolution d’Ayron Jones entre Child of the state et Chronicles of the kid? Tu viens de donner une partie de la réponse en disant que ce sont de nouveaux titres, mais à part ça ?

Je dirais que l’album m’a forcé à évoluer. Le précédent sonnait si bien ! Je savais que je ne pouvais pas faire moins… Ça m’a poussé à chercher d’autres choses, d’autres textures. Sur Child of the state, il y avait plus de guitares, alors on a pensé recruter un autre guitariste. Quand on a tourné avec Guns and Roses, on était deux guitaristes. Peut-être que l’étape suivante sera de travailler avec un guitariste qui sache jouer des claviers… J’évolue tout le temps. Vocalement aussi. Je demande beaucoup à ma voix et je dois apprendre à la préserver.

Si tu devais décrire Chronicles of the kid à quelqu’un qui ne connait pas Ayron Jones, que lui dirais-tu pour le convaincre d’aller acheter ton disque ?

Mmmh… Je pense que ça dépend de tes goûts musicaux (rires)… je dirai que c’est un album de rock pour des gens qui ne sont pas forcément amateurs de rock.

Que veux-tu dire ?

Pour moi, cet album est un pas de plus vers le mélange de genres. Il y a des chansons sur cet album qui pourraient figurer sur l’album d’un autre artiste. J’ai voulu enregistrer un album qui soit un disque de rock mais qui contienne aussi des éléments pop. Le genre de choses que les gens écoutent facilement, qui sont contagieux.

Et si tu devais ne retenir qu’un seul titre de ce disque pour dire ce qu’est Ayron Jones aujourd’hui, ce serait lequel ? Étant donnée la variété des genres, je sais que ce n’est pas facile, mais un seul titre…

(Il réfléchit) Je pense à Otherside, parce qu’est c’est là où je me situe aujourd’hui. J’ai appris à être aussi présent que possible et rester terre à terre. C’est facile de se perdre de vue avec ce que je fais, mais je garde la tête froide, je pense à ma famille et à mes gosses.

Les enfants, ce sont qui sont mentionnés dans le livret ?

Fais voir ? Oui, c’est bien eux. J’en ai un cinquième depuis, mais il n’était pas encore né quand l’album est sorti. Oui, c’est facile de se dire que tu pourrais faire-ci, ou ça, de choper la grosse tête. C’est compliqué de rester dans le réel, dans le présent, de savoir où tu te situes maintenant. Otherside parle de ça, du fait d’aimer et d’appréhender l’instant présent. Prendre conscience que la vie est trop courte pour se morfondre sur le passé ou stresser au sujet de l’avenir… De choses qui t’empêches d’agir ou de réagir maintenant. Cette chanson, pour moi, dit qu’il faut être présent, maintenant, et profiter du moment présent.

Lors de notre première entrevue, tu me disais que tu n’avais pas encore joué à l’étranger en dehors du frisbee.

Ouais, c’est vrai !

Depuis, tu as donné je ne sais combien de concerts en France, ta situation a vraiment changé et rapidement. La situation évolue-telle de la même manière dans d’autres pays ?

Euh, non… Pas vraiment. En Europe, il y a un public qui sort, on a donné de très bons concerts, mais en France, il y a quelque chose de spécial…

Peut-être que le « quelque chose de spécial » s’appelle Olivier Garnier ?

Oui, oui, c’est vrai (rires) !

Tu as donné en France de nombreux concerts, tu as ouvert pour les Stones, tu as joué dans de nombreux festivals, dont le Hellfest. Quels souvenirs en gardes-tu ?

Ah, ah ! J’adore ce genre de trucs, cette culture un peu dark, démoniaque, ce qui fait peur aux gens d’habitude. C’était très cool de pouvoir voir tout ça, ces décors… Et il faisait beau…

Comment pouvais-tu garder ton bonnet sur la tête ?

(Rires) Je ne sais pas ! En fait, il ne faisait pas si chaud que ça…

La première fois que nous avons échangé, Biden venait d’accéder à la présidence des USA 5 mois plus tôt. Il était alors trop tôt pour que tu puisses analyser des changements dans la vie américaine. Depuis, il a fait plus de la moitié de son mandat. Comment anaalyses tu l’évolution américaine depuis l’élection de Biden ?

Rien n’a vraiment changé, tu sais… On s’approche un peu du centre, la ferveur des gens depuis Trumps n’a pas vraiment changée… Il y a encore beaucoup de gens qui ne se sentent ni vus ni écoutés. Je crois qu’on avance dans le bon sens, mais on n’avance pas vite. La situation est plus ou moins identique… Biden essaie de nous réunir, d’aider tout le monde, mais politiquement, il n’a pas gagné le cœur de tout le monde, moins en tout cas que Barak Obama.

Ne crains-tu pas que Trump puisse revenir, ou de voir quelqu’un comme Kennedy être élu, malgré le nom qu’il porte ?

Nann, je ne suis pas inquiet. Trump revient ? Ben il revient, que veux-tu y faire ? On ne va pas s’inquiéter pour ce genre de choses. Je garde en tête ce que j’ai à faire, et la chose à faire, c’est d’aller voter. C’est tout ce que je peux faire…

J’imagine que tu es l’auteur de la pochette de Chronicles of the kid ? Je vois tes initiales partout sur ce cahier…

C’est exact… J’avais un paquet de chansons écrites dans un cahier comme celui-là, et le concept est sorti. Tout a commencé avec des histoires griffonnées dans un cahier…

Si tu devais penser à une devise, quelle serait-elle ?

Mmmhhh… « Sors et gagne »… « sois la meilleure personne possible », oui, c’est ça. Sois bon en tant qu’humain, en tant qu’époux, que père, qu’artiste…

La première fois que je t’ai posé cette question tu m’as répondu : « ne sois pas un trou du cul ».

Ah ouais ! Et ça se rejoint ! Ça ne sert à rien d’être un trou du cul, sois bon, c’est tout !

As-tu quelque chose à ajouter avant d’aller te préparer ?

Je voudrais seulement dire à quel point j’aime le public français, je suis très flatté qu’il m’ait adopté et intégré dans leur culture. C’est très particulier de pouvoir découvrir les Français de l’intérieur, d’habitude on ne voit que l’extérieur.

Justement, tu as donné différents concerts à Paris. Jusqu’à présent quel est la salle qui t’a le plus marqué ?

La salle ? Je dirais que ce théâtre antique, à Nîmes, était fabuleux…

Mais ce n’est pas à Paris…

Ah, tu parlais de Paris (rires) ? Désolé… Je ne sais pas… Sans doute, ici, on verra ce soir, c’est une nouvelle salle pour moi. Mais jusqu’à présent… le New Morning a été particulier comme endroit, la Cigale aussi, mais le New Morning garde une belle place dans mon cœur. On verra ce soir, cette salle est très belle. Je suis impatient !

Interview: SOEN

Interview SOEN. Entretien avec Lars Ahlund (guitare, claviers) le 15 octobre 2023.

C’est quelques heures avant de monter sur scène que Metal Eyes a pu s’entretenir avec un Lars Ahlund, guitariste et claviériste au sein de Soen, particulièrement détendu et heureux d’être de retour à Paris, même s’il n’a pu prendre le temps de faire un tour, ce qu’il fera par la suite. Pour le moment, retour en arrière et en actualité avec un musicien heureux.

Metal Eyes : Commençons par un retour en 2022 puisque Soen a joué pour la première fois au Hellfest lors d’une journée particulièrement chaude (il rit). Quels sont tes souvenirs de cette date ?

Lars : Mon vrai souvenir est lié à notre technicien guitare, Gildas. C’est là que nous l’avons rencontré. Il travaillait derrière la scène… C’était une soirée très sympa…

Après-midi…

Oui, une après midi très sympa. Mais la soirée était très sympa, on pouvait regarder tous les groupes des main stages depuis la terrasse artistes… C’était top mais il faisait tellement chaud qu’on se concentrait pour ne pas nous évanouir (rires). Mais c’était fantastique pour nous de pouvoir jouer au Hellfest, c’était une des choses que nous souhaitions faire. En tant que groupe, avoir cette exposition, jouer sur la main stage, même à 2 heures, c’est très important.

Toujours au sujet de 2022, Soen a sorti Atlantis qui est un album particulier : Soen revisite 13 de ses propres titres, les réarrange… Quelle était l’idée de Soen avec cet album ?

C’était pendant la pandémie… Comme tous les autres, nous ne pouvions tourner et nous cherchions une occasion de pouvoir jouer à distance. Mais comme on est Soen, on ne rend pas les choses faciles. On voulait faire venir un orchestre, des chœurs, des musiciens supplémentaires et enregistrer dans les meilleurs studios qu’on pouvait trouver pour jouer en live dans ces conditions. Nous avons réservé les studios Atlantis en juin de cette année-là, mais notre guitariste canadien, Cody, et notre bassiste ukrainien, Oleksii, ne pouvaient pas quitter leurs pays. Nous avons donc dû retarder et, heureusement, on a pu enregistrer en décembre. Le monde commençait à s’ouvrir de nouveau, mais nous voulions finir ce projet, donc on l’a fait. Je pense qu’Atlantis est vraiment réussi…

Vous avez utilisé des instruments spéciaux, en tout cas inhabituels dans le metal…

Oui, les cordes, habituellement, tu les joues au clavier, mais on voulait avoir le vrai son. C’était intéressant aussi de faire venir des musiciens en vrai, de les entendre interpréter tes partitions dans un environnement live comme celui-là. C’est très gratifiant, vraiment. Et nous avions ces deux femmes choristes, de superbes voix qui soutenaient Joel. Et de mon côté, il y avait deux autres claviers, ce qui m’a permis de mieux me concentrer sur les partitions et la réalisation de ce disque.

Memorial, votre dernier album, est sorti il y a quelques semaines. Quels sont les premiers retours que vous en avez eus de la part des médias ?

Des médias ? Je m’attendais à ce que tu me demande « de la part des fans » (rires) ! Il semble que les premiers retours soient assez positifs. Nous nous attendions à moins bien parce que nos chansons sont plus courtes, plus directes, plus metal… plus facilement assimilables, aussi. Nous pensions avoir d’abord des commentaires plus négatifs, on en a eus, mais il semble que, depuis 5 ou 6 semaines, les nouveaux titres sont ceux qui fonctionnent le mieux. Ce sont ces chansons que les gens partagent le plus et demandent le plus. Nous voyons un public différent venir à nos concerts. Plus jeune, différent.

Justement… Soen n’est pas un groupe « qui a été » mais n’est pas encore un groupe « qui est ». Vous êtes encore dans la catégorie des groupes « qui seront » (il rit). Que faut-il, que manque-t-il pour faire passer Soen du statut de groupe en devenir à groupe incontournable ?

Oh, question intéressante… Je ne sais pas… Nous devons écrire les meilleures chansons possibles. Dans notre genre musical, nous ne pouvons pas espérer avoir un hit, sauf auprès de radio orientées metal. Il nous faut vraiment composer les meilleures chansons possibles, tourner beaucoup et nous exposer autant que possible…

« Beaucoup tourner » … Lorsque j’en parlais avec Joel (Ekelöf, chant) et Martin (Lopez, batterie) en 2019, ils me disaient vouloir que Soen ne tourne pas trop pour conserver une certaine fraicheur…

Bien sûr… Mais ça a changé (rires) ! Nous tournons beaucoup ! Je crois que la pandémie nous a beaucoup fait réfléchir à ce sujet. Elle nous a permis de comprendre à quel point il est important pour nous de tourner, et ce que ça nous apporte de positif. Voyager, rencontrer les fans… Quand nous avons pu retourner sur les routes, nous en avons vraiment pris conscience. C’est une des bonnes choses qu’on en retire, de cette crise sanitaire. Quand tu penses à ta vie, pourquoi fais-tu les choses ? Parce que tu le peux, que tu le veux ? ou que tu le dois ? Il faut savoir choisir…

Comment analyserais-tu l’évolution musicale de Soen entre Imperial et Memorial ?

Une des choses que nous avons apprises avec Imperial a été d’être plus efficaces en matière de composition. Je crois que nous avons voulu aller encore plus loin avec Memorial. Nous avons un son plus punchy et moderne, des chansons qui sont plus directes aussi. C’est, je crois, la chose principale. Ce n’est pas forcément conscient, c’est un chemin naturel. Il nous faut du temps pour écrire une chanson. On n’attrape pas une guitare et cinq minutes après on a une chanson… C’est un processus beaucoup plus long. Martin arrive avec 50 idées, on les étudie, on change des parties, on essaie et réessaie certaines choses, on jette à la poubelle, on récupère de la poubelle (rires).

Ça ne fonctionne pas là mais ça pourrait marcher ailleurs…

Exactement (rires).

Comment décrirais-tu la musique de Soen à quelqu’un qui ne vous connais pas ? C’est du metal, mais…

Oui, c’est du metal, absolument, mais pas que. Il y a de belles ballades, des parties plus calmes dans les chansons, des élodies et de refrains puissants, des riffs cools, une voix fantastique, sans hurlements…

C’est sans doute une des choses qui rend la musique de Soen si particulière. Des riffs heavy et ce que je ressens comme une voix très apaisante, bienveillante, contrairement à beaucoup de groupes qui cherche la violence avant tout…

Et c’est de là que nous venons… Lorsque Joel et Martin se sont réunis, ce fut une superbe combinaison. La batterie de Martin, l’univers d’où il vient, et la provenance pop de Joel… C’est une des clés de notre groupe.

Depuis Lykaia, les pochettes de vos albums sont uniquement bicolores, sauf si on prend en compte le cœur rougeoyant de Memorial – un cœur enflammé… Noir et jaune, noir et rouge, noir et blanc/gris… Quelle est la volonté de Soen derrière ce choix, rendre les choses simples ?

Oui, la simplicité, définitivement. Il n’est pas nécessaire qu’il n’y ait que 2 couleurs… On veut avat tout avoir un artwork immédiate reconnaissable. Il faut que ça fonctionne aussi bien sur un écran d’ordinateur, sur es réseaux sociaux mais aussi comme poster, sur un vinyle… Si tu trouves un artwork efficace, simple, avec un style direct et clair, ça fonctionne. Martin est toujours à la recherche d’artistes, d’œuvres d’art, il collectionne beaucoup de choses et parfois se dit que tel truc pourrait donner une pochette intéressante.

La pochette de Memorial est particulièrement d’actualité. Entre la guerre en Ukraine, les événements récents au Moyen Orient, elle est très parlante… Ce couple avec ces masques à gaz reliés par ce cœur qui brûle, c’est très actuel…

Bien sûr. La guerre en Ukraine a commencé avant l’enregistrement de l’album et notre bassiste est Ukrainien, alors, évidemment, cette pochette a un rapport. Ce n’est pas accidentel, et nous écrivons sur des sujets d’actualité. Oleskii étant Ukrainien, nous sommes tous affectés par cette guerre…

Autre chose que l’on constate depuis Lykaia : les titres des chansons ne comportent qu’un mot – exception faite des bonus. Quel est le souhait de ce choix ?

C’est une volonté, bien sûr, et ce qui est intéressant en ne nommant une chanson que d’un mot, c’est que tu peux donner un indice quant au contenu de la chanson, et chacun peut en imaginer le contenu. Certains titres sont directs, on comprend vite de quoi la chanson parle… D’autres sont un peu plus vague, laissant libre court à l’imagination de chacun…

Ou, au contraire, c’est l’opposé… Je pense à Violence qui n’est pas si violente…

Non (rires) ! Violence, c’est assez facile, on retrouve un peu de violence dans le refrain.

Si tu devais ne retenir qu’un titre de Memorial pour expliquer au public ce qu’est Soen aujourd’hui, laquelle retiendrais-tu ?

Probablement Memorial… C’est une chanson qui a des riffs heavy, un refrain mémorable, il y a un orchestre au milieu… Elle contient tous les éléments qui font de Soen ce que nous sommes aujourd’hui. Mais je citerai sans doute un autre titre demain !

Quel pourrait être la devise de Soen en 2023 ?

Oh (rires)… En avons-nous une ? « Grandit ». Un mot…

As-tu quelque chose à rajouter pour terminer ?

Je pourrais dire « venez nous voir », mais il ne nous reste qu’un concert à Strasbourg la semaine prochaine. Et je ne pense pas que tu publies cette interview avant (rires) ! Que puis-je dire ? On adore jouer en France, c’est un très beau pays, on y est toujours bien accueillis.

Alors on vous reverra en 2024 ?

Je crois bien que oui. Et j’espère qu’il y aura des festivals, je ne sais pas lesquels, mais on aime revenir en France. On a toujours aimé jouer ici.

Merci à Olivier Garnier pour l’organisation de cette interview

Interview: STUBORA

Interview STUBORA – Entretien avec Mick (basse, guitare, chant) le 11 octobre 2023

Mick, avant de parler du nouvel album de Stubora, Écorché vif, revenons en arrière. Vision obscure est sorti en 2020, juste un an après Horizon noir qui était sorti en 2019. Vous avez sorti Vision obscure un peu précipitamment comme me le disait Cyril (guitare et chant) pendant la crise sanitaire mais vous n’avez pas pu vraiment le défendre…

Un petit peu, mais tardivement… On l’a effectivement sorti Horizon noir fin 2019 mais on n’a pas pu le défendre. Dans la foulée, on a décidé de sortir un mini album, Vision obscure. On n’a pu reprendre un peu la route qu’en 2022. On a fait une petite tournée au printemps, on a fait quelques dates dans le sud de la France et quelques autres en automne dans l’est de la France. On a pu présenter l’album sur une petite dizaine de dates, et, c’est vrai, ça ne s’est pas déroulé comme on l’avait imaginé au départ.

En dehors de ces quelques concerts, comment avez-vous occupé ces trois années ?

2020, principalement avec l’élaboration du Ep qu’on a principalement composé à distance – la technologie nous permet de le faire. C’est un exercice qu’on a déjà rodé parce qu’on est éloignés géographiquement, donc, c’est un peu notre manière de travailler. Sauf que là tout avait été poussé à son paroxysme car on a tout fait à distance. Ça c’était l’année 2020. 2021, ça a été un peu plus compliqué musicalement… On a pu se voir de temps en temps, faire quelques répétitions et là on a décidé de se faire plaisir et, toujours pour garder le lien, on a enregistré quelques reprises pour lesquelles on faisait quelques vidéos autoproduites qu’on diffusait via les réseaux sociaux et YouTube. On a aussi commencé à emmagasiner quelques idées, quelques riffs. C’est à cette période qu’a commencé ce nouvel album, Écorché vif.

Justement, comment présenterais-tu cet album à quelqu’un qui ne vous connait pas encore ?

C’est toujours compliqué de définir sa musique… Je dirais que c’est un metal moderne, avec un son assez massif, des gros riffs mais aussi beaucoup de mélodie au niveau du chant, teinté de plusieurs influences mais, je pense, une sonorité qui reste moderne. Si je devais le mettre dans une catégorie, ce serait metal, metal alternatif… avec du chant en français, c’est important.

Je fais le lien entre Horizon noir et Vision obscure qui étaient liés par différentes choses, mais on va y revenir… Cependant, comment analyserais-tu l’évolution de Stubora entre ces deux albums et Écorché vif ?

Je pense qu’on a incorporé plus de mélodie au niveau du chant, et aussi que l’album est peut-être plus varié dans les différentes ambiances qu’on peut proposer sur les titres. Après, je considère qu’on a un album plus abouti, mais c’est un peu ce que disent tous les groupes pour leur nouvel album… On a été plus exigeants avec nous-mêmes, on est allés plus loin dans l’exigence qu’on pouvait avoir sur les différentes parties. Musicalement, tant qu’on n’était pas satisfaits à 100%, on n’a pas gardé des choses qu’on trouvait moyennes. Maintenant, sur les styles, ce n’est pas des choses qu’on analyse, on ne se fixe pas de but au départ, on n’imagine pas un concept. On compose et quand on a des choses qui correspondent à notre sensibilité, qui nous plaisent, on explore le filon et on y va à fond…

Vous explorez le filon… Au niveau des thématiques abordées, c’est très varié (il confirme) puisque vous parlez de l’actualité avec un peu de politique, il y a un regard sur ce que nous laissons à la nouvelle génération, et il y a aussi Again qui me semble traiter d’une addiction sans la nommer…

C’est tout à fait ça.

C’est quoi, cette addiction ?

C’est un thème général… ça peut être une addiction liée à l’alcool, aux drogues, chacun peut y trouver le sens qu’il voudra y trouver mais effectivement, ça traite de l’addiction de manière générale. Je n’avais pas une idée précise en tête quand j’ai écrit ces paroles, c’était plus pour traiter le thème des addictions de manière générale, et ça peut toucher plus de personnes qu’on ne le croit. Après, comme tu le disais, on aborde des thèmes en fonction de ce qui nous inspire dans l’actualité, de ce qui nous parle. On part d’un constat de ce qui nous entoure, c’est là qu’on puise notre inspiration.

Y a-t-il des thèmes que vous préférez ne pas aborder parce que vous considérez qu’ils n’ont pas leur place dans Stubora ?

Tu parlais de politique… On préfère éviter même si, tu me diras, on parle d’écologie, mais ce n’est plus vraiment de la politique. Ce sont des sujets qui concernent tout le monde, au-delà de la politique. La politique, c’est quelque chose qu’on ne veut pas aborder précisément parce que on n’a pas de leçon à donner sur le sujet, et on ne veut pas être assimilés à tel ou tel mouvement. Ce sont des sujets qu’on va éviter. On peut aborder des thèmes qui peuvent sembler politiques mais on les aborde de manière plus… sociétale.

J’ai les paroles de Exode sous les yeux et ça fait écho à une très cruelle actualité…

Oui, mais ça n’a aucun rapport à la base même si on peut faire de liens… En fait, quand j’ai écrit ce texte, c’est autre chose que j’avais en tête : il traite en particulier d’une histoire familiale : j’ai des origines espagnoles, mon grand-père et mon père ont vécu plusieurs exodes. Je l’ai écrit pour leur rendre hommage mais je voulais aussi que ça puisse résonner avec l’actualité. Que les ens puissent s’approprier les textes et y trouver ce qu’ils peuvent y trouver…

Il y a un autre lien que je fais, sans doute moins évident : Horizon noir et Vision obscure avaient un visuel commun, sombre avec un triangle – sont chaque côté représente chacun d’entre vous (il confirme). Là, vous avez radicalement changé de visuel avec des couleurs plus gaies. Toutefois, sur vos visuels de communication des albums précédents, vous étiez représentés sous forme de cranes à la place de vos visages. Sur Écorché vif, il ya ce personnage au visage écorché qui s’approche du crane.

Ah, oui, oui, c’est vrai…

Il y a un lien volontaire dans ce nouveau visuel ?

Non, pas du tout… les cranes dont tu parles, c’était pour des T Shirts, mais il n’y a pas de lien avec Écorché vif. Maintenant, c’est vrai, Vision obscure était une extension de l’album, on restait dans un visuel et une thématique assez similaire. Là, on voulu avoir un visuel différent, avec des couleurs qui changent, pour explorer quelque chose de différent. Quelque chose de plus lumineux mais différent. Maintenant, que ce soit au niveau graphique ou des paroles, on n’est pas dans des thèmes qui respirent la joie de vivre…

En fait, il fait très robot ce personnage. Je fais plus le lien avec un robot de SF qu’avec un humain écorché… Autre chose concernant le visuel : Niala, votre batteur,r essemble de plus en plus à Rob Halford…

Ah oui, c’est vrai ! Je ne m’étais pas fait la réflexion… Il faudrait que je lui dise de mettre des T shirts avec des chats (rires) ! Je ne pense pas que ce soit volontaire non plus.

Si tu devais ne retenir qu’un seul titre d’Écorché vif pour expliquer ce qu’est Stubora aujourd’hui, ce serait lequel ?

Euh… je dirais Nouvelle génération. Parce que c’est un morceau dont les riffs ont été composés par Cyril, un morceau sur lequel le refrain n’était pas satisfaisant et sur lequel j’ai mis ma patte. C’est un travail, musicalement, qui illustre notre complicité dans la composition, un travail commun, et je trouve que c’est un morceau à l’image de ce qu’on veut proposer : il y a de la mélodie, mais en même temps, il y a un côté rentre dedans et assez entrainant.

Les derniers albums étaient auto-produits, là vous avez signé avec M&O. Ca vous apporte quoi de plus ?

Alors, sur toute la phase de production de l’album, rien n’a changé : c’est nous qui enregistrons tout de A à Z. Maintenant, travailler avec un label, ça va nous apporter, en tout cas on l’espère, plus de visibilité, un réseau de distribution puisqu’il travaille en partenariat avec Season Mist, donc une distribution nationale plus conséquente que ce que nous pouvions nous permettre sans label. Et on peut déjà le constater par rapport aux médias, il y a un œil plus attentif sur ce qu’on fait. Après, on espère que ça puisse permettre d’avoir plus de débouchés en matière de concerts, des premières parties et des festivals. C’est clairement notre but pour l’année prochaine…

Justement, avez-vous des choses en prévision dont tu peux parler ?

Oui, oui, on a déjà commencé à donner quelques concerts dans notre région, et on continue dès la semaine prochaine : on va jouer à Nancy, Barbache, au Luxembourg, à Saint Dizier, Bar-le-Duc… On a une date confirmée pour le printemps prochain à Reims et d’autres en cours de confirmation.

Quelle pourrait être la devise de Stubora ?

Une devise ? Qu’est-ce que je pourrais dire ? Allez, « ne rien lâcher », quelque chose comme ça…

Intéressant… J’ai posé la même question à Cyril lorsque je lui avais parlé et il m’a répondu « Ne lâche rien ». Vous êtes raccords, les gars !

Ben oui… On est passionnés, on essaie de passer une ou des étapes supérieures, donc on persévère…

Une dernière chose : on sait bien que, en France, un musicien ne vit pas de sa musique. Quels sont vos métiers dans vos autres vies ?

Cyril travaille dans les jeux vidéo, je suis fonctionnaire et Niala travail dans l’accueil d’enfants en difficulté, dans le social.

Merci à Roger Wessier pour l’orga de cette journée promo.

Interview SLEAZYZ

Interview SLEAZYZ – entretien avec Ileana « Pandemonium » Rodriguez – propos recueillis le 29 septembre 2023

Metal Eyes : Ileana, j’ai déjà publié la chronique de votre nouvel album, Glitter ghouls from hell, alors entrons dans le vif du sujet : que pourrais-tu dire au sujet de ce second album qui puisse convaincre l’auditeur d’aller acheter cet album directement ?

Ileana: Déjà, c’est un album qui a été fait avec beaucoup d’amour pour le genre, le glam metal. Tout au long de cet album, il y a des passages très glam, punk, horror punk… Il y a beaucoup de titres qui fonctionnent très bien en live – on en a déjà testé quelques-uns sur scène – et c’est surtout un album pour s’amuser. Il y a des guitares entrainantes, des refrains qu’on a envie de chanter… (à ce moment des bruits secs retentissent)

Excuse-moi, mais… les bruits qu’on entend… vous êtes en train de casser des cercueils ?

(Elle explose de rire) Non, non, c’est juste qu’il y a des travaux à côté ! Je suis sortie de la chambre, c’était infernal ! Mais on pourrait dire que c’est des pierres tombales qui tombent… Je te disais donc que c’est un album assez accessible.

C’est aussi le principe du glam, souvent plus accessible que le punk des origines. Vous avez plus un esprit punk américain qu’anglais d’ailleurs…

Oui, c’est ça, à la Ramones.

Tu viens de dire que vous avez déjà testé quelques titres sur scène et j’ai pu en voir quelques photos. Au-delà du maquillage et de la tenue vestimentaire, vous développez tout un décor et un univers visuel…

Oui, on fait attention à tout ça. Là, au Dropkick d’Orléans, on n’a pas pu faire de projection vidéo mais il y en a aussi. Mais sur certains morceaux, il y a des samples pour se mettre dans l’ambiance des films d’horreur. Mais c’est de la dérision bien sûr !

C’est aussi l’idée de base du groupe. J’ai l’impression que l’album est sorti un peu plus tôt que le précédent par rapport à la date de Halloween. Etes-vous en préparation de quelque chose de spécifique pour le 31 octobre ?

Pour l’instant, on a quelques dates début octobre, mais effectivement, on prépare les vidéos de films d’horreur, on va avoir un artiste qui va faire une performance pendant les concerts, donc oui, ça va être très Halloween (elle rit). Même si ce n’est pas le 31 octobre… Et c’est toujours rock ‘n’roll.

Glitter ghouls from hell est le second album de Sleazyz. Le premier était sorti en 2020, donc pas forcément à la meilleure période en pleine période de pandémie – d’ailleurs, ton nom de scène, c’est bien Pandemonium ?

Oui ! (rires)

Ce n’était pas du tout ma question… En revanche, comment analyserais-tu l’évolution de Sleazyz au cours de ces trois années ?

Je pense que le Covid a été très dur pour beaucoup de groupes. Il y a plein de collègues qui ont sorti des albums sans pouvoir les défendre. On a eu la chance de pouvoir faire pas mal de dates en 2021, dont le off du Hellfest (note : Ileana doit parler de 2022, le HF ayant dû annuler en 2020 et 2021). On a fait pas mal de scènes ce qui nous a permis de trouver nos marques. Pour le nouvel album, on a commencé à composer fin 2021 et tout 2022. On a aussi changé de batteur, ce qui nous a apporté un nouveau souffle. Musicalement, on a fait les choses dans notre style, des mélodies de guitares et dans les voix, je pense qu’on s’est améliorés musicalement. Cela malgré le fait que ce n’est pas facile pour Fred, notre chanteur qui est passé par un moment difficile dans sa vie. C’est lui qui arrive avec les compositions et malgré ces difficultés, il a réussi à venir avec des idées très joyeuses, le contraire de comment il était à ce moment-là. Un peu comme faisaient les groupes des années 80. On n’avait des vies pas forcément faciles mais la musique ne le reflétait pas du tout. On est super contents de ce nouvel album, et on a l’impression d’avoir vraiment évolué musicalement. Il y a des faiblesses, mais on a évolué.

Tu disais que vous avez eu un grand changement avec le remplacement de Dominique Speed par Kevin Shadows. Mais, il vient d’où ce monsieur ?

Eh bien, il vient lui aussi de la ville de Troyes. Musicalement, il a des goûts qui rejoignent les nôtres, mais il est plus fan de « grove metal », de Parkway drive, et ça s’entend dans ces morceaux. C’est un excellent musicien, on est super contents avec lui. Il est complètement investi avec notre projet, il est disponible. On a commencé avec lui en février et on a enregistré en mars…

Il n’a pas participé à la composition, mais il a apporté sa touche…

Oui, il a apporté sa touche personnelle, on lui a donné l’espace pour qu’il fasse ses parties de batterie.

Tu disais que Fred arrive avec les compositions, mais j’imagine que chacun apporte aussi sa personnalité dans le résultat final…

Bien sûr. Il a l’habitude de fonctionner comme ça. 2022 a été très compliqué pour lui, il a perdu sa mère et il a fallu qu’il délègue. On a revu, lui et moi, tout ce qu’il avait proposé, j’ai apporté ma touche dans la composition de pas mal de morceaux. David a aussi apporté beaucoup d’arrangement dans ses parties de guitares et dans sa rythmique, ce qu’il n’avait pas forcément fait sur le premier album – sur Monster a gogo et Hellbox. On a plus collaboré avec Fred, mais c’est toujours lui qui propose les compos de base.

Vous pensez poursuivre dans cette voie à l’avenir ?

Je ne sais pas… Fred est un excellent compositeur, il a une façon de faire qui nous plait bien. Là, on a collaboré un peu plus, mais… on verra pour la suite.

Si tu devais ne retenir qu’un seul des 10 titres de l’album pour expliquer à quelqu’un qui ne vous connait pas ce qu’est Sleazyz aujourd’hui, ce serait lequel ?

Ah ah ! Je dirais Halloween in Hollywood. Pourquoi ? Parce que c’est un titre qui montre tout l’esprit de l’album. Il y a des parties metal, d’autres plus glam, d’autres encore plus punk… C’est dans notre ligne horror metal.

Je ne suis pas surpris. C’est un titre qui est très cliché et votre album est bourré de clichés. J’imagine que c’est volontaire et pensé…

Bien sûr, et on les assume totalement (rires !)

En dehors de Romero, quels sont les autres auteurs/réalisateurs d’horreur qui vous inspirent ?

Il y a plein de film, comme Le retour des morts vivants. C’est plus Fred, ça, d’ailleurs, il aime beaucoup les films de série B. Moi aussi, mais je préfère les « vrais » films d’horreur (rires). Tob Hopper, Argento, Carpenter, il y en a beaucoup !

Si tu devais penser à une devise pour Sleazyz, ce serait quoi ?

Une devise? Fun, fear and rock n roll, ça nous ressemble bien!

Une dernière chose : on sait très bien que très peu de musiciens en France vivent de leur musique. Quels sont vos métiers dans l’autre vie ?

Je ne fais que ça, de la production, des concerts, j’ai aussi une association. Mais oui, on a plusieurs professions : notre batteur est livreur, Fred travaille dans le sport pour la mairie de Saint Ouen – il fait les allers-retours tous les jours entre Troyes et Saint Ouen à 4 heures du matin ! – et notre autre guitariste a plusieurs boulots.

Merci à Roger Wessier d’avoir organisé cet échange téléphonique. On s’est bien marrés!

Interview: ROBERT JON & THE WRECK

Interview Robert Jon & The Wreck. Entretien avec Robert Jon (chant, guitare) à Talcy le 28 septembre 2023

Il y a deux ans, j’ai pu échanger avec Steve Maggiora. Que devient-il puisqu’il n’apparait plus sur votre site web ?

Il nous a quittés il y a quelque temps pour aller rejoindre Toto, nous ne pouvons que lui souhaiter le meilleur !

Qui le remplace alors ?

Il s’appelle James Abernathie, il nous a rejoints en début d’année.

Comment l’avez-vous rencontré ?

Nous n’avons fait connaissance avec lui que cette année… On a donné plein de concerts depuis janvier et il n’y a pas meilleur moyen de faire connaissance que d’être sur la route ensemble. On l’avait croisé à divers endroits, c’est un peu confus : à l’époque Steve était approché par Raval Sons, on a demandé à un de nos potes qui a fait des recherches sur internet, il l’a trouvé mais on ne s’était jamais rencontrés avant qu’il n’intègre le groupe.

Et ça a l’air de fonctionner…

Oui, c’est fantastique !

Ride into the light est votre nouvel album, toujours taillé dans une veine typiquement rock sudiste, même si c’est, comme vous le dites, du rock sud californien. Maintenant, comment décrirais-tu la musique de Robert Jon & The Wreck à quelqu’un qui ne vous connait pas afin de l’inciter à acheter votre album ce soir ?

Nous jouons du rock’n’roll. Du rock influencé par le blues, la soul, le rock sudiste. Je crois que notre musique est principalement considérée comme du rock sudiste à cause du son des guitares et notre façon de composer nos chansons. Mais on est très éloignés du rock sudiste de Lynyrd Skynyrd. Il y a plus dans notre approche, je pense. Mais je crois que nous étiqueter « rock sudiste » aide les gens à savoir ce qu’ils vont écouter. En ce sens, les étiquettes ont du bon : ça aide les gens à identifier. Mais il y a un peu plus que du « simple » rock sudiste.

Alors c’est quoi, ce « plus » ? Du blues…

Du blues, de la soul… Et on appelle ça du rock sudiste de Californie ou du rock sud californien – Southern Californian rock’n’roll (rires). Après, les interprétations de chacun sont bonnes pour nous, ce que chacun ressent, et la manière dont chacun l’exprime est toujours positive.

Le groupe existe depuis maintenant plus de 10 ans, et pourtant, je ne sais pas si c’est propre à la France, vous continuez de jouer dans des endroits comme celui-ci, à Talcy, au milieu de nulle part. Quelle est la situation du groupe dans le reste du monde ? Que manque-t-il pour faire vraiment grandir le groupe ?

Oh, waow… Tu sais, ça dépend en fait de là où nous allons. Ce soir, c’est une salle de, quoi ?, 250 places à peu près. Dans cette petite pièce, je ne sais pas comment ils vont faire entrer autant de monde !

Il va faire chaud !

Oh que oui (rires) ! Il y a quelque chose de particulier à chaque concert. Il y a une énergie quand tu joues devant 800 personnes que tu ne reçois pas partout. Mais il y a aussi cette énergie avec 250 personnes que tu ne retrouveras pas avec 800, alors… On fait en sorte de tirer le meilleur de chaque show. Aucun de nous ne fait la fine bouche selon le lieu ou le nombre de personnes. On est tous impatients de jouer ce soir, vraiment !

Vous étiez il y a quelques jours au Raimes Fest…

Oui, et chaque jour est différent. Tu ne peux pas mettre les concerts dans des cases, tu ne sais jamais à quoi t’attendre. Chaque show est différent. On a donné des concerts devant 100 personnes avec plus d’énergies que certains concerts face à 800. On ne doit pas faire attention au nombre de personnes mais bien plus à l’énergie qui va en émaner, et nous donner de l’énergie.

C’est un échange, en fait…

Absolument. Alors, on aurait du mal à jouer dans une salle comme celle-ci devant 20 personnes, mais qui sait, ça pourrait être aussi absolument génial ! Qui sait !

Et j’imagine aussi que pour le groupe, d’un point de vue marketing, il est plus intéressant de jouer dans un lieu comme celui-ci qu’on peut annoncer « complet » que dans un lieu plus grand incomplet…

Exactement.

Comment analyserais-tu l’évolution du groupe entre vos deux dernier albums, Shine a light on me brother et Ride into the light ? Hormis le remplacement de Steve…

Je crois qu’il y a énormément de différences, je crois même qu’il y a plus de différence entre ces deux albums que dans tous le reste de notre catalogue. On a composé Shine a light on me brother pendant le Covid. On était dans nos chambres et n’avons jamais eu la possibilité de les jouer live avant de les enregistrer – on ne savait même pas si on allait pouvoir redonner des concerts… Ride into the light a été différent : on enregistrait deux chansons à la fois, avec des producteurs différents, tout au long de l’année. Analyser les différences et l’évolution ? Ils sont radicalement différents !

S’agit-il plus d’un effort collectif qu’avant ?

Je dirai que nous avons composé Ride into the light dans une pièce avec une batterie très bruyante. Il y a beaucoup de chansons sur Shine a light on me brother que nous avons composées en acoustique, chacun de son côté. J’aime vraiment cet album, mais nous n’avons jamais joué ces chansons comme un groupe avant d’arriver au studio. Et ça fait une vraie différence. Je pourrais décortiquer chaque chanson, mais pas ici. Ces deux albums sont supers, mais, tu sais, quand tu joues des morceaux forts, avec les soundchecks, inévitablement, elles sonnent mieux en les jouant live.

Le précédent a été composé en plain Covid.

Oui, Shine a light a été composé pendant le Covid, tandis que Last light on the highway a été enregistré avant mais sa sortie a été frappée de plein fouet par la crise sanitaire…

Justement, j’allais venir à ce disque : voici 3 albums d’affilée dont le titre comporte le mot « light ». C’est volontaire, surtout avec cette période sombre…

Oui, et le mot « light » est ressorti beaucoup plus souvent pendant le Covid. Tout le monde se trouvait enfermé, dans un environnement sombre, et c’est assez facile de se laisser emporter. C’est bien plus facile de se laisser entrainer dans la noirceur – ça devient bizarre, cette interview (rires) ! – que de se diriger vers la lumière. Nous tenter toujours d’avancer, il y a toujours un chemin, une lumière au bout du tunnel, et nous cherchons à avancer, toujours. Nous ne voulons pas nous laisser emporter en arrière. Je pense que nous sommes un groupe positif, je suis, la plupart du temps, quelqu’un d’optimiste, et nous essayons de retranscrire cela dans ce que nous composons et écrivons. Nous essayons simplement d’être qui nous sommes…

Et qui êtes-vous donc ?

(Rires) Je me nomme Robert Jon, je vis en Californie du Sud et je suis quelqu’un de très positif !

Peux-tu m’expliquer le sens, la signification de l’illustration de ce nouvel album ?

Non. On a simplement demandé à un de nos amis artistes de nous créer une œuvre d’art, et c’est ce qu’il a fait. Je pourrais trouver une explication, trouver ce que cela nous évoque ou ce que ça évoque à quelqu’un, mais nous voulions avant tout un œuvre d’art… L’album a été écrit à différents moments, et, sans le vouloir, il y a cet œil au centre, avec toutes ces lignes qui s’en éloignent pour aller à différents endroits.

Ou alors qui rejoignent un même lieu…

Nous sommes l’œil, et il y a tous ces lieux ù nous sommes allés qui rejoignent ce centre, où nous nous trouvons.

Une explication étonnante, mais on la prend !

Oui, oui, laisse-moi boire une bière de plus et je t’expliquerai mieux le concept !

Si tu devais ne retenir qu’une chanson de cet album pour expliquer ce qu’est aujourd’hui Robert Jon & The Wreck, laquelle serait-ce et pour quelle raison ?

Woaw… Elle est compliquée, celle-là ! Je devrais en fait prendre une autre bière avant de te répondre (rires) ! Alors… Le dernier titre que nous ayons publié, Ride into the light – qui est aussi le titre de l’album. C’est une chanson qui a été composée de manière très cohérente. C’est un titre auquel tout le monde dans le groupe a participé. Certaines, c’est avant tout Henry (James, l’autre guitariste) qui les composons principalement, d’autres seront plus l’œuvre de Henry, mais celle-ci, tout le monde y a participé, chacun a apporté un élément du puzzle que nous avons rassemblé. Et ça nous représente bien. Nous sommes un groupe, même si mon nom figure sur le nom du groupe, mais en réalité, au quotidien, chacun a son rôle à jouer. Sans la participation de chacun, ça ne peut pas fonctionner. Cette chanson est vraiment représentative.

Vous allez continuer de tourner jusqu’à la fin de l’année, avez-vous déjà des choses prévues pour 2024 ?

Oh, oui, plein de choses ! Nous serons de retour. Je n’ai pas tous les détails, mais je sais que nous serons de retour l’été prochain et à l’automne. Et les choses arrivent vite, il est probable que nous revenions avant. Nous avons des engagements jusqu’en 2025. Il y a certaines choses que nous n’avons pas encore annoncées, mais, oui, nous serons de retour.

Une question qui se pose depuis le covid, d’autant plus en ce qui concerne les musiciens. En France, et ailleurs, peu de musiciens vivent de leur musique. Est-ce le cas pour RJTW ou avez-vous chacun un autre emploi à côté ?

On fait en sorte de vivre de notre musique. Quand on est à la maison, si on a l’occasion de gagner un peu d’argent, on va aller bosser. Mais on n’a pas vraiment le temps, on n’est pas souvent chez nous. Notre occupation principale reste la musique.

Une toute dernière chose : quelle pourrait être la devise de RJTW ?

Mmh… Continues d’avancer. On va de l’avant, que faire d’autre ?

As-tu une chose à rajouter avant d’aller chercher cette bière ?

A chaque fois que nous venons en Europe, les fans font tout. Quand on monte sur scène, c’est là qu’on s’en rend compte. C’est tout ce qu’on fait ici : on monte sur scène, on donne un concert et ce sont les fans qui nous portent et c’est d’eux qu’on se souvient. Alors, si quelqu’un lit ceci, venez-nous voir, on vous en remerciera. Partageons cette énergie, c’est ce qu’on adore faire. Rencontrer les gens, voir les visages de ces personnes qui s’éclatent pendant nos concerts, c’est le principal !

Interview: DARKEN

Interview Darken. Entretien avec Lorenzo (guitare), propos recueillis le 14 septembre 2023

Darken a existé pendant quelques années avant de disparaitre pendant quelques décennies et vous revenez aujourd’hui. Première question qu’on n’a encore jamais dû vous poser : qu’est-ce qui a motivé ce retour ?

On ne m’a pas posé cette questions une seule fois aujourd’hui… C’est bizarre (rires) ! ce qui a motivé ce retour, c’est l’envie de refaire de la compo pour ma part – j’ai un autre groupe de reprises d’ACD/DC, c’est super bien mais c’est frustrant de ne pas écrire de musique. La difficulté de trouver d’autres musiciens pour former un groupe aussi et cette envie de finaliser un groupe qui avait fini en queue de poisson, l’envie de finaliser un travail inachevé.

Cette fois-ci le travail n’est pas forcément achevé, il est même plus proche de commencer avec la sortie de ce premier album…

Oui, mais on relance une machine qui aurait pu aller plus loin à l’époque s’il ne s’était pas passé ce qu’il s’est passé… Il y avait des ambitions, une envie et… Voilà, quoi… J’avais envie d’aller plus loin, et ce qu’il fallait absolument, c’est avoir le chanteur qui suive et au moins un autre membre du groupe pour pouvoir remonter Darken.

Une majorité des anciens membres, donc. Tu disais « s’il ne s’était pas passé ce qu’il s’est passé ». Souhaites-tu revenir dessus pour que nous puissions comprendre la fin prématurée de Darken il y a trente ans ?

Des relations humaines qui ne fonctionnaient plus. Le chanteur a décidé d’aller vivre sur Paris et voilà, c’était fini…

Vous revenez avec cet album Welcome to the light, qui est un titre assez explicite d’exposer le groupe. Un clin d’œil que j’imagine être volontaire…

Oui, mais c’est aussi un rappel du passé puisque la dernière démo s’appelait Welcome to the dark. Ça nous a semblé naturel d’appeler cet album Welcome to the light.

Il y a aussi une certaine forme de dualité : déjà entre ces deux titres que tu viens de citer, mais aussi avec la pochette de l’album qui est très sombre avec ce visage juvénile qui, sans irradier, me semble plein d’espoir. Qu’avez-vous voulu illustrer avec cette pochette ?

C’est le côté « dark » de l’époque qui est toujours présent dans notre identité mais avec l’espoir de lumière. C’est de ça dont parlent les textes de Stéphane : on part d’une base sombre et on essaie de rediriger les gens vers la lumière, vers quelque chose de plus positif.

En ce moment, c’est un peu d’actualité… Tu le disait, le groupe a pu se reformer car trois des anciens membres se sont retrouvés. Vous avez recruté deux nouveaux membres : peux-tu nous les présenter ?

Il y a mon fils, Liam, à la batterie. Ça s’est fait tout naturellement : je lui ai proposé sachant qu’il a aussi son projet. Quand je lui ai dit que je remontais Darken et lui ai proposé de jouer avec nous, il m’a regardé avec un grand sourire et m’a dit « ben, bien sûr ! C’est un rêve de gosse de pouvoir jouer avec son père ! » Donc, ça c’était fait. Le bassiste, HP, c’est un pote de Laval, un peu plus jeune que nous. A chaque fois qu’on se croise en concert ou ailleurs, il y a toujours eu un bon feeling. On se disait qu’il faudrait qu’on joue ensemble, et voilà !

Il y a là encore une forme de dualité avec ces générations différentes…

Oui, mais le mélange est juste magique. Ils ramènent de la jeunesse, de la fougue, de la puissance aussi dans notre musique. HP a des influences hardcore, Liam c’est plutôt metalcore, donc des styles très puissants et physiques. Ils ont aussi une autre écoute…

J’imagine que le mélange des influences de ces différentes générations est quelque chose qui peut qualifier l’identité de Darken aujourd’hui ?

Oui, c’est une très bonne alchimie, ça fonctionne très bien. Et comme on n’est pas les vieux briscards qui décident tout et disent « non, c’est comme ça qu’on fait », ben… ça se passe à merveille !

Quel a été le process de composition, l’apport de chacun ?

J’ai écrit toute la musique. Je pense que j’étais tellement frustré de ne pas composer depuis des années que ça sortait tout seul. Encore aujourd’hui, on a trois nouveaux morceaux pour la suite. En fait, je m’enferme dans mon studio le matin, et le soir, j’ai le morceau. Si je n’ai rien ou si ce n’est pas abouti, je le réécoute le lendemain et si je pense que ça ne marchera pas, je le mets de côté. Ensuite, j’envoie ça à Steph, le chanteur – j’enregistre tout, guitare, basse batterie, mais je ne mets que des samples pour boucher des trous, pour la basse, je prends une ligne toute simple histoire qu’il y en ai un peu – Stéphane pose ses lignes de chants. Une fois qu’on a validé ça tous les deux, il écrit un texte. On envoie ensuite tout ça à Liam en virant la batterie et il pose sa batterie comme il le sent.

Au-delà du fait que tu composes tout, il y a quand même un travail de finalisation en commun.

En commun mais à distance. Quand on a commencé, on était en plein Covid, donc il était hors de questions de se retrouver dans la même pièce. On a commencé à travailler comme ça, et ça a bien fonctionné. Encore aujourd’hui, les nouvelles compos sont faites comme ça.

L’enregistrement s’est aussi fait à distance ?

Non, non, on est allés au Dôme studio au mois de janvier. On a enregistré nos parties séparément mais ça a été un travail de groupe en studio. On était parfois trois ou quatre au studio, chacun donnait son avis, et ça s’est hyper bien passé avec beaucoup d’échanges. David du studio nous a aussi beaucoup aidés sur le travail, il a ramené des idées et nous a fait un son… ben qui sonne !

David Potvin est connu pour son travail en tant que membre de Lyzanxia et One Way Mirror, mais aussi comme artisan du son. Comment en êtes-vous arrivés à travailler avec lui ?

J’aime beaucoup One Way Mirror, et comme j’ai pas mal trainé dans le milieu metal de la région, j’ai pas mal d’amis notamment sur Angers, des amis musiciens qui m’ont dit que pour ce qu’on faisait, on devait aller chez david. On l’a appelé, on a eu une première rencontre avec lui, on lui a fait écouter nos démos et il y a eu bon feeling. Aussi bien musical qu’humain. On a vraiment adoré travailler avec lui, que du positif. Ce mois en studio, ça a été vraiment génial !

Comment décrirais-tu la musique de Darken à quelqu’un qui ne vous connais pas et qui va découvrir l’album ?

Ecoutes… Je lui dirais que c’est du metal, certes, maintenant la couleur… Tu te débrouilles ! Rien qu’avec les interviews d’aujourd’hui, on a eu des ressentis différents, des adjectifs différents autour du mot « metal ».  Je trouve ça génial, il y a même quelqu’un qui nous a dit « on ne sait pas ce que vous faites comme metal » ! Tu as ta réponse… C’est du metal, maintenant libre à chacun de se faire son idée.

Si tu devais maintenant ne retenir qu’un seul titre de Welcome to the light pour expliquer ce qu’est Darken aujourd’hui, lequel choisirais-tu ?

Je dirais The end of time. C’est un morceau qui est très accrocheur, et, surtout, il parle de l’avenir qu’on laisse à nos enfants. Il faudrait peut-être nous réveiller pour ne pas leur laisser que de la merde… On a des enfants dans le groupe et c’est quelque chose qui nous touche beaucoup. On a d’ailleurs fait intervenir une chorale de gosses sur le clip et sur l’album parce que c’est quelque chose qui nous touche beaucoup. Faut arrêter de ne penser qu’au fric, il faut penser à la planète.

Un groupe de rock, c’est aussi un groupe de scène. Avez-vous des choses prévues pour défendre cet album ?

Alors là… On a juste, pour l’instant, la date du 29 septembre à Laval pour la release party. C’est une salle de 300 places. En plus, étant un groupe de Laval, on fait partie du livre qui a été écrit il y a une dizaine d’années sur l’histoire du rock lavallois, donc pour nous c’était normal de faire cette release party à Laval, dans cette salle. Maintenant, il y a deux personnes qui vont commencer à démarcher pour pouvoir nous trouver des concerts. On espère que ça va aboutir…

Pourrais-tu penser à une devise pour Darken aujourd’hui ?

Une devise… J’en ai une pour moi, c’est que je vis avec l’argent, je ne vis pas pour l’argent. Pour Darken… Je dirais, le partage, le fun et le partage. On n’est pas des stars, on profite au jour le jour de ce qu’on a avec plaisir, on prend ce qui arrive. On se laisse porter par ce qu’il se passe.

Depuis la crise sanitaire, la question revient de façon récurrente et, en plus, on sait qu’on ne vit pas de sa musique en France. Dans vos autres vies, quel sont vos vrais métiers ?

Moi, je suis graphiste, HP, le bassiste, est en même temps frigoriste et graphiste, le chanteur est dans l’administration, l’autre guitariste est musicien – il a joué dans Starmania – et mon fils, Liam, est en voie de devenir intermittent du spectacle.

As-tu quelque chose à rajouter pour clore cette interview ?

Simplement merci à toi d’avoir prêté une oreille à notre album et d’avoir fait cette interview. C’est génial de voir qu’il y a des gens qui s’intéressent à ce qu’on fait et c’est déjà beaucoup pour nous !

Déjà, il faut qu’il y ait des gens comme vous qui fassiez ce que vous faites pour qu’il y en ai comme moi qui s’y intéressent. Là aussi, c’est un échange, du partage…

Ouais, mais c’est super bien de voir comment ça se passe en ce moment !

Après, tu m’as remercié, mais attends de voir la chronique de l’album, tu changeras peut-être d’avis !

(Il rit) On verra, mais, tu sais, je ne cours pas derrière les compliments. Toute la journée s’est passée comme ça, on a rencontré des gens adorables, je ne pense pas qu’il y ait un crabe dans ce panier !

Interview: ONE LIFE ALL IN

Interview One Life All In. Entretien avec Clem (guitares) le 13 juillet 2023

Trois ans entre vos deux derniers disques, c’est assez long… En dehors de la crise sanitaire, que s’est-il passé ces trois dernières années ?

Ça a été principalement l’enregistrement de l’album, justement ! On a passé pas mal de temps dessus : on est rentrés en studio courant 2021 et on vient de terminer en janvier ou février dernier. Beaucoup d’échanges avec le studio et entre nous… On est restés en studio jusqu’à la phase de mix et, malheureusement, le mixage ne s’est pas passé comme on le souhaitait. On a récupéré les prises qu’on avait faites au studio et on a finalisé le mix à la maison. On y a passé pas mal de temps parce qu’on n’avait pas toutes les compétences et connaissances pour le faire nous-mêmes. Il nous a fallu apprendre – c’est même plutôt moi que nous, puisque c’est moi qu’i m’en suis chargé…

Comment s’est passé l’enregistrement ? Vous avez pu vous retrouver en studio ou avez-vous travaillé à distance ?

Pour tous les instruments, on s’est retrouvé ensemble, à Lyon. Don a enregistré ses parties chez lui, il a le studio et le matériel pour pouvoir le faire. Il a fait ses prises, nous les a envoyées et on a tout rajouté à ce que nous avions enregistré.

La dernière fois que nous avions parlé, je t’avais demandé si Don vous envoyait parfois des lignes de chant pour que vous travailliez la musique autour de ce tte base. Tu me disais que non, mais que vous souhaitiez pouvoir le faire plutôt que de commencer par la musique pour ajouter le chant ensuite… Ça a pu se faire ?

On n’a pas changé notre méthode, non. On n’a pas travaillé comme ça pour cet album mais c’est certainement quelque chose qu’on va faire pour le prochain pour lequel on a déjà du matériel. Notamment un morceau que Don a composé de son coté, qui est un peu différent. Là, on va travailler autour de sa version pour rajouter les instruments.

Que peux-tu me dire au sujet de Eye of the storm pour me convaincre d’aller l’acheter ?

Eye of the storm, c’est un album de punk hardcore mais pas que (rires). On va piocher dans nos influences, parfois un peu thrash, parfois un peu plus aérien ou mélodique… tout en gardant une ligne directrice qui est le hardcore. On vient de là… On a un morceau « clin d’œil » à SOD qui fait un peu moins de 10 secondes… On a des morceaux un peu plus mélodiques, plus posés, Life of dreams qui fait un peu ballade, qui débute avec une guitare acoustique, un autre, War, qui commence un peu plus post rock et qui évolue vers d’autre choses et on a des morceaux vraiment très hardcore, mais d’autres un peu plus progressifs dans lesquels on essaie de rajouter d’autres nuances… On des morceaux qui peuvent évoquer Suicidal Tendencies ou Life Of Agony…

S’il te plait… Evitez de jouer en concert le morceau de moins de 10 secondes dans les trois premiers titres. Pensez aux photographes !

(rires) Oui ! On l’a déjà joué mais je pense qu’on ne va pas le garder dans le set…

Comment analyserais-tu l’évolution de one Life All In entre Letter of forgiveness et Eye of the storm ?

Entre les deux derniers, on est à peu près sur la même « recettes ». je vais plutôt comparer les deux dernier au premier, The A7 sessions. Sur le premier, on avait des morceaux qui avaient chacun une identité propre. Il n’y avait pas vraiment d’unité. 6 morceaux, mais 6 morceaux différent sans vraie cohésion. A partir de Letter of forgiveness, on a réussi à mettre toutes nos influences dans un seul morceau. On n’a pas six morceaux distincts mais on a un Ep avec une certaine cohérence. Sur l’album, on est parti de notre base, le punk hardcore et on a rajouté toutes nos influences. Il y a des groupes sur lesquels on se retrouve tous : Biohazard, Madball, Sick Of It all, ce sont des classiques, mais chacun a ses influences autres : je suis influencé punk rock, Don, punk hard core, Kevin c’est le metal extrême, Frank c’est du thrash, heavy… on a un point de départ qui est le hardcore et chacun ajoute sa touche aux morceaux.

L’album est assez varié, maintenant, si tu devais ne retenir qu’un seul titre de Eyes of the storm pour expliquer ce qu’est One Life All In aujourd’hui, ce serait lequel ?

Je dirais Despair. Je crois que c’est le plus représentatif parce qu’on a tout dedans. Le hardcore, la mélodie, le solo, il y a tous les éléments qui font One Life All In.

Il y a une autre évolution, cette fois visuelle : la pochette précédente avait une illustration très arty, celle de Eye of the strorm est dans l’esprit du titre et m’évoque aussi bien l’œil du cyclone, avec ses courbes, que le film Inception et un monde post apocalyptique.

Je suis d’accord avec ce que tu dis. On a voulu un peu changer, comme à chaque fois, d’ailleurs. On cherche à aller un peu plus loin. Il a fallu trouver quelqu’un et il y a un illustrateur français que j’aime beaucoup, qui s’appelle Aurélien police qui fait des illustrations de livres de science-fiction. J’ai demandé aux autres membres du groupe ce qu’ils pensaient de son travail, si ça pouvait coller pour la pochette de l’album et ils ont répondu pourquoi pas… je l’ai contacté, je lui ai demandé si ça l’intéressait, je lui envoyé nos idées, les paroles… et il nous a rapidement proposé quelque chose qui reprend le titre Eye of the storm. Il y a l’effet circulaire et l’œil du cyclone c’est aussi là que tout explose. Ce que dit Don dans ses paroles, c’est qu’aujourd’hui on vit dans un monde où il y a partout et entre tout le monde de s problèmes de communication. On est tout de suite dans le jugement, la prise de position, la confrontation… Il n’y a pas de vrais échanges, communication, discussion… on le voit de plus en plus, notamment sur les réseaux sociaux… Derrière ça, on en arrive à des émeutes, les gens ne se parlent pas, ils cassent… on est en plein dedans aujourd’hui. Après la destruction, il faut reconstruire… L’idée c’est comment faire ressortir le positif de toute cette négativité, réussir à reconstruire quelque chose avec d’autres valeurs, en tout cas, ne pas reproduire ce qui n’a pas fonctionné.

Ce qui est intéressant, c’est que lui vivant aux Etats Unis fait le même constat que ce que nous voyons en France.

Oui, absolument…

Si tu devais penser à une devise pour One Life All In, ce serait quoi ?

Euh… « Qui ne tente rien n’a rien » … Pourquoi ? Parce qu’avec One Life All In c’est un peu ce qui se passe. Quand on a commencé avec Frank, on avait besoin d’un chanteur. On pensait à Don, on n’osait pas lui demander et finalement, on lui a demandé, ça l’a intéressé, il nous a rejoint. La même question s’est posée avec le batteur, on a demandé à Kevin… et il a accepté. Si on n’avait pas tenté, on ne serait pas là aujourd’hui.

Vous avez la difficulté d’être des deux côtés de l’Atlantique. Vous prévoyez des concerts ?

C’est vrai que ce n’est pas évident de se retrouver. Mais on a la chance d’avoir des contacts des deux côtés. On a fait deux dates à Philadelphie et à New York, grâce aux contacts de Don. Aujourd’hui, on travaille sur une petite tournée, courant novembre, aux USA, mais aussi sur une tournée européenne début 2024. Pour le moment, rien de confirmé, mais c’est en cours.

Interview Festival 666

Interview : Festival 666. Entretien avec Victor PÉPIN, propos recueillis le 3 juillet 2023

Juste avant de parler de la nouvelle édition du festival 666, peux-tu faire un retour sur la précédente édition de 2021 ? Quelles sont tes points de satisfaction, d’insatisfaction et autres ?

La précédente édition s’est déroulée en 2021 dans un contexte post covid. On était l’un des seuls festivals rock/metal à avoir été maintenu en France. On a eu un franc succès mais un succès tel que le festival a eu raison de ma Licence 1 en fac de droit. Le festival m’a demandé beaucoup de temps dans son organisation et j’ai dû redoubler ma licence 1. Mon but était aussi d’avoir un diplôme et ma place dans le cursus universitaire. J’ai décidé d’alléger le format du festival et de ne pas l’organiser en 2022 à part une soirée Off qui s’est déroulée le 19 août dernier au Crossroads, une salle à la Rochelle. On a accueilli Sick Of it All, Loudblast et Mobutu. De là, j’ai enfin pu passer en licence en fac de droit et on peut enfin organiser notre quatrième édition comme elle se doit.

Quelles sont tes satisfactions de l’édition 2021 ?

La première satisfaction est d’avoir réussi à réunir de nouveau tout ce petit monde. Les festivaliers n’avaient pas été en concert depuis deux ans, les artistes n’étaient pas montés sur scène depuis deux ans, donc on était super fiers de pouvoir réunir ces gens entre eux. C’était une belle communion, les artistes étaient émus d’être de nouveau sur scène et les festivaliers contents de sentir les basses faire vibrer leur corps, d’aller pogoter… On sentait que Cercoux était l’endroit où être en France le temps d’un week end. C’était vraiment génial !

J’imagine qu’une des insatisfactions c’est l’annulation en toute dernière minute de Phil Campbell…

C’est en effet la plus grande déception… Il a dû annuler la veille pour le lendemain son show pour cause de Covid. L’enjeu a été de pouvoir trouver en 24 heures une tête d’affiche pour remplacer Phil Campbell and the Bastard Sons. Ça a bien fonctionné puisque Bukowski a pris la relève de la plus belle des manières.

La nouvelle édition va se tenir du 11 au 13 août prochain. Y a-t-il des évolutions notables que le public va pouvoir constater ?

Il n’y a pas d’évolution majeure sur le site du festival, tout simplement parce que le public a apprécié le site et nous n’avons pas été désireux de le changer. On garde le même site. Simplement, en 2021, les scènes étaient face à face, cette année, nous allons les mettre côte à côte, ce qui permet de gagner du terrain et de pouvoir accueillir 2.000 personnes par jour au lieu de 1.500.

Il y a donc une évolution dans l’utilisation de l’espace et l’accueil du public. Camping, sanitaires… c’est toujours les mêmes que vous utilisez ?

Oui, toujours les mêmes. Le parking et l’aire de repos sont adjacents l’un à l’autre, le tout étant à moins de 300 m du site du festival.

Que donnent les relations avec les riverains à Cercoux ?

Les riverains accueillent très bien le festival et les festivaliers. Il y a tout un travail en amont puisqu’on va frapper chez les gens, on les prévient qu’il y aura du monde dans Cercoux ce week end là… Au-delà de ce travail en amont, les habitants sont maintenant habitués à voir arriver une fois par an des metalleux arriver. Ils sont contents, en fait, une fois par an, ça fait une animation dans Cercoux ! C’est un tout petit village, et pendant le festival, la population double, voire triple.

Quels sont les groupes à l’affiche, cette année ? j’ai vu pas mal de groupes français mais aussi quelques étrangers…

Notre objectif premier est toujours de promouvoir la scène française, que je trouve très belle et très qualitative. Il faut la promouvoir, et on essaie d’avoir le plus de groupes français à l’affiche tous les ans. Cette fois, nous avions pour objectif de faire passer le festival à une étape supérieur – sans être offensant envers les têtes d’affiches précédentes…  On voulait pouvoir accueillir plus de monde et faire grandir le festival. Pour ce faire, il faut inévitablement accueillir des groupes internationaux. Du coup, on est allé les chercher et, pour être honnête, c’était, de loin, la  programmation la plus difficile à mettre en place. Pour aller chercher des groupes internationaux, il faut être compétitif, savoir bien se vendre pour que l’agent envoie son groupe chez nous plutôt que dans un autre festival européen qui qe déroule en même temps. En plus, nous n’avions que trois éditions à notre actif, il faut donc vraiment que l’agent nous fasse confiance.

Tu es particulièrement fier d’avoir décroché qui ? Si tu es fier d’avoir décroché un groupe plutôt qu’un autre…

Ah, si ! Je suis très fier d’avoir pu décrocher Alestorm. Je trouve que pour une quatrième édition, les avoir en tête d’affiche, et avec une programmation aussi qualitative, c’est super ! Un ou deux groupes manquent à l’appel et je vais tout faire pour les avoir en 2024.

Ah ? On peut savoir ?

Ben non, pas tout de suite ! (rires)

Vous avez aussi décroché un groupe très en vue en ce moment : les Espagnols de Crisix qui, comme Alestorm, sont un gage de bonne humeur.

Tout à fait. Pour la petite histoire, Crisix est sur l’affiche depuis que nous avons eu l’annulation de Novelists, qui a annulé toute la tournée estivale à cause d’un changement de line up. J’ai dû passer quelques appels pour trouver un bon groupe pour les remplacer, et j’ai trouvé Crisix et je les ai tout de suite pris.

Cette édition s’intitule Look into your sins. Peux-tu nous en parler ?

Tu vois notre affiche ? Elle reprend Charlie, notre clown maléfique. Il est dans une position de Jésus en transe, un Jésus qui prêche. Afin d’être légèrement encore plus provocateurs, on a rajouté ce titre, Look into your sins, ce qui signifie Repentissez-vous. Ça tombe bien, notre festival s’appel 666, il y avait tout un univers à créer… Comme, cette année, on commence à recevoir des groupes internationaux, c’est le bon moment pour développer ce monde-là.

 Il y a donc tout un univers visuel que tu souhaites pouvoir développer à l’avenir ?

Exactement. Le clown, le petit diable qu’on voit tous les ans sur l’affiche est là. On reprend un peu le rituel d’Iron Maiden qui a toujours Eddie sur ses visuels… Charlie sera toujours là et évoluera avec le temps. On a également pour la première fois proposé un teaser pour lequel on a fait appel à un réalisateur, des acteurs… On a publié ça en décembre, on a vu Charlie personnifié dans un très beau petit film.

Pour pouvoir se procurer les places, il y a la billetterie en ligne (https://my.weezevent.com/festival-666-2023-4), mais peut-on les acheter ailleurs ?

Pas à ce jour à moins d’être de Cercoux, où les places vont être mises en vente à la superette qui se trouve à 50 m du festival. Sinon, tous nos billets ne sont en vente que sur le site internet. Aujourd’hui, on est à 65% de billets vendus, ce qui est rassurant à un mois du festival. Nous sommes en avance sur la billetterie par rapport à 2021, donc, a priori, on devrait finir sold-out. La fête va être belle !

Le seuil de rentabilité se situe à combien de spectateurs ?

Comme on a une capacité maximale de 2.000 spectateurs, on devrait égaliser vers 1.600 billets vendus.

Tu as obtenu ta licence, envisages-tu de faire de ce festival un évènement annuel ?

Oui, maintenant, je dois aussi obtenir ma licence 3… J’attends les résultats le 13 juillet, en espérant avoir réussi pour ne pas redoubler une nouvelle fois (rires) ! J’ai envie de faire progresser ce festival qui a le vent en poupe.

Le faire progresser, jusqu’à combien de personnes ?

A Cercoux, on peut, en fonction des aménagements du site, aller jusqu’à 4.000 personnes par jour. Donc on peut encore faire progresser le festival dans Cercoux, changer de champs et des choses comme ça, on peut aménager le site différemment… En tout cas, on a encore une belle marge de manœuvre pour atteindre ce chiffre.

Combien de temps te prend l’organisation d’un tel festival ? Tu prévois déjà 2024, penses-tu aussi à 2025 ?

2025, ça fait beaucoup ! 2024, c’est largement suffisant pour moi. Il faut 13 mois pour organiser le festival, le treizième mois, c’est maintenant, le mois de juillet. C’est maintenant que débute la programmation, j’ai déjà envoyé quelques offres à quelques têtes d’affiches. Si elles répondent « oui », tant mieux ! Le vrai festival, on va commencer à l’organiser vers septembre ou octobre.

Sans dévoiler les têtes d’affiche de 2024, y a-t-il un ou des groupes que tu voudrais vraiment pouvoir avoir à l’affiche du 666 ?

Il y en plein ! J’ai à cœur de promouvoir la scène française, donc, inévitablement, le groupe que je suis désireux d’accueillir, c’est Gojira. Je vais tout faire pour être un jour suffisamment crédible aux yeux du groupe pour les accueillir chez nous. Ça demande beaucoup de travail. C’est mon objectif final. Sinon, il y a des groupes que je voudrais vraiment pouvoir accueillir, comme Hatebreed, que j’adore.

Pour terminer, as-tu une ou des anecdotes à partager sur les éditions passées ?

On peut reprendre dans l’ordre… 2018, je n’ai pas d’anecdote si ce n’est le fait que Nico (Tagada Jones) m’expliquait comment organiser un festival. Je n’avais que 15 ans, on était en septembre 2017, le festival allait se passer en août 2018 et j’étais en contact avec lui pour que Tagada Jones vienne jouer chez nous. Il m’a prévenu qu’un festival, ça demande des fonds, des choses à prendre très sérieusement ; Il a été très bienveillant avec moi, il m’a aidé à monter ça… Ensuite, en 2021, ce qui m’a surpris c’est que c’est Phil Campbell lui-même qui a demandé à venir jouer au festival. Il m’a envoyé un message sur Instagram… J’étais honoré, tout simplement ! je ne pouvais pas refuser une telle demande et on l’a intégré au line-up. Le souvenir qui restera le plus marquant pour moi, je pense, c’est quand je suis monté sur scène en 2021 pour remercier les festivaliers d’être venus après autant d’absence et de nous avoir fait confiance. Je ne suis pas habitué à tenir un micro, j’étais stressé, j’avais peur de bégayer, mais les gens étaient très réceptifs. Juste après, je suis allé pogoter avec eux pendant le concert de Mass Hysteria. C’est un très bon souvenir !

Une dernière chose avant de terminer ?

Oui : on est une bande de jeunes qui nous démenons, avec les bénévoles, pour organiser une fête les 11, 12 et 13 août prochains. Ça tombe bien puisque le 15 août est férié, les festivaliers pourront faire le pont pour se reposer après 3 jours de festival. Et comme on est à 20’ de Saint Emilion, on pourra faire les vignes tous ensemble pour déguster du bon vin !

Victor PÉPIN, fondateur et organisateur du festival 666