HELLFEST: Nouvelles annonces et dernière tête d’affiche dévoilée

C’est désormais officiel: Ghost sera la Tête d’affiche de la MS 1 le samedi 18 juin prochain.

Hellfest production l’a confirmé sur son site www.hellfest.fr et a apporté d’autres informations qui seront régulièrement mises à jour – parmi lesquelles le lien cashless que nous attendons. Voici son communiqué:

 

« Hellbangers ! L’attente est terminée, nous sommes heureux de vous annoncer que c’est Ghost qui se joindra à la fête le samedi 18 juin sur la Mainstage 1

Près de 11 ans après leur première date française sous la feu-Terorrizer Tent et après un spectacle mémorable en 2016, la horde de Tobias Forge revient cette fois-ci au sommet de l’affiche, pour leur unique date européenne en festival.

En plus de cette annonce de poids, une vague de nouveaux groupes se rajoutent :

  • MAINSTAGE 1: Burning Heads (Punk Rock / Ven 17) / Nitzer Ebb (Electronic Body Music / Ven 24)
  • MAINSTAGE 2: Last Temptation (Hard Rock / Sam 18)
  • WARZONE : No Turning Back (Hardcore / Ven 17) / Washington Dead Cats (Rockabilly / Sam 18) / Guilt Trip (Hardcore / Sam 25)
  • VALLEY : Messa (Doom / Sat 18) / Slomosa (Stoner / Jeu 23) / Orange Goblin (Stoner / Dim 26)
  • TEMPLE : Witchery (Blackened Thrash Metal / Ven 24)

Malheureusement, nous sommes au regret de vous annoncer l’annulation de THE DISTILLERS, SKINNY PUPPY, L7, YOUTH OF TODAY, REVEREND HORTON HEAT, HAWSER, OM, IV AND THE STRANGE BAND, MONSTER MAGNET et HJVELVIK. En espérant les revoir très vite chez nous !

Cette nouvelle annonce est aussi l’occasion de vous communiquer le Running Order qui a donné pas mal de noeux aux cerveaux de nos équipes.

Celui-ci est disponible sur deux plate-formes :

On ne va pas se mentir, ce running order risque d’encore pas mal évoluer d’ici le mois de juin, nous vous conseillons de consulter souvent notre site ou l’app officielle pour vous tenir informé des éventuels changements. En cas de nouvelles annulations / remplacements nous ferons d’autres annonces sur nos réseaux.

D’ici là on vous donne rendez-vous sur les routes de France dès demain avec le début de notre Warm-Up Tour 2022 ! »

DISCONNECTED: We are disconnected

France, Metal (Autoproduction, 2022)

2018. Disconnected apparait dans le paysage metallique français avec un premier album de très haut niveau, White colossus. 2019, Paris, 27 janvier. Disconnected ouvre pour un Judas Priest au top de sa forme sur la toute première date de l’année du groupe. Une opportunité que le gang d’Adrien Martinot, guitariste fondateur, saisit à bras le corps et qui l’expose au grand public. Certains ne s’en remettent toujours pas, comme le raconte Romain Laure, le bassiste avec qui Metal-Eyes a pu échanger: « date mythique! C’est jusqu’ici notre plus gros show, et ouvrir pour des légendes comme Priest, c’est une sacrée expérience. » Disconnected revient aujourd’hui avec un second disque, simplement intitulé We are Disconnected. Quatre années se sont écoulées, la crise sanitaire est aussi passée par là. « L’album devait initialement sortir en 2020, deux ans après le premier, ce qui, en effet, est beaucoup plus cohérent. Mais avec le Covid, on voulait attendre le bon moment, d’autant plus que c’est le premier avec le line-up stable actuel, qui est en place depuis 2019. Ce qui donne une identité complètement différente au groupe comparé à White colossus. Les titres qui devaient sortir en 2020, on les a retravaillés. On a pris le temps de profiter de quelque chose d’assez négatif pour peaufiner ces titres et sortir le meilleur produit possible, maintenant, en 2022. »

Ce nouvel album comporte huit titres forgés dans un metal brut et direct. Avec deux « nouveaux » musiciens (le guitariste Florian Mérindol et le batteur Jelly Cardarelli) et avec cette opportunité que fut la crise sanitaire, comment Romain analyse-t-il l’évolution de Disconnected entre ces deux albums? « Rien que le processus de création est différent. Sur White colossus, c’est Adrian qui écrivait ces morceaux dans leur globalité. Nous n’étions, Ivan (Pavlakovic, chant), les autres et moi, que les musiciens. Là, c’est le groupe qui a composé. On a tous créé, on a chacun participé à l’écriture, d’où, aussi, ce titre We are Disconnected: « voilà, ça c’est Disconnected ». Cet album nous ressemble vraiment. C’est une unité. » La musique de Disconnected, si elle est brute, est varié. La décrire n’est pas évident: « C’est du metal moderne, on a des choses djent et du rock, du hard rock… Mais c’est difficile de mettre une étiquette sur le style. Mes influences? Il y a autant de Meshugah que de metal classique comme Iron Maiden, tandis qu’Adrian, lui, il est à fond dans le metal des années 80. Avec ce genre de contraste, il y a de quoi créer des choses sympa« .

On remarquera naturellement le premier morceau, Life will always find it’s way. Même si le lien avec l’ami Covid peut sembler évident, rappelons nous que l’album a été composé avant l’arrivée de ce virus. Le chant d’Ivan se révèle, comme sur l’album précédent, varié, se faisant ici agressif et rageur, là plus clair et passe partout. Le vocaliste propose une vaste palette qui colle parfaitement au genre développé par cette entité qu’est aujourd’hui Disconnected. Un album d’une brutale efficacité qui saura séduire un large public, tant en France qu’ailleurs.

Le plus gros show arrive, puisque Disconnected ouvrira le HF 2 sur la mainstage 2 le vendredi 24 juin (le groupe est également à l’affiche du WOA et du Rockfest de Barcelone). Si les 5 auront plus de temps pour se préparer qu’en ouverture de Priest (et faire imprimer un backdrop un peu plus grand, aussi…) nul doute que Disconnected sera l’une des sensation de cette nouvelle édition du Hellfest. Un grand groupe est en marche!

Propos recueillis au téléphone le 31 mars.

KOZH DALL: Deaf mute

France, Metal (Autoproduction, 2022)

Les amateurs de metal français auront sans doute eu connaissance de ce « groupe » quelque peu ovni de la scène extrême hexagonal qu’était Kozh Dall Division. On retrouve aujourd’hui ce même projet amputé de sa division. Pour quelle raison est-il devenu simplement Kozh Dall? Laurent Plainchamps, fondateur de ce projet et ancien membre d’Arsenic, Kristendom et même No Return qu’il a dépanné sur une dizaine de dates, s’en explique: « sur les deux premiers albums, il y avait beaucoup d’invités et le terme « division » impliquait le fait d’être plusieurs aux manettes, plusieurs musiciens de divers groupes et univers musicaux. En fait, le terme « division » ne me plaisait qu’à moitié. J’ai aussi changé le logo, et ce n’est pas tout à fait le même projet. » Ce projet est donc un ovni musical. Laurent en décrit simplement sa musique en précisant n’avoir « rien inventé. C’est un peu toutes les tendances du metal, des années 80, 2000, qui mixe du thrash, du death, du gothique, voire un peu de doom. Les voix sont variées, de claires, à death, thrash ou heavy, ce que j’adore faire. » C’est d’ailleurs une des particularités de cet album, ce chant varié, et Laurent s’occupe de toutes les voix, aussi bien rageuses que fluettes et « même presque féminines« . Intitulé Deaf mute, « sourd muet », traite du handicap sous diverses formes. « Oui, et ce pauvre gars n’a pas grand chose pour lui puisque Kozh Dall ça veut dire « vieil aveugle » en breton« . D’où cette pochette qui montre un visage saigner de ces trois sens… « Ca reflète aussi la difficulté d’exprimer son mal-être, pas seulement avec des mots, des textes ou un dialecte. C’est de la colère, de la tristesse, des émotions. Tout cela suffit à l’auditeur pour créer sa propre histoire« . En effet, on trouve beaucoup de choses dans cette musique: au cœur d’un titre thrash peuvent se trouver larsen et tapping. Laurent explique que « la musique, c’est des émotions qui viennent. Il y a a beaucoup d’improvisation, j’enregistre ce qui vient, et je laisse parler mes émotions. J’ai voulu enregistrer mes émotions sur le moment, ce n’est pas une interprétation, je ne pouvais pas faire autre chose à ce moment là« . En d’autre termes, cet enregistrement « one shot » a été très instinctif et organique. Les dix titres (de 1 à 10, titres simples au possible) reflètent cet état d’esprit. Les numéroter ainsi? « Il y a très peu de texte, en fait, donc c’était difficile de trouver un titre, j’ai laissé les émotions s’exprimer… Après, ça a été un peu compliqué pour la SDRM qui n’a pas compris que le titre 1 s’intitulait 1 et ainsi de suite (rires)! » Si Laurent devait n’en faire écouter qu’un pour nous convaincre de découvrir le reste il retiendrait « 6, par ce qu’il met un peu en avant ma voix et qu’il est assez facile d’écoute. c’est aussi l’un des deux clips. c’est un titre sur lesquels il y a un petit passage agressif mais aussi, j’ai réussi à faire des voix plus claires, presque cristallines. » Les amateurs de sensations fortes sauront trouver leur bonheur dans la variétés proposée par ce Deaf mute, brutal et introspectif dont la devise, conclut Laurent, pourrait être « les paroles ne sont que mensonge« . Un univers intrigant dans lequel l’auditeur pourrait aisément se noyer.

 

 

Entretien avec Laurent Plainchamps – propos recueillis le 1er avril 2022

ASKARA: Lights of the night

Suisse, Metal (2022, Fastball)

Après une intro au piano léger et guitares tourbillonnantes, Askara, en activité depuis 2013,  entre dans son sujet avec un metal épique et sombre, agrémenté d’un chant double: le côté guttural du bassiste chanteur Elia Schmidt et celui plus doux et clair de sa sœur Miril, également au piano. Le 11 titres entrainent l’auditeur dans cet univers familier de l’heroic fantasy proposant une musique à la fois sombre et lumineuse, mélodique et brutale sans être jamais speedée. On peut même être surpris par la lenteur de ces compositions, par la juxtaposition de ce tempo et de ces growls. Ce n’est pas le seul point d’étonnement: tout au long de ce Lights of night, second album du quatuor, Askara sait se faufiler en terrain plus risqué, à l’instar de ce To Alisa rock aux relents progs qui frôle les 9′. Bénéficiant d’une production exemplaire et d’un très bel artwork, Askara, avec son metal sombre et lent, s’adresse toutefois à un public précis. Difficile ingurgiter du premier coup, mais intrigant et attirant. A découvrir.

THANATEROS: On fragile wings

Metal, Allemagne (Echozone, 2022)

Formé en 1999 à Berlin, Thanateros a enregistré 4 album sans parvenir à réellement se démarquer avant de disparaitre entre 2009 et 2019, année de la sortie de Insomnia. Maintenant, je n’ai encore jamais écouté le groupe et je reconnais que ce On fragile wings est une très agréable surprise. Si Thanateros est décrit comme un groupe de folk metal, l’étiquette est par trop limitative. Car les influences du combo, qui a accueilli un nouveau batteur en la personne de Markus Felber qui semble apporter un regain d’énergie au combo. Le reste du groupe, outre le chanteur Ben Richter, se compose du guitariste Chris Lang, du bassiste Chrys Ryll et du violoniste Christof Uhlman. Dès Kyballion (time to fly), intro dark et tribale, on se retrouve en terrain familier, chaleureux, germanique et nordique. Car tout au long de ces 12 titres, Thanateros, avec sa touche personnelle, évoque le côté rigoureux de la musique de Rammstein et les aspects plus grandiloquents et symphonique de celle de Nightwish. Produit par Simon Rippin, On fragile wings bénéficie d’un son puissant et valorisant. La voix grave, rugueuse et profonde de Ben est également secondée par celle lumineuse de Johanna Krins (Arctic Relief, Delva) sur deux titres, le premier extrait Coven of the drowned, très enjoué, et Solitude, superbe pièce. Les aspects folk sont, eux, du fait du violon qui évoque l’Irlande et ses verts paysages. En variant les thèmes et rythmes de ses compositions, Thanateros parvient à ne jamais se répéter, gardant aisément tout e l’attentions de l’auditeur, l’entrainant avec le groupe tel Kaa hypnotisant Mowgli. Une belle réussite qui mérite qu’on s’intéresse de plus près à Thanateros. Le groupe demande une seconde chance? Offrons la lui,, d’autant plus que le groupe se voit comme un phénix et le clame sur Burn (« We will rise from the ashes, We will rise« ).

FEED THE SHARKS

France, Heavy metal (Ep, M&O, 2021)

Ils sont originaires de la station balnéaire de Thonon les Bains, en Haute Savoie, et si le nom du groupe, autant que l’illustration de ce premier Ep, peut laisser croire à du metal saignant, il n’en est rien (et, notons le, de toutes façons, on ne trouve pas de requins dans le Léman ^_^). Feed The Sharks propose un metal carré, puissant, au chant clair, un metal qui s’inspire de la vague heavy américaine avec tous les codes du genre. C’est super efficace, d’autant plus d’ailleurs que tout est réuni pour que ce groupe puisse exploser: une production grasse à souhait, un chant anglais parfaitement maitrisé, des guitares rageuses et tranchantes, une rythmiques genre char d’assaut et 5 titres aux mélodies groovy et redoutables taillées pour des passages en radio sans être « friendly ». Ces gars ont été biberonnés au son des guitars heros de groupes, avant d’être plongés dans le bain du renouveau metallique des années 2000. Parler de la scène metalcore semble trop limitateur, mais oui, il y a cette rage à la Killswitch Engage ou cette puissance et ce sens de la mélodie chères à Avenged Sevenfold. C’est moderne et bigrement réussi. un premier essai  imparable, point. A découvrir d’urgence. Bravo! Euh… un album, c’est possible?

DEAD VENUS: Flowers & pain

Suisse, Metal (Autoproduction, 2022)

Echappée du groupe de metal suisse Burning Witches avec qui elle est restée de 2015 à 2019, Seraina Telli (chant, guitare et claviers) s’est entourée de André Gärtner à la basse et du batteur Mike Malloth au sein de Dead Venus, déjà auteur d’un album, Bird of paradise, paru en 2019. Le trio nous offre aujourd’hui ce Flowers & pain, un album à la fois torturé, alambiqué et intriguant, entraînant, voire envoutant. C’est peut-être là la plus grande difficulté que je rencontre avec cet album qui présente des morceaux courts variés et efficaces, allant droit au but (le single Lily of the valley en est un parfait exemple) et des morceaux longs, très longs, parfois trop (on parle quand même de plus de 8’30, et pas qu’une fois!) comme le morceau titre, Flowers & pain ou Plaything doll, quelque peu fourre-tout, chansons dans lesquelles on trouve du rock, du prog, des intonations jazzy et de la recherche de sons étranges. Des titres qui démarrent fort, pourtant, mais perdent en efficacité au gré du temps qui s’écoule. Dommage, car ils gagneraient sans doute en efficacité en étant scindés. On se concentrera donc plus sur les chansons les plus directes, qui elle interpellent et accrochent l’auditeur à l’instar de cet interlude rapide (50″) qu’est That creation qui évoque Faith No More ou Mr Bungle. Flowers & pain est un album qui nous montre les diverses facettes de Dead Venus qui semble encore chercher son identité musicale. Il y a de la matière, reste à faire un petit tri.

 

Interview: TRANK

Ils ont osé! Après à peine un (superbe) premier album, ben… vous savez quoi? Les quatre Trank, ils (oh, facile le jeu de mots pourri, mais j’assume!) ressortent The ropes en une version dite Monolith composée de l’album original pour ceux qui l’auraientt raté et d’un second sur lequel on trouve des remixes version généralement électro (mais pas que) de certains titre dudit premier effort. Même si Metal Eyes est revenu sur cette édition (chro ici), une question se pose: pourquoi aussi tôt? Il fallait en découvrir le pourquoi et le comment, ainsi que le comment du pourquoi , chose qui se fit avec Johann, le batteur le 20 décembre dernier qui nous explique que « l’idée de faire une version deluxe, on l’avait dès le départ, avant la sortie de l’album. On se disait que de moins en moins de gens achètent des albums physique alors tant qu’à faire, offrons leur quelque chose qui soit le plus riche possible, une version un peu plus élaborée (…) Pour le CD bonus, on avait plusieurs options, dont faire des versions acoustiques des morceaux. Et, ne fait, assez rapidement après la sortie de l’album, on a été contactés par des producteurs électro nous disant avoir entendu tel titre et vouloir en faire un remix. On dit quoi par rapport à ça? Bien évidemment, on a dit Oui! Au final, 4 producteurs extérieurs ont retravaillé les morceaux et quand on a entendu le résultat, ça nous a beaucoup plu, ça donnait une relecture différentes des versions originales et ça marchait très bien. On s’est dit qu’on n’allait pas refaire un album entier de remixes faits par d’autres – déjà il faut les trouver les autres, et jusque là, c’est les autres qui sont venus jusqu’à nous et ça nous allait bien – donc on s’est dit qu’on pouvait s’y mettre. Michel, notre chanteur, est un énorme fan de tout ce qui est claviers, électronique, etc. Il s’est mis aux manettes, et on a commencé à travailler en se disant qu’un jour, ce serait pas mal de faire une version comme ça de ce titre. Si ça marche, on garde, sinon, on passe à autre chose. En tout cas, ça n’était pas un calcul, ça s’est fait naturellement. Quand on nous a proposé de faire des remixes, chose à laquelle on ne s’attendait pas du tout, on a trouvé l’approche intéressante. La plupart des gens qui nous écoute a une culture musicale très variée, et ça nous va très bien de ne pas être catalogués dans une case restrictive, on s’est dit qu’on pouvait pousser le curseur plus loin. »

Quel regard les musiciens de Trank ont-ils porté sur la création de ces nouvelles versions? « Les gens sont venus à nous nous disant être intéressés par tel morceau. On a eu une ou deux discussions avec eux pour avoir une idée de ce qu’ils voulaient en faire, une idée vague. Mais chacun a fait à sa sauce. Les 4 qui nous ont proposés des remixes, à chaque fois, la première version, on leur a dit qu’on adore. C’est plutôt bon signe. » Ok, c’est bien beau, mais y a-t-il eu des morceaux que Trank ait refusé parce que ça ne le fait pas? » Non, en revanche il y a un remix, la première version qui nous a été proposée on lui a dit qu’il pouvait aller encore plus loin, s’écarter encore plus de l’original. Au final, si la musique fonctionne, peu importe si ça ressemble à notre musique d’origine. Si ça marche, ça marche! »

En effet, certains remixes sont totalement exploratoires, mais l’ensemble reste surprenant. « C’était le but du jeu… Si c’est pour faire une version où on change deux trucs, ça ne sert pas à grand chose. Que ce soit nous ou des producteurs externes, on a pris les pistes de base et on est repartis de zéro en nous demandant comment on pouvait retravailler le son, les ambiances. C’était un travail intéressant. L’électro, il n’y a pas beaucoup de guitares, ou de batterie, il y a du rythme et c’est souvent « basique » – et je dis ça dans le bon sens du terme. Une fois que tu enlèves ça, il reste quoi? Comment garder l’intérêt de l’auditeur afin qu’il ne se dise pas « j’aurai bien aimé un peu plus de ça » mais qu’il prenne le morceau tel quel. » Force est de constater que le projet est une réussit. Quiconque a craqué pour l’album original se penchera sur les nouvelles versions et devrait se laisser emporter par ces versions électro et revisitées.

Chacun remarquera que seuls certains titres sont remixés, certains deux ou trois fois. « Les titres finalisés sont sur l’album, d’autres ne sont pas terminés parce qu’on pensait que ce nouveau traitement n’était pas assez bon pour finir sur l’album. Mais on travaille comme ça sur les albums dits classiques. On ne va pas composer 50 chansons, les enregistrer pour n’en garder que 15 sur album. L’écrémage se fait au fur et à mesure. Il y a certains morceaux qui sont toujours dans les tiroirs depuis 3,4 ou 5 ans. Il y en a certains, il y a une idée intéressante mais on n’a toujours pas trouvé le truc. On les met de côté, on les réessaye plus tard. Pour les remixes, comme pour les originales, si au départ il y a un peu de prise de tête pour se demander ce qui marche c’est probablement que, au départ, l’idée n’est pas bonne….Les bons morceaux, chez nous, se composent assez vite. Je ne dit pas que c’est facile, simplement que ça nous inspire tous les 4. »

On ne pourra que remarquer que, au-delà des chansons, c’est tout le visuel qui a subit un lifting. La pochette passe du blanc au noir, comme un effet de négatif. Apparaissent même quelques signes « cabalistiques » qui ne sont pas sans évoquer Led Zep. Levons le mystère sur la signification de ces symboles: « Les deux design sont l’œuvre d’Alban Verneret, notre directeur créatif qui travaille avec nous depuis 4 ans, qui nous a fait 5 clips. Il avait créé ces 12 icones, une par chanson, mais elles étaient un peu cachées dans le livret de la version originale. De façon assez discrète. On s’est dit, pour la version Monolith, que ce serait sympa de les voir plus. J’aime l’idée de pouvoir (il sourit) créer un alphabet pour Trank… Vous avez 12 symboles qui, aujourd’hui, représentent l’univers de Trank. Il y en aura d’autres par la suite – en tout cas, des chansons, c’est sûr, des symboles, on ne sait pas, mais l’idée nous plait bien« . Lorsque je lui suggère l’idée de remplacer les titres des chansons de leurs setlists par ces symboles, ce qui serait sympa pour ceux qui les photographient au début des concerts, Johann se marre. « C’est une très bonne idée, je n’y avais pas pensé… « Ils parlent quoi comme langue ces gens »… »

Un remix qui puisse être représentatif de ce Trank version remix, un titre qui convaincrait un non amateur d’électro de se plonger dans ces versions? « C’est une question difficile… Je dirai Shining. J’ai un faible pour cette version. D’une part parce que c’est Michel, notre chanteur, qui l’a faite à peu près du sol au plafond, et aussi parce qu’il y a un côté assez électro mais pas agressif comme on peut parfois l’avoir dans l’électro. Un truc sur lequel on peut sautiller mais pas forcément quelque chose qu’on doit écouter à 4h du mat’ en rave party avec 18 grammes dans le sang! Je vais même me permettre une entrave à ta règle: le dernier morceau, Refugee, qui lui aussi a été fait par Michel, pour les gens qui n’aiment pas l’électro, c’est une version assez orientale. Au départ, Refugee, c’est des samples de gens qui communiquent par radio des années 70, les boat people, au même type de communication en 2015 avec les migrants. 40 nas d’intervalles et les mêmes discussions. Je trouve qu’avoir ajouté ces arrangements orientaux, avec des instruments africains, nord africains, ça donne une couleur supplémentaire, et j’aime beaucoup celle-là. »

Question finale désormais habituelles, quelle devise Johann peut-il imaginer pour Trank? « Alors… La devise que nous avons, qu’on utilise avant de monter sur scène, c’est une devise des samouraïs qui disaient « on n’a rien à perdre, on est déjà morts ». Je sais que c’est un peu morbide, mais ça me convient parfaitement. On est déjà là alors on y va à fond! » Je le rassure en lui rappelant que lors de notre précédente rencontre (oui, une interview en vrai, ça remonte…) c’est déjà ce que Michel avait dit. Ces gars sont fidèles à eux mêmes, même si « on reçoit pas mal de demandes d’interview par mail, souvent d’Angleterre. Parfois, il y a des questions qui se répètent et, souvent, c’est Michel qui y répond. Je vois, au fil du temps, qu’il prend de plus en plus de liberté avec la réponse et maintenant, ça me fait bien rire. » Fidèles à eux-mêmes et fun, Trank est vraiment un groupe à suivre de très très prêt. Vivement la scène! Johann confirme en ajoutant « qu’il y a des nouveaux morceaux déjà prêts, pas encore un album, mais on avance. 2022 devrait, si tout va bien, être une année plutôt sympa. »

 

 

VOLBEAT: Servant of the mind

Danemark, Metal (Universal, 2021)

Même si j’avais, à sa sortie en 2019, apprécié Rewind, replay, rebound, force est de reconnaitre que les aspects moins metal manquaient. Avec Servant of the mind, son nouvel opus, Volbeat revient à ses amours et ses racines. La puissance du metal, ses rythmiques, ses riffs de guitares côtoient avec bonheur – c’est bien ce qui fait la spécificité du groupe de Michael Poulsen, les mélodies rock des débuts du genre, 50’s et 60’s. Si l’accroche est moins évidente sur Dagen for, un duo chanté avec Stine Bramsen (vocaliste pop danoise qui sévit avec Alphabet) car trop sirupeuse, les Temple of Ekur, Say no more, Step into light ou Shotgun blues, single imparable, se font irrésistibles de puissance et de mélodie. Tout n’est pas parfait (Step into light a ce refrain prenant mais un couplet qui peine parfois, Wait a minute girl stagne quelque peu, dommage, c’est le second titre…) mais on ne pourra que saluer cette gnaque retrouvée, cette pêche renouvelée (cette patate sur l’intro de Becoming!), ce sens de la mélodie doublée d’accents orientaux (Temple of Ekur, Lasse’s Birgitta) et ces chœurs imparables qui nous manquaient quelque peu. Les effets de la pandémie? Oui, Volbeat renoue avec ce qu’il proposait avant son dernier live, retrouve puissance et efficacité. C’est simple, après une période de semi flottement, Volbeat parvient à retrouver cette flamme magique qui caractérise sa musique, une alchimie entre genres parfaitement compatibles. On attend quoi maintenant? Le retour de Poulsen et sa bande sur les routes!

SANDSTONE: Epsylon Sky

Irlande, Metal (Limb music, 2021)

Quatrième album des Irlandais de Sandstone, Epsylon sky propose 8 morceaux (plus 1 bonus sur la version CD) à la fois complexes et accessible. Epsylon sky se révèle rapidement un album ambitieux et plein de surprises. Malgré un chant parfois un peu forcé, le groupe fondé en 2003 (son premier album n’est sorti que 6 ans plus tard) puise dans le rock tendance heavy (I know why et son refrain entêtant, Worn soul), dans la pop énergique (Cuts to you), le proche du doom (Dies irae, un titre décidément à la mode!), et se laisse influencer par des sonorités jazzy (Silouhette drawn) ou les beaux sentiments (la douceur de Critical), parfois en mêlant différents genres (Fractured time qui navigue entre heavy et pop). Sandstone nous propose donc un album varié et attirant, même si pas toujours d’un accès très aisé. Il faut plus d’une écoute pour se l’approprier, certes, mais c’est très bien foutu et le groupe mérite d’être plus exposé. Devons-nous évoquer ce clin d’œil de la pochette: une créature portant un masque humain lui même orné d’un masque qu’on ne connait aujourd’hui que trop bien? Non, bine sûr…