Suède, Heavy/Power metal (Better Noise Music, 2025)
Après avoir exploré de long en large la Grande guerre avec le cycle The great war (2019) et A war to end all wars (2022) – auxquels on peut également ajouter The symphony to end all wars (2022) qui les a peut être inspirés pour la première partie de leur nouvelle tournée mondiale – les Suédois de Sabaton ont décidé de se renouveler en allant explorer d’autres horizons, tant historiques que musicaux, d’ailleurs. Car si on retrouve la marque de fabrique du groupe, à savoir des drames et tragédies sur fond musical épique et joyeux, Sabaton réussit aussi à surprendre le fan lambda. Des claviers plus présents un peu partout, des ambiances proches de la culture des pays des dites légendes peuvent, de prime abord, surprendre, étonner, et pourtant la formule fonctionne. Cette impression première est-elle également le fait que, pour la première fois, tous les membres du groupe ont participé à la composition de l’album? C’est très possible. Avec Legends, Sabaton traite de personnages toujours liés à la guerre et à la stratégie sans se centrer, comme il l’a fait dans le passé, sur une époque précise. Là, on parle aussi bien des templiers (Templars) que de Napoléon (I, emperor), Jules César (Crossing the Rubicon), Jeanne d’Arc (Maid of steel) ou Ghengis Khan (Hordes of Khan), et d’autres – il suffit de plonger son regard sur l’illustration de cet album pour comprendre quels en sont les sujets. Mais ne parler que de légendes connues de tous ne suffit pas aux Suédois qui explorent également la vie d’autres personnages moins réputés. On reconnait aisément la patte musicale de la formation qui, au gré de riffs enjoués et entrainants, d’ambiances variées allant de la lourdeur hivernale ou encore de rythmiques martiales comme une marche au pas, tout en se renouvelant. L’ensemble, s’il ne déconcerte pas plus qu’il ne surprend, a tout pour satisfaire les fans les plus anciens et séduire toute une nouvelle génération. Ajoutons à cela les promesses de shows à venir lors des futurs concerts (en France, pour rappel, Sabaton sera le 28 novembre à l’Accor Arena de Paris, le 29 novembre à la LDLC Arena de Lyon et reviendra en plein air le 5 juin au Heavy Week End de Nancy et le 17 juin aux arènes de Nîmes), des concerts qui s’annoncent une nouvelle fois hauts en couleurs.
Je sais pas pour vous, mais moi, quand je vois un CD avec au dos écrit « Side A » et « Side B », je me dis que j’ai affaire à un groupe vintage et quelque peu nostalgique. Eh bien, c’est ce que nous proposent les Parisiens de High On Wheels avec leur nouvel opus, The monkey. Formé en 2014, le trio se dit influencé par – pour ce que ça peut bien vouloir représenter – la Palm desert scene. Je reconnais ici mon ignorance, mais une chose est sure: le groupe nous offre 7 titres façonnés avec la rugosité de ce sable du désert. Dès Get down, les guitares crunchy et la voix plus que rocailleuse évoquent les univers de Motörhead et de Kyuss, la férocité des premiers alliée au côté allumé de toute la vague psyché/stoner. On suit les aventures quelque peu directes et brutales de ce (grand) singe visiblement élevé sans les codes de bienséance . Bien que l’anglais soit difficilement compréhensible, on se prend à taper du pied dans ce bouge enfumé de la pochette (qui m’évoque aussi l’univers de Volbeat). Une jolie claque totalement rock, à la fois moderne et vintage, qui en appelle une autre!
Les amateurs de rock furieux connaissent déjà Oma Jali, ex-front woman de la formation lilloise The NoFace. La chanteuse est donc loin d’être une novice, d’autant qu’elle a également accompagné Zucchero à l’international. Le public, elle connait, et aujourd’hui, elle se lance le défi de se faire un nom en solo avec Challenge, un Ep 6 titres qui puise dans nombre de ses influences. La voix puissante et chaleureuse d’Oma distille un mélange de rock énergique, de punk attitude et de soul incandescente. On pourrait aisément comparer l’esprit d’Oma à une union entre Baby Jean (Mother’s Finest) et Skunk Anasie, tant pour l’énergie que l’attitude. En démarrant avec Someone special, le message semble évident: cette voix veut toucher le public au cœur. Tout au long de ces 6 morceaux, Oma navigue dans ces univers qui ont en commun la musique noire américaine, blues et soul qui ont donné naissance à ce rock imparable. On se laisse aisément entrainer dans le monde chaleureux d’Oma tout au long des Q.C, Say it, What is life ou autres Save me et Chains, sortes de témoignages personnels, d’introspection et point de départ d’une nouvelle vie musicale se faisant accompagner des guitaristes Cédric Goosens et Guillaume Laprade, du bassiste Eric Rakotoarivony et du batteur Roch Deroubaix. Avec un tel caractère et un tel backing band, Oma Jali pourrait bien se faire un nom qui dépassera nos frontières.
Leurs venues parisiennes sont suffisamment rares pour que nous ne rations pas le concert de Disturbed qui, en ce 12 octobre 2025, vient célébrer le quart de siècle de son premier album, l’incontournable The sickness. Quand, en plus, l’affiche annonce en guise de première partie Megadeth, tout est réuni pour une petite virée parisienne.
En arrivant sur place, le public est dispersé. On avance facilement, il n’y a pas foule à l’entrée, les spectateurs arrivant tranquillement, régulièrement. On note cependant la présence de force de l’ordre en nombre – il y a pas moins de 7 cars de CRS bien visibles et déjà un certain nombres d’hommes en faction aux abords du Zénith. Est-ce l’inquiétude liée aux demandes de certains politiques (LFI, PS et PCF) d’annuler le concert pour cause de « risque de trouble à l’ordre public », demande liée aux positions du chanteur de Disturbed, David Draiman? La préfecture a rejeté la demande trois jours avant et, que ce soit avant le concert ou après, il s’y a eu aucune difficulté ni manifestation. Tant mieux, car nous sommes ici pour la musique et rien d’autre.
Il est 19h lorsque le Zénith est plongé dans le noir. La salle, jusqu’alors quelque peu clairsemée se remplit soudainement. Dave Mustaine ayant annoncé la future retraite de Megadeth, les fans n’ont guère envie de rater la moindre messe des seigneurs du genre.
Les quatre déboulent sur scène en pleine forme. Cependant, rapidement, dès Hangar 18, Mustaine se penche vers les ampli et s’adresse à un technicien. Oups, un couac en vue? Va-t-on avoir droit au Dave des mauvais jours? Heureusement, non, les choses revenant dans l’ordre assez rapidement.
Le groupe dégaine alors pépite sur pépite et chacun se montre très en forme occupant chaque centimètre carré, Dave utilisant chaque micro tandis que ses complices intervertissent à loisir leurs places. Bien que se levant pour haranguer la foule à deux ou trois reprises, seul Dick Verbeuren reste assez peu visible à cause de plaques de plexi protégeant sa batterie. Défilent ainsi Wake up dead, Angry again, Sweating bullets, Trust… Quand bien même la scénographie est-elle minimaliste, les lumières sont superbes, intenses et variées.
On en est déjà à la moitié du concert, et Megadeth n’a pas fini d’achever le public qui, vu le nombre de T-shirts au nom du groupe, est venu en très grand nombre. Tornado of souls préfigure d’un final en beauté. Mais, bien que très attendu – comme toujours – A tout le monde me surprend ce soir: une intro qui sonne trop grassement et une mélodie proposés par Teemu Mäntyssaari qui dénote par rapport à d’habitude. Pas la meilleure interprétation qu’il m’ait été donnée d’entendre…
Dommage, mais, fort heureusement, la suite, le bouquet final, est exemplaire bien que sans surprise: Symphony of destruction, Peace sells sur lequel on a droit à la visite de Vic Rattlehead, et Holy wars… the punishment due viennent conclure en beauté cette prestation si intense qu’on se demande pour quelle raison Dave souhaite prendre sa retraite. On en vu d’autres me direz-vous.. Le rouquin conclue avec son habituel: « You’ve been great, we’ve been Megadeth! » pendant que chacun lance médiators et baguettes au public.
Un grand voile cache la scène. Après Back in time (Huey Lewis and the News), clin d’oeil évident à cette invitation de Disturbed à accompagner le groupe dans un bond dans le temps d’un quart de siècle en arrière, et lorsque les lumières s’éteignent, les musiciens apparaissent en ombres chinoises sur fond de Spread the sickness. Puis, lentement, le rideau se lève, David, tel le Dr Lecter, masqué et en camisole, est attaché sur un diable géant, un garde l’accompagnant au milieu de la scène et le libérant de ses liens. Une tenue noire floquée au dos des lettres bien connues des centres pénitentiaires américains: D.O.C. – pour Depatment Of Correction.
Une fois son masque retiré, les yeux révulsés, les hostilités commencent avec Voices. Très vite, on sent que la soirée sera chaude: malgré un décor sobre et assez dépouillé, flammes et pyro vont ajouter au visuel des lights modernes et très travaillées.
Dan Donegan (guitares) et John Moyer (basse) occupent chaque recoin de la scène, s’emparant de l’avancée pour sauter et mieux séduire le public. La complicité des deux est telle qu’on croirait voir des jumeaux! Mike Wengren, quant à lui, reste scotché derrière ses futs mais on devine un sourire de plaisir lui barrant le visage.
Ne revenons pas sur un titre par titre, l’album étant célébré, chacun des 12 titres qui le composait alors est interprété ce soir, et dans l’ordre. Le concert est émaillé de ces petits moments dont on se souvient, comme lorsque, après Fear, le chanteur demande à ce que la salle soit éclairée et descend dans la fosse pour demander à ce qu’une spectatrice et sa fille soit protégées par les gars autour d’elles. « On est là pour s’amuser, c’est votre rôle de faire attention à elles! » Rien d’exceptionnel, David ayant pris l’habitude de ce type d’intervention, mais on l’a entendu discourir plus longuement. Quand bien même, les personnes concernées se souviendront longtemps de ce contact, si bref fut-il.
Le chanteur, jusque là assez peu bavard, annonce qu’il est « bon de ramener la maladie à Paris » avant d’entamer un Shout (Tears For Fears) remanié de manière très heavy. Puis, après Droping plates, le groupe disparait le temps d’un long interlude au son de fuite d’eau qui s’écoule d’une canalisation percée. Puis les lumières éclairent un David tout d’orange vêtu, enchainé et accompagné d’un homme scandant « dead man walking« . Au centre de la plateforme, une chaise électrique à laquelle est attaché le chanteur. Deux déflagrations, deux chocs qui lui explosent le cerveau. Le chanteur se relève, la tête et sa tenue ensanglantés et rejoint ses camarades, eux aussi revêtant la même tenue du condamné à mort, pour interpréter Meaning of life (avec un clin d’oeil à Crazy train, d’Ozzy). Le chanteur revient s’assoir et éclate d’un énorme rire gras, inquiétant. Puis un rideau tombe annonçant que « Disturbed will be back in 20 minutes ». Un entracte qui voit le public se ruer aux stands de merch, bars et toilettes.
La seconde partie du concert se concentre quant à elle sur les « greatest hits » du groupe. Ce sont ainsi pas moins de huit titres qui sont proposés pour compléter ce concert, titres que le public connait parfaitement. Il est à fond sur I will not break, les poings levés sur Ten thousand fists et Bad man qui voit la mascotte de Disturbed se gonfler derrière la batterie. Seul la reprise de Land of confusion (Genesis) me semble quelque peu… confuse. Indestructible est prétexte à un joli pogo avant un retour au calme le temps d’installer un piano, que chacun s’empare d’une guitare acoustique, mise en place annonciatrice de l’incontournable The sounds of silence (Simon and Garfunkel) sobre et puissant, morceau acclamé comme il se doit par le public.
Le concert se termine avec un rappel de deux titres, The light et Inside the fire. Deux morceaux qui viennent superbement clore une soirée magnifique d’un groupe malheureusement trop rare en France (si mes infos sont correctes, moins de dix concerts en 25 ans, le précédent remontant à… 2019!) En tout cas, The sickness a ce soir été célébré comme il se doit.
Merci à Mael et Live Nation d’avoir rendu ce report possible.
Ca commence assez soft, avec des guitares « américaines », avant de monter en puissance vers un metalcore/metal moderne à la Parkway Drive. Versus, qui introduit Précipice, le premier album des Français de Inky Terra présente de nombreuses facettes du groupe. On y trouve à la fois un chant gracieux comme peut l’être celui de Joel Ekelöf (Soen) et des aspects beaucoup plus rugueux qui peuvent parfois évoquer System Of A Down. Musicalement aussi, et la tendance au mix se confirme tout au long des 9 titres de cet album. On passe ainsi, au cours d’un même morceau, du calme à la tempête, de la douceur à la brutalité. Les breakdowns côtoient sans difficulté de bien plus douces mélodies. Précipice met ainsi face à face, dos à dos, jour et nuit, ombre et lumière, tendresse et robustesse. Pour une fois, le terme de metal alternatif est parfaitement justifié tant le groupe passe d’un registre à un autre avec entrain et aisance. Inky Terra n’est certes pas le premier groupe à tenter ces mariages – et ne sera pas le dernier – mais on sent tout au long de l’album une rage de convaincre doublée d’une maturité musicale certaine. Le groupe ne vient pas de nulle part puisqu’il s’est formé en 2019 en Ardèche, seul département où personne ne peut prendre le train puisque dépourvu de gare voyageurs. dans de telles conditions, on se laisse porter par son environnement et on se perfectionne dans ses choix, ce qu’Inky Terra n’a pas manqué de faire. Un album à découvrir.
Metral ou « l’éternel retour » d’un groupe de hard rock direct et sans fard. Le combo a en effet déjà deux albums à son actif (Notre regard, paru chez Brennus en 2014, et L’ombre du sang, une autoproduction parue en 2018). Autant dire que les gaillards prennent leur temps! Car il aura fallu 7 ans pour que le combo ne revienne avec ce Fou à lier dont l’Histoire se souviendra comme d’un Chinese democracy à la française (non, je déconne…Même si eux le voudraient peut-être bien!) Si le début de Coeurs brisés qui ouvre l’album peut prêter à sourire par ses évidences musicales et sa maladresse textuelle (des paroles « peut mieux faire »), il faut pousser un peu plus loin pour vraiment apprécier ce heavy rock franc du collier. Metral propose ainsi 10 titres qui vont droit au but, qui rappellent à la fois la fulgurance de Trust, le chant de Titan, l’énergie et l’envie de la vague heavy français de la période 80-85. On se laisse prendre au jeu et on tape du pied avec plaisir, tout en se laissant intriguer par ce qui ressemble à toute une histoire. De ce point de vue, la succession des titres est claire: aller de Cœurs brisés à Le temps du courage, en passant par ce stade de colère (Fou à lier) ou Les secrets de l’amitié se transformant en Le masque de la mort, Metral nous propose une forme d’introspection qui peut parler à tout un chacun. Sans rien réinventer, le quintette (Denis Frappier au chant, Pete Ord et Loïc Colin aux guitares, Guy Misfud à la basse et Paul Coursimault à la batterie) se fait plaisir et nous offre un album simplement sincère.
Formé au début des années 2020, Huntdown publie Chasing demons, un premier Ep de 6 titres en 2023. Brut de décoffrage, les parisiens s’adressent clairement aux amateurs de hardcore brutal américain, aux fans de Hatebreed ou Madball, pour ne citer qu’eux. This is war, leur premier album aux influences thrashisantes, propose 6 nouveautés accompagnées de 4 morceau dudit Ep. Et le moins qu’on puisse dire, c’est que les mecs sont sérieux. Le titre de l’album résume à lui seul parfaitement le propos: une guerre de décibels et d’énergies explosive est ouverte dès Dump. Et jamais Huntdown ne met le pied sur le frein. Le chant rageur est parfaitement soutenu par un ensemble rugueux et direct. Une rugosité qui, si elle domine, est, par instants, contrebalancée par des des « respirations », passages plus lents mais bigrement lourds. Une bonne grosse claque qui n’est autre qu’une invitation à pogoter tout son soul! Ex-plo-sif!
Déjà, le nom du groupe – Dead Bees In Bourbon (des abeilles mortes dans le bourbon) – m’interpelle et me fait sourire. D’autant avec une police et un visuel qui m’évoque l’univers de Tim Burton et un certain Mister Jack. C’est donc avec une réelle curiosité que je glisse le CD dans le lecteur et dès Quiet pulse, la formation allemande me renvoie dans un passé pas si lointain. Un chant doux de Yen Aneztberger, toujours rassurant, est soutenu par des guitares à la fois discrètes et déterminées (Arndt Bander et Ingo Hannen, également à la basse et aux synthés) et une rythmique solide (la batterie de Ben Overmann). Tout au long des 11 morceaux de ce Crystals, Dead Bees In Bourbon nous replonge dans une période où le rock se liait avec bonheur à une new wave entrainante. L’apport des synthé et de touches électro y est pour beaucoup mais la batterie, comme sur Pleasures, apporte ces aspects hypnotiques avant que le titre ne monte en puissance. On a même droit à un clin d’œil aux débuts de Guns N Roses et Metallica avec l’intro de Rooftops of Zion (le titre prend toute sa démesure rapidement après cette intro). L’étiquette de « post punk » que le groupe s’est attribuée (ou qu’on lui a attribuée) est ici bien trop limitative tant Dead Bees In Bourbon propose une musique variée, allant de la tendresse à la rage, du rock le plus énervé à des sons plus éthérés et épurés en passant par des moments sombres et gothiques mais avec toujours un fond joyeux (On your own). Crystals s’adresse à un très large public, sans distinction de caste ou de genre. Un premier album plus que prometteur et un groupe à suivre de près.
Etonnant album que ce Genesis signé des Français de Ydhessä. Le groupe est composé de cinq musiciens d’horizons si variés que le résultat ne peut être qu’un mélange des origines de chacun. Gaetan Courouble (chant et bouzouki irlandais) vient du folk rock, Luna Limage (chant, harpe et flûte), de la world music, Djaffar Lebdiri (bouzouki aussi, flûte itou et cornemuse) est issu de la musique celtique irlandaise. A ceux-là viennent s’ajouter Maxime Baltor et ses percussions tribales orientales (djembé, congas et darbouka auxquels on ajoute un autre bouzouki irlandais) tandis qu’Arthur Maione apporte sa touche plus metal à la batterie. On connait tous ces instruments? Certes non, alors une petite recherche indique que ledit bouzouki est une sorte de luth à long manche. Un instrument à cordes cousin de la guitare, donc. Le résultat est souvent surprenant, et les 12 titres mélangent avec un certain bonheur ces univers a priori incompatibles et le chant mixte, presque lyrique de Luna (également harpiste de la formation, instrument de plus en plus en vue!) – à l’anglais peu compréhensible – et plus incantatoire de Gaetan. Si l’ensemble est plein de belles intentions, il manque toutefois quelque peu de corps. On apprécie cependant cette douceur bienveillante qui rencontre une forme de rudesse de mère nature, ainsi que le mélange de ces influences qui apportent une teinte particulière à l’ensemble. Une jolie carte de visite.
En mélangeant des riffs déterminés à des rythmiques enlevés, les Néerlandais de Traversus créent un univers hard rock/metal traditionnel entrainant et enjoué. Après avoir publié un premier Ep en 2023 – The only way is through – la formation batave revient avec Navigate, un nouvel effort de 6 titres qui explore les terres d’un hard rock moderne tout en restant classique et, surtout, abordable. Le chant féminin de Madelief de Groot et porté par les mélodies et les riffs, saccadés et francs, de Joey Wessels et la rythmique variée du bassiste Diko Eleveld et la batterie de Liam de Groot. L’ensemble est très joyeux et festif et, sans jamais trop en rajouter, Traversus nous invite à une parade enjouée tout au long des Headline anxiety, Maybe in another life ou Dead hands. Le groupe s’adjoint même les services du producteur Joost van der Broek, connu des amateurs pour son travail avec Epica ou Powerwolf. Navigate, s’il manque un peu de puissance dans ladite production, est un disque qui invite à la curiosité. Traversus ne se cantonne pas à un style et s’amuse à explorer du prog, du thrash ou de l’oriental aussi bien que se poser sur des terres plus familièrement hard rock. Il manque sans doute un peu de maturité à l’ensemble mais il y a beaucoup d’envie et ça, c’est une belle promesse.
