C’est, semble-t-il, la saison des albums instrumentaux qui est déclarée ouverte! Gabriel Palmieri est bien connu des métalleux puisqu’il joue au sein de Deficiency, mais c’est bien mal le connaitre si l’on s’en arrête à ça. Car le guitariste a bien plus que le thrash metal en réserve. Heureusement, d ‘ailleurs pour quelqu’un qui est passé par la MAI (Music Academy International) de Nancy. Avec ce premier album solo, A portrait of existence, il a, naturellement, pour intention de démontrer tout son savoir faire en matière de 6 cordes et plus. Débutant avec une Introduction très cinématique, le guitariste se lance dans plus de démonstration avec Beyond heaven. Ok, jusque là, rien de bien neuf, me direz-vous, « encore un clone de Satriani qui veut nous donner des leçons ». Oui, mais en fait, non… Car, sans jamais quitter des yeux le metal, Gabriel Palmieri sait se montrer versatile, alliant dextérité, vitesse, précision et, surtout, feeling. Il y a de la rage par instants, mais d’autres se font plus foncièrement jazzy et groovy. Loin de n’être qu’un album de guitare, A portrait of existence, l’album en cause, sait aller tailler le bout de gras avec les autres instruments, à commencer par les claviers (Groovin’ through waves) ou la basse/batterie sur le joyeux et aérien Crystal skies rappeler le bon gros hard rock bien gras (Timeless universe). On a même droit à un voyage dans le temps médiéval avec le très bien nommé Bard on the green. Avec A portrait of existence, Gabriel Palmieri nous présente diverses facettes de sa personnalité et de ses influences/amours musicales. Un album très riche à découvrir et à soutenir. Oui, on a des grands instrumentistes en France!
Formé en 2009 en Italie par trois amis (le guitariste Riccardo Cavicchia, le bassiste Peppo et le batteur Tomasso Villa), Da Captain Trips propose un rock instrumental spatial et psychédélique. Le groupe a vu son line-up évoluer avec l’arrivée du claviériste Bachis. Un premier album, Anechoic chamber outcomes, est publié en 2013 et le quatuor revient aujourd’hui avec le bassiste Frederico Chiappa et le claviériste Paolo Negri. C’est donc cette formation qui propose aujourd’hui In between, et je découvre le groupe avec cet album. La moitié de l’ouvrage est composée de titres assez longs – pas moins de 6′, Die, qui lance l’album, dépassant même les 9′ – montre les visages variés de la formation. On explore ainsi divers univers, passant d’influences indiennes qui se métamorphosent tranquillement en voyage spatial (Die) à des ambiances enfumées (Land of shades) tout en navigant dans des univers plus calmes et apaisants (Spiralis). Da Captain Trips aime aussi varier les tempi et les ambiances au sein d’un même morceau, évitant ainsi de perdre l’auditeur en chemin. Car, et c’est sans doute là la grande force de cet album, on se laisse volontier entrainer dans ces mondes envoutants créés par un groupe qui réfléchit à chaque détail sans que sa musique ne soit prise de tête ou troip intellectualisée. Il y a du jazz, de la fusion, beaucoup de psychédélisme, certes. Il y a surtout beaucoup de tripes. In between se démarque ainsi de la grande majorité des albums instrumentaux, souvent trop pensés autour de la performance guitaristique. Il s’agit là d’un vrai travail de groupe où chacun a sa place. Je me plongerai bien dans le reste de la disco du groupe, maintenant…
Voilà le genre de groupe dont la France peut s’enorgueillir mais qui n’a pas (encore) eu la chance qu’il mérite. Heavylution a été formé en 2006 à Saint-Etienne et s’est toujours positionné en défenseur du heavy traditionnel teinté de thrash. Plusieurs évolutions du line-up se font avant que le quintette ne publie, en 2015, Children of hate, un premier album très mature. La formation ne se stabilise cependant que tardivement autour des membres fondateurs Paul Eyssette (chant) et Laurent Descours (batterie) aujourd’hui accompagnés des guitaristes Loïc Chalindar et Olivier Dupont ainsi que du bassiste Benjamin Vidal. C’est ce line-up qui publie aujourd’hui The cycle, un album de 10 titres qui montent en puissance et en efficacité. Une première partie sous forme de concept SF démarre tout doucement et quelque peu poussivement avant que Heavylution n’appuie sérieusement sur l’accélérateur pour entrer dans le vif du sujet. Si Exile – foundation I semble décoller aussi lourdement qu’une fusée chargée à bloc, l’engin Heavylution trouve rapidement sa vitesse de croisière, explorant de multiples univers du metal. Les influences sont évidentes, de Maiden à Metallica dans le phrasé rythmique et dans l’approche de certaines parties de guitares, en passant par les grands classiques du heavy speedé, du thrash sans oublier une touche de brutalité death. Avec The cycle, Heavylution se positionne dans la catégorie des « groupes à suivre très sérieusement ». Seulement, pour pouvoir véritablement trouver ses passagers et sa vitesse de croisière, le groupe devra impérativement éviter de nous faire attendre une décennie entière avant de nous proposer une suite. Et sillonner les routes afin de toucher le plus large public possible. The cycle est un must à découvrir d’urgence.
Les plus agés des amateurs de hard rock made in chez nous se souviennent (peut-être) encore de Dygitals, groupe parisien formé dans les années 80 qui a marqué les esprits avec des titres aussi puissants (aux débuts du groupe) que soignés et léchés. Un projet de premier album avorté en 1987, le groupe disparait, David Dugaro, le guitariste, et Hervé Traisnel, le chanteur se lançant dans un projet annexe – NDB – refondant Dygitals à l’occasion du PMFF de 2012, permettant enfin de réaliser une production discographique. Si le groupe existe encore, David a décidé de suivre son chemin et est allé fouiller dans ses archives sonores pour sélectionner 10 morceaux qui donnent aujourd’hui, sous son patronyme, Dugaro, ce premier album solo, Play. L’exercice de l’album instrumental est toujours délicat, car comment ne pas être tenté par la comparaison avec les géants du genre que sont, au hasard, Joe Satriani, Jason Becker ou Steve Vai? En France, nous avons eu – l’avons encore puisque lui aussi vient de sortir un nouvel album – Patrick Rondat qui a démontré qu’il est possible d’échapper à cette comparaison. Au travers de ces dix morceaux, David Dugaro démontre lui aussi que la guitare demeure un instrument avec d’innombrables possibilités. Tout au long de Play, il explore divers univers, allant du blues au metal furieux, en passant par le rock US, ajoutant ci-et-là une touche de folk pour un résultat frais et varié. Si la guitare prédomine naturellement, la présence de cuivres apporte une touche complémentaire à un ensemble qui, souvent, ressemble à la bande son d’un film de cinéma. Le guitariste explore avec bonheur de nombreux champs musicaux aussi étonnants, parfois, que la pochette de l’album (une œuvre signée Johanne Goll). Ne nous fions pas à une première impression, car il y a dans cette illustration une variété d’indices, qu’ils soient temporels (le titre pixélisé qui rappelle l’informatique naissante et les premiers jeux vidéos qu’on trouvait dans les bars des 80’s ou son propre nom avec une police bien plus moderne et lissée) ou géographiques avec cette toile qui le représente au milieu d’une route traversant le Grand Canyon et qui rappelle son amour pour le rock américain. Play est un disque qui s’écoute d’une traite et qui donne vraiment envie d’y revenir. Une tournée est prévue pour présenter ce premier album au public, alors, un conseil: déplacez-vous!
Interview TRANK. Entretien le 30 mai 2025 avec Michel André Jouveaux (chant)
Après une première rencontre avec le quatuor au complet pour parler de la sortie de The ropes, le premier album de Trank, puis un entretien avec Johann, leur batteur, fin 2021pour échanger au sujet de la version deluxe dudit album, c’est aujourd’hui avec Michel, l’intarrissable chanteur, que nous parlons (entres autres sujets) du second album, The maze, et de sa sortie en version vinyle. Il en a des choses à raconter!
The ropes remonte à fin 2020. Depuis, The maze est sorti fin 2024 ; quels retours en avez-vous eus ?
Les chroniques ont été très flatteuses jusqu’ici, toutes… Après, j’imagine qu’il y a des gens qui ont écouté cet album, l’ont trouvé tellement nul qu’ils n’ont pas voulu écrire à son sujet, mais on a eu des chroniques extraordinaires, et les chansons de l’album passent très bien sur scène, ce qui est un bon test pour nous. On passe beaucoup de temps à les peaufiner en studio – on est légèrement maniaques du son, de la production, on veut sortir des chansons dont on pense qu’elles sont les meilleures possible. Mais le but, c’est de les jouer sur scène. Les chroniques et l’accueil des chansons sur scène sont incroyablement positifs.
Si on se parle aujourd’hui, c’est parce que vous sortez maintenant une version vinyle de cet album. Déjà, pour The ropes, vous aviez sorti quelques mois plus tard, une version double de l’album avec un second CD de vos titres réarrangés par d’autres. Y a-t-il, avec cet album, des choses particulières ou doit-on arrêter maintenant cette interview ?
(Il explose de rire) C’est un vrai rêve de gosses pour nous ! Deux d’entre-nous sommes très fans du format vinyle… On aurait déjà voulu le faire pour The ropes, mais c’était un peu compliqué pour plein de raisons, pour la supervision… The ropes, c’est un album de 52’, qui est une durée batarde. Si on met plus de 44, 45’ sur un vinyle, la qualité du son s’en ressent vraiment. Au-delà de 50’, la dynamique est bâclée, le volume général est assez bas…
Et c’est trop court pour faire un double…
Voilà, et faire un double, ça coute deux fois plus cher. Ou alors, il fallait qu’on retire une chanson ou deux mais c’est comme te demander lequel de tes enfants tu veux mettre sur EBay ! A l’époque, on avait discuté et la sortie du vinyle n’était pas une priorité. Il y a beaucoup d’artistes, d’ingé sons… qui sont venus nous voir en nous disant qu’ils voudraient bien remixer tel ou tel morceau, en faire autre chose, de l’électro, de l’indus. On a priorisé ça et on a laissé tomber le vinyle, ce qui pour moi était un crève-cœur, mais il faut faire des choix. Du coup, quand on a attaqué ce nouvel album, je leur ai dit : « Ok, les mecs, mais on fait 44’ maximum ! Comme ça, on pourra faire le vinyle ! » (rires) Ça a entrainé un processus de sélection d’autant plus brutal pour savoir quels titres se retrouveraient sur l’album mais ça nous a permis de le sortir en vinyle. On en est très contents, d’autant plus qu’on a été très bien entourés pour la sortie de cet album, en particulier par Andy Van deck qui a fait le mastering. Il travaille à New York, il est très réputé en matière de mastering – il s’occupait notamment de celui de Porcupine Tree avant que ce soit Steven Wilson qu’i s’en occupe lui-même. Il est aussi réputé pour la qualité de ses mastering pour des albums vinyles, et quand il a masterisé l’album, il l’a fait en plusieurs versions : une version CD, une version plus haut débit pour le numérique, et une version pour le vinyle. La raison pour laquelle le vinyle sort un peu plus tard que le CD, c’est qu’on voulait aussi qu’il soit pressé dans une usine où on avait une garantie de qualité sur le résultat final. Les usines capables de très bien presser, il n’y en a que deux en Europe. Elles ont des listes d’attente assez longues, mais on espère que quand les gens vont écouter l’album, ils se diront que ça valait vraiment le coup d’attendre.
Encore faut-il avoir le matériel pour écouter le vinyle dans de bonnes conditions…
C’est vrai, il vaut mieux avoir une bonne platine… L’intérêt du vinyle, il est là, sans passer par une numérisation du son qui ruine tout. Brancher un vinyle sur une enceinte connectée, non, ça marche pas, c’est un peu comme mettre un moteur de deux chevaux dans une Ferrari…
On n’avait pas eu l’occasion de discuter à la sortie de The maze, alors comment décrirais-tu la musique de Trank à quelqu’un qui ne vous connais pas encore ?
Oh, c’est la question la plus difficile… On a déjà du mal à la décrire nous-mêmes…
Je me rappelle que dans votre communiqué de presse de The ropes, vous aviez mentionné le fait que Deep Purple disait que s’ils se formait aujourd’hui, ils sonneraient comme Trank…
C’est vrai, ils avaient dit ça, c’est extraordinairement flatteur. Après… Je ne suis pas trop certain de savoir ce qu’ils voulaient dire par là (rires), mais ça nous a fait très plaisir. Du coup, ça nous a aussi mis la pression parce que dans le même communiqué, ils disaient à leur public de venir à l’heure, « on les a choisis, ils sont bien ». Donc, on s’est pointés, et là où d’habitude, en tant que première partie, tu commence à jouer avec une salle à moitié vide qui se remplit quand tu joues, on est monté sur scène à la Riga Arena, et la salle était blindée avec 16.000 personnes ! Des gens qui étaient là, les bras croisés, genre « vas-y, montre-moi ce que tu fais, on est venus pour ça… » Heureusement, ça s’est bien passé mais ils nous avaient bien mis la pression quand même (rires).
Revenons à ma question : comment tu décrirais la musique de Trank ?
La plaisanterie qu’on faisait au début, c’est de dire que c’est un peu comme si Soundgarden et Depeche Mode faisaient un bébé. Mais c’est un peu ça, il y a une base hard rock assez typée 90’s qu’on trouve dans la plupart des morceaux, avec une colonne vertébrale axée sur un gros riff, et des choses plus proche du rock alternatif, façon Muse des grandes années. Il y a cette base qui se mélange avec une influence post punk. Je suis le plus grand fan de Depeche Mode parmi les gens que je connais, et, forcément, ça s’entend, dans la façon d’utiliser l’électronique, par exemple. Là où les deux références se retrouvent, c’est dans ce qu’on trouve intéressant chez eux, cette capacité à composer de la musique avec une certaine noirceur et un côté très accrocheur et entrainant qui fait que tu rentre dedans immédiatement. Et ça, ça nous parle. A l’époque de The ropes, un chroniqueur avait commencé sa chronique en écrivant « gros son et émotions fortes », et ça nous va complètement. On ne fait pas de la musique extrême, avec du bruit non stop et des hurlements continus, on aime l’idée de susciter de l’émotion chez les gens. Le travail sur le son aussi est important. Mélanger des parties de guitares qui alternent entre une forme de puissance et une richesse de textures, d’ampleur d’atmosphère, avec de l’électronique va amplifier le côté « cinématographique » de la musique. Le fait d’avoir une rythmique basse batterie apporte aussi cette puissance et ces nuances. Johann, notre batteur, c’est le fan ultime de Toto, et a priori, tu ne va pas trouver cette référence chez la plupart des batteurs de metal ou de hard rock, souvent plus dans un style « tape-dur ». Cette étiquette de « gros son émotions fortes », ça nous va bien. Quand tu lis les chroniques de l’album, on cite un nombre de références incroyable. Certains ont parlé de A Perfect Circle, Nine Inch Nails, Disturbed, dont on avait aussi fait la première partie… Tout un tas de noms très flatteur, et ce que tous ces noms ont en commun, c’est une certaine façon de combiner une énergie intense avec une mélodie tout de suite accrocheuse. L’identité de Trank, c’est un peu ça.
On est d’accord que Trank ne se contente pas d’un style et puise dans de nombreuses références (il acquiesce). Si tu devais ne retenir qu’un seul titre de The maze pour définir ce que Trank est aujourd’hui, ce serait lequel ?
C’est une très bonne question ! Comme ça, au débotté, je te dirais Miracle cure qui est une chanson qui résume pas mal la personnalité du groupe. Pour moi, c’est peut-être celle qui nous résume le mieux, d’abord parce qu’elle a ce côté accrocheur et sombre, elle est sur un mid tempo assez lourd et elle mélange des moments de très forte intensité au niveau guitare et voix – on se rapproche du metal, souvent – avec des moments qui relèvent beaucoup plus d’une forme d’électro planante. Et puis, il y a un passage inattendu, qui marche très bien sur scène, c’est quasiment du rap. C’est plus de la parole rythmée que du chant. Le résultat donne quelque chose de très cohérent et qui, pour nous, sonne comme un mini film de 4 ou 5’. Il résume assez bien tous les contraste qu’on peut trouver dans notre musique.
Je reviens sur ce mot de « contrastes ». C’est quelque chose qu’on retrouve sur les deux versions de votre premier album (l’original est blanc, la seconde édition rouge et noire) que sur The maze avec ce labyrinthe sombre traversé par ce couloir de lumière.
La notion de contraste et de paradoxe dans la musique et dans l’image est très intéressante pour nous. J’aime beaucoup l’idée d’écrire des chansons qui vont traiter de sujets par définition assez lourds, mais de chercher transformer ce matériau en quelque chose qui permette d’établir une connexion avec les gens. Il y a un côté « alchimie » dans la musique que j’aime beaucoup. Même si on n’est pas tous angoissé au même niveau dans le groupe, àA un moment ou un autre, tu vas forcément plonger au tréfonds de ton estomac, ressortir une espèce de nappe de goudron a=et toutes les saloperies – la peur, la colère, l’angoisse, l’anxiété – et tu en ressors quelque chose de particulier, surtout dans le chant. Je me trouve très privilégié dans la mesure où je peux faire ça. Tu transformes, tu transmutes tes propres angoisses en quelque chose de positif, et c’est quelque chose que les gens ressentent, ce qui crée une connexion entre eux et toi. Ce contraste est au centre de tout. De manière générale, dans le contraste on trouve les nuances. On aurait tous 22 ans, on ferait la musique qui correspond à l’âge, on serait peut-être plus monolithique, monocorde ou monocouche. On est tous passés par là, et on recherche maintenant cette notion de contraste. Oui, elle est au cœur de tout ce qu’on fait.
On sait aujourd’hui qu’un groupe de rock, qui plus est français, ne vit pas, ou très difficilement de sa musique. Quelles sont vos métiers autres ?
On a des métiers très variés : David, qui est un gros costaud, fait de la sécurité privée, Johann fait du marketing dans une grosse société, ce qui était aussi mon cas jusqu’à il y a une dizaine d’’années, maintenant je suis indépendant, consultant en stratégie le jour et musicien la nuit, et j’ai aussi une boite de musique de pubs, ce qui fait que j’ai trois métiers ! Pas toujours facile à gérer… Emma, notre manageuse, travaille pour une concession automobile à Genève. Arnaud est informaticien et Nico est financier. On a tous des métiers, et des familles, et on considère Trank comme un métier… qui nous coûte de l’argent et qui est financé avec nos autres métiers ! On fait Trank par passion. La dernière chose qu’on veut entendre c’est « si voulez que ça se vende, que votre clip soit diffusé, il faut faire ci et ça ». on a la chance de pouvoir faire les choses comme on le veut sans avoir à se demander si ça va se vendre ou pas.
On en a vu des artistes qui se sont fourvoyés parce que leur management ou label leur disait quoi faire et le public n’a pas répondu présent… Trank c’est un groupe de rock. Le rock, c’est aussi la scène. A quoi faut-il s’attendre avec Trank en concert ? Va-t-on pouvoir vous voir un peu partout en France ?
Oui… On aime beaucoup jouer dans les festivals, on vient d’en enchainer trois d’affilée, et il y en a quelques-uns qui arrivent cet été. On y croise des gens qui sont exactement comme nous, des mordus qui font ça par passion, pas pour s’enrichir. On se retrouve à jouer pour des gens très demandeurs de musique. On aime beaucoup jouer dans ce contexte-là aussi parce que les gens qui organisent ces trucs deviennent rapidement des potes. On a le même virus, et ça crée des liens.
Mais en dehors des festivals, vous allez visiter les villes de France ? Il y a des gens qui se déplacent aussi en clubs…
Alors laisse-moi dire ceci : appel aux bookers et aux tourneurs ! Nous, on va là où on nous demande, la seule contrainte, c’est que maintenant, on est 6 sur scène. L’album, on l’a fait à trois, puisqu’on a eu un gros changement de line-up puisque Julien (guitare), avec qui j’avais cofondé le groupe a décidé de se consacrer à sa vie perso, le rythme de Trank n’était plus compatible avec sa vie. Il a participé à trois chansons sur l’album, mais on l’a fini sans lui. Mais maintenant, sur scène, on est six : Emma, notre manageuse, joue des claviers et s’occupe des samples, Arnaud, notre nouveau bassiste qui nous a été recommandé et qui partage à la fois notre éthique de travail, notre niveau d’exigence et notre sens de l’humour de débiles… et on a un second guitariste, Nico, qui était avec moi dans un groupe de reprise. On voulait un son plus étoffé sur scène, ce qui implique d’avoir deux guitares. Lui et David se répartissent les guitares, on n’a pas de lead ou de soliste, chacun joue en fonction de ce qui lui correspond le mieux. Donc on est six, et la logistique est forcément plus compliquée. Et on met un point d’honneur à essayer de répondre positivement à toutes les demandes, mais ce n’est pas toujours possible… Après, à quoi s’attendre ? Sur scène, la formule est proche de ce que tu trouves sur album, l’esprit musical ne change pas. Si sur album l’équilibre entre noirceur et lumière est de 60/40, sur scène, c’est l’inverse, l’intensité est là mais on communique beaucoup avec le public, on fait beaucoup participer les gens.
On parle de contraste, mais il y a aussi un point commun à vos deux albums qui entraine une question sur le prochain : ils commencent par l’article « The » (il rit). Le prochain va aussi commencer ainsi ?
C’est vrai ! Je ne sais pas… J’ai plaisanté l’autre jour en disant que le prochain s’appellera The end, comme ça il y aura « The » dedans et on aura encore une lettre en moins – cinq, quatre puis trois ! En fait, le titre de chaque album est venu du lien thématique qui unit la presque totalité des chansons. Un lien pas intentionnel, à la base. C’est moi qui écris les paroles, et je les écris à la fin. On travail un instrumental ensemble, que je laisse, comme en cuisine, « je réserve », quelques semaines ou jusqu’à 5 ans… A un moment, je ressors le morceau et je cherche dans mon bloc note l’idée qui pourrait coller, sur la rythmique ou autre. A partir de là, le texte et la mélodie vocale s’écrivent autour de ce thème. Pour les deux albums, au bout de cinq ou six chansons écrites, je me suis rendu compte qu’elles étaient liées par un thème commun. Dans The maze, c’est la quête de l’identité. C’est un thème qu’on retrouve partout, il y a une obsession identitaire, tant dans les discours de la gauche que de la droite, d’ailleurs, qui n’a jamais été aussi forte et, paradoxalement, il n’a jamais été aussi difficile de trouver sa propre identité et de l’affirmer. On reçoit tellement d’injonctions contradictoires qu’on ne sait plus où aller… on vit une époque où les gens doivent, ils ne sont pas encourager, ils sont forcés de se définir non pas en fonction de ce qu’ils font ou accomplissent, ce qu’ils créent, mais en fonction de qui ils sont, que ce soit une origine ethnique, réelle ou supposée, une appartenance religieuse, réelle ou supposée, un propos qui suffit à les définir « entièrement » et à les réduire dans l’esprit de gens qui sont les premiers à les juger et les condamner… Tu dois naviguer en permanence dans cette espèce de tir de barrage d’injonctions contradictoires sans vraiment jamais savoir ce qui va passer ou pas dans l’affirmation de ton identité. En plus de la pression naturelle imposée aux enfants et aux ados… The maze, c’est ça, ce labyrinthe intérieur et extérieur dans lequel on se trouve aujourd’hui avant de pouvoir répondre à cette question fondamentale : « qui suis-je ? » Elle est beaucoup plus complexe que cette vision simpliste, manichéenne, binaire – le mot qui tue ! – on met les gens dans des cases d’une manière simpliste, c’est effarant !
Quelle pourrait aujourd’hui être la devise de Trank ?
C’est une question, un exercice que j’aime bien qui m’évoque Depeche Mode qui, à une certaine époque prenait une phrase tirée de son contexte, issue d’une chanson et qui était imprimée en bas de la pochette et qui résumait un peu l’album… une devise pour Trank ? Il y en a plein de possible, celle qui me vient à l’esprit tournerait autour de – allez, je vais faire le vieux con – je vais citer Yoda : « fait ou ne fait pas ». On est très jusqu’au-boutistes dans le groupe, on est très exigeant sur notre façon de faire les choses. Être passionné c’est en soi une bonne chose. On vit dans un monde où il y a une sorte de fénéantise, d’apathie, un monde post téléréalité qui depuis 20 ans te montre que le meilleur truc à faire c’est de reste assis en espérant qu’une équipe de télé débarque pour démontrer à quel point tu es extraordinaire ! Pour nous, nous sommes tous des passionnés, l’idée c’est de faire ce que tu fais à fond.
As-tu quelque chose à rajouter avant de terminer ?
Oui, on parlait de la sortie de l’album en vinyle. S’il y a des gens intéressés, le meilleur moyen de se le procurer, c’est d’aller directement sur le site trankmusic.com. Je crois qu’il reste aussi quelques copies du premier album, plus beaucoup, mais il en reste. On parlait de passion il y a deux minutes, et je crois que, ce qu’i y a de plus gratifiant pour nous, en studio ou sur scène, c’est qu’on rencontre des gens aussi mordus que nous. La musique n’est plus le phénomène de masse culturel que c’était quand on était gosses, et ça fait d’autant plus plaisir de connecter avec des gens qui écoutent notre musique. C’est une des choses les plus incroyables et on a vraiment le privilège de faire ce qu’on fait !
En 2023, Praetor avait frappé très fort avec son premier album auto nommé. Un thrash furieux du genre qui fait mouche. Alors la sortie de The spiral of addiction est forcément source d’impatience. Dès le morceau titre, après une intro douce et rassurante, le quatuor rentre dans le vif du sujet. Le ton rageur de Hugo Centeno (chant et guitare) est parfaitement soutenu par la furie, déjà remarquée, de sa co-six cordiste Noémie Bourgois qui sait ce que lier vélocité et précision signifie. Ca speede avec une remarquable efficacité. Et quand Praetor décide – enfin? – d’appuyer sur l’accélérateur, ça donne Carefully selected, aussi épuisant de vitesse et de brutalité qu’apaisant dans ses breaks lourds au tempo ralenti – cette rythmique déterminée concoctée par le batteur Alex Guignard et le bassiste Sébastien Gouttes, simplement impeccable! Les grands anciens ne sont certes jamais loin (cette intro à la Slayer sur People pleaser qui s’enfonce dans l’univers de Testament et de Death Angel) et, pour autant, les franco-luxembourgeois posent leur propre identité sonore. Titre après titre, Praetor donne cette furieuse envie de headbanger et de pogoter, même sur le plus « lent » Wicked tongue, un semblant de respiration judicieusement placé à mi-parcours. Explosif de bout en bout, brutal et sans concession, The spiral of addiction pourrait sans doute concourir pour la claque thrash de cette première moitié de 2025. En tout cas, se faire une jolie place sur le podium. A suivre de très près.
Un peu de folie electro metal made in chez nous, on y est désormais habitués. Les groupes ne manquent en effet pas, de Herrschaft à Shaârghot et d’autres encore. Doorshan tape pile dans cette catégorie, un discours féministe en plus, un visuel décalé car plus sobre en moins. Bien que défenseur du Girl power, le groupe est composé de trois gars et une fille. Mais c’est elle qu’on entend le plus! Les 7 morceaux de ce +Side (un titre qui aurait besoin de quelques explications, tout comme la pochette, d’ailleurs!) taillent dans le gras sur fond de metal puissant grandement teinté d’électro. Si on ne comprend pas toujours les paroles en anglais de Burnie (également aux keys), le mix avec la langue de Molière proposé par le chant de Sebb est efficace. Doorshan joue sur le terrain des 6:33, Wargasm ou autre Nova Twins, c’est évident. Et il est impossible de ne pas se dandiner, au bas mot, sur les Dans mes ears, Crack, Lights in the dark ou, titre que ne peut qu’approuver Steel Panther (ok, humour scabreux, je sors…) More women on stage. Doorshan signe, avec ce +side, une très encourageante carte de visite qui donne envie d’en entendre plus. A suivre.
Ca fait un petit bout de temps qu’ils trainent, Mainkind. Amoureux du bon gros son hard rock vintage, celui toujours mélodique des 80’s avec ces riffs entêtants et ses airs à chanter en voiture, celui simple et, parfois, quelque peu maladroit, le groupe formé par le batteur Tony Treynel et le chanteur Terry Grumiaux est en effet loin d’être néophyte en matière de rock. « Titi » s’était fait remarquer notamment avec Factor Hate et son show digne d’un Alice Cooper débutant, tandis que Tony a donné la mesure à différents projets dont, si je ne me trompe pas, une des dernières incarnations de Dygitals. Pas étonnant, Hervé, le chanteur de ces derniers n’étant autre que le frangin du batteur. On n’est donc pas non plus surpris d’entendre Hervé donner de la voix sur un bon nombre de titres – il est même chanteur lead sur Paradise. Musicalement, on repart quelques décennies en arrière, avec un certain bonheur. Après une intro de casino, on entre dans le vif du sujet avec un Feelin’ free enjoué. On retrouve le son et l’envie des guitares d’alors (ici tenues par Vince Lawry et Bucky Tannen – un clin d’œil à la famille de roublards et molosses de Retour vers le futur?) et de la partie rythmique (la basse de Nicko Kalifornia, bonjour aussi les pseudos !) qui parfois explorent les univers de l’ouest américain (la ballade I am a man) ainsi que l’esprit du rock US qui fait mouche (cette intro à la batterie sur Right here, right now est digne d’un Alex Van Halen). Toujours rock, parfois heavy (Hang on suzy), ou simplement speedé (Take down easy, Hot girl, bad boy). Les thèmes abordés sont classiques – l’amour, la vie, le rock – et sans surprise. Loin d’être nostalgique, Fool’s game nous replonge sans équivoque dans un lointain passé, avec une envie réelle doublé de ces charmantes maladresses (dont un chant joliment éraillé mais parfois un peu poussif, et certainement sous produit). Mainkind ne réinvente rien, bien au contraire, mais, et c’est là le principal, se fait plaisir de bout en bout et, surtout, a tous les atouts pour faire s’agiter les foules en concert, véritable lieu d’expression de ce genre musical.
Interview STRATAGEME. Entretien le 5 avril 2025 avec Butcho (chant) et Gérard (basse)
Stratagème 2025
Butcho, tu es le « petit nouveau du groupe » puisque tu es le dernier arrivé. Qu’est-ce qui t’a amené à intégrer Stratagème ?
B : C’est eux qui m’ont contacté. Je n’avais plus de groupe, et je connaissais Stratagème de nom, mais je n’avais pas vraiment écouté ce qu’ils font. Je me suis un peu penché sur leur discographie et j’ai trouvé ça vraiment super. Je ne comprends pas comment j’ai pu passer à côté… Super solos de guitares, super mélodies… Je me suis dit « waow, je veux faire partie de ce groupe ! »
Stratagème a été formé en 1970, a une courte discographie, seulement trois albums dont le premier est sorti en 2013…
G : C’est ça, mais ce n’est pas tout à fait exact. Le groupe est né en 1970 mais pendant plusieurs années, on avait un chanteur de folk/variété. Au départ, j’étais chanteur de Stratagème, pas bassiste. On était deux chanteurs : il y avait Robert Belmonte, le chanteur d’Océan, et moi. Au bout d’un an, Robert a souhaité faire une autre carrière qu’avec Stratagème. Moi, j’ai rencontré une personne, Patrick Abrial, en 1975…
Un lien avec Thibault ?
G : Voilà. Avec lui, on a fait deux albums : Abrial Stratagème group, chez Sonopress, et un second, au château d’Hérouville, en 1979. Il y a eu un troisième album, avec Thibault Abrial à la guitare avant qu’il ne joue pour Halliday.
Ce n’était donc pas encore tout à fait Stratagème…
G : C’était Abrial Stratagème, pas tout à fait Stratagème, mais il avait une certaine notoriété et c’était normal qu’on mette son nom en avant. Le dernier album date de 1982, chez CBS.
Il y a un très long gap entre 19882 et votre retour au début des années 2010…
G : Oui. J’ai arrêté Stratagème parce que, en 1984/85, on avait de grosses conditions de travail avec CBS derrière nous. Grosse tournée avec tout ce qu’il fallait, mais finalement Patrick a souhaité arrêter. Donc, en 1985, j’ai mis Stratagème au repos, parce qu’il fallait bien gagner sa croûte. J’ai fait un autre métier en parallèle. J’ai repris la musique en 2007/2008. Entre 85 et 2008, il s’est passé pas loin de 25 ans, j’ai passé un brevet d’État de coach sportif. En 2008, l’ancien guitariste de Stratagème est venu me voir, me proposant de refaire Stratagème, « comme ça, pour se marrer ». Le problème, c’est que quand tu remets le doigt là-dedans… Lui n’a pas pu continuer pour des problèmes de santé, alors j’ai pris Philippe Kalfon comme guitariste, et avec lui on a un peu parcouru la France pendant onze années. On a arrêté juste avant le Covid. J’ai eu des problèmes de santé qui nous ont poussés à arrêter…
Butcho, tu es arrivé quand ?
B : Il y a un an et demi.
Comment est-ce que, l’un et l’autre, vous décrirez la musique de Stratagème à quelqu’un qui ne connait pas le groupe ?
B : Je dirai que c’est du hard rock classique, avec des mélodies, des guitares. On n’a rien inventé mais on le fait avec cœur. Je me mets toujours à la place des spectateurs qui viennent en concert : qu’est-ce qu’ils voudraient entendre et que chanter pour les faire chanter ? Le plus important, c’est de faire participer le public, et c’est ce qu’on fait !
G : Je rejoins ce qu’a dit Butcho… Ce qui est intéressant dans ce nouveau Stratagème, avec Butcho mais aussi avec les deux guitaristes qui sont beaucoup plus jeunes, c’est qu’ils amènent ce côté un peu moderne, metal dans une musique traditionnelle « hard rock années 80 ». L’avantage, aussi, c’est d’avoir une personne comme Butcho – je ne le dis pas parce qu’il est là – c’est quelqu’un qui échange beaucoup avec le public, le fait participer, et je trouve que c’est vraiment intéressant.
B : C’est ça, en fait… Quand je vois des groupes qui sont scène en mode stress, derrière leurs instruments ou qui se prennent un peu trop au sérieux, ça me fait rire parce que ce n’est que de la musique, c’est un partage. Je me sens privilégié de faire de la musique parce que la musique, ça appartient à tout le monde. Une fois qu’on a créé les morceaux, ils ne nous appartiennent plus, c’est à tout le monde. C’est pour ça que j’aime communiquer, qu’il y ait un véritable échange, et les gens le ressentent quand je suis sur scène… Je m’éclate vraiment, tout le monde s’éclate, je ne me prends pas au sérieux. Même à l’époque de mon ancien groupe, Watcha, je ne me suis jamais pris au sérieux, je me suis toujours amusé. Je ne me prends jamais au sérieux, ce n’est que de la musique. La musique, c’est de l’amour, du partage…
Ce soir, avec Stratagème sur scène, il faut s’attendre à quoi ?
B : Nous, on a fait des concerts dans des conditions vraiment difficile, avec très peu de gens mais on s’est vraiment amusés. Ça ne fait pas de différence, qu’il y ait une personne ou 10.000, c’est pareil, on se donne à fond, avec cœur, et on s’éclate ! On va pas faire la gueule pour les gens qui ne sont pas venus, on s’en fout, ils ne sont pas là !
G : Ce qui est paradoxal, c’est qu’on a fait en septembre le festival de Mennecy. On est passés en milieu d’après-midi, et Butcho, et Stratagème, s’est mis le public dans la poche, malgré la présence de groupes comme ADX.
ADX connait souvent un regain de jeunesse avec ses changements de line-up…
B : Oui, ils ne sont que deux d’origine, dans ADX, le chanteur et le batteur…
Le public metal peut être très exclusif, mais il est aussi très ouvert.
B : Très ouvert, et tu sais quoi, dans le dernier Ep, on a fait une reprise de Celebration de Kool and the Gang en version metal. On voyait tous ces mecs avec des t-shirts de death metal ou de thrash chanter Celebration avec le sourire en plus !
Ça ne marche pas toujours… on se souvient d’un certain Metallica reprenant L’aventurier d’Indochine, le public a chanté mais ce n’était pas ça…
B : Oui, maintenant Indochine n’a rien à prouver. Je voudrais bien avoir leur public, qui est le meilleur public au monde. Je suis allé les voir deux ou trois fois, le public est fidèle, ils sont toujours là, que ça aille bien ou mal, le public est là. Je dis au public d’Indochine : « Respect »… Vraiment. Après on peut critiquer Indochine…
Si on revenait à Stratagème, plutôt ? Parlons de votre discographie : L’avant dernier album est sorti en 2017, c’est ça ?
G : Alors, c’est un peu particulier. Oui… Non… En 2013, il y a eu notre album du retour, en 2018, Memories, comme le Covid est arrivé, il n’y a pas eu de promo sur cet album toujours avec Philippe Kalfon (note de MP : il doit y avoir une confusion sur les dates, la crise sanitaire ayant débuté en 2020…). Un troisième album est sorti, Never stop, avec le batteur d’origine de Stratagème, c’est lui qui avait créé Stratagème, Michel Laplanche, qui fait partie de FTF music et qui s’occupe un peu de Stratagème maintenant. Il m’avait dit que ce serait bien de sortir un dernier album, et avec mon ami Jean-Pierre Paulet, on avait déjà quelques titres de prêts. On lui a dit qu’on avait du matériel, tout ce qu’il faut, qu’on pouvait sortir un album et que ce n’est jamais fini. Moi, je voulais arrêter parce que, bon… Problèmes de santé, je tiens plus debout, je vois plus rien… Il y a des choses qui ne me convenaient pas : le batteur était trop vieux, le guitariste, ça n’allait pas, le chanteur habitait dans les Ardennes… C’était compliqué. Quand j’ai rencontré Pat Cazu, l’actuel batteur, il m’a dit connaitre un guitariste avec qui il avait joué pendant 10 ans, Marc de Lajoncquière. Il nous a présentés, et je suis tombé sur le cul. Il nous en a présenté un second, Sébastien, et pareil…C’est des pointures, un excellent niveau !
Et comment as-tu rencontré Butcho ?
G : Oh, Butcho, je l’ai rencontré plusieurs fois, on se croisait dans les concerts, on en a fait quelques-uns ensemble… Je le connaissais… Pas intimement, mais…
Après, intimement ou pas, ça vous regarde ! (rire général)
G : Ouais… Après, il est rentré dans Last Temptation, avec Farid Medjane – il faut savoir que j’ai joué deux ans avec Farid dans un groupe qui s’appelle TNT. Un jour, alors qu’ils étaient en tournée avec Scorpions, il m’appelle, ils étaient dans le car et il me dit que Butcho est avec lui. Il me l’a passé, on a discuté, et finalement… Je lui avais déjà proposé de rejoindre Stratagème, il ne pouvait pas et un jour, je le rappelle, je lui redemande et il me dit « oui, pourquoi pas, on essaye ». Tout arrive au bon moment.
Comment, en dehors de tous ces changements de line-up, est ce que l’un et l’autre vous analyseriez l’évolution de Stratagème entre ses deux derniers disques ?
B : En travaille sur le mini Lp, je voulais quand même qu’il y ait les racines des deux albums post Abrial. Qu’on garde l’esprit hard rock mais avec une touche moderne – tout le monde veut apporter son petit quelque chose dans les compositions. Chacun met sa patte, ca ne sera jamais comme « l’ancien » Stratagème, mais on en garde l’esprit.
G : On veut garder les racines de Stratagème, mais on a l’apport de ces deux guitaristes. L’un d’eux est fan de Megadeth, et, naturellement, ça change énormément de choses dans la couleur de notre musique. Le second est beaucoup plus bluesy. C’est un grand musicien, il est premier basson dans le plus grand orchestre philarmonique de Paris. Le hard rock, c’est son kiff ! Il amène ce côté très blues, très bizarre !
B : Je dirai qu’il apporte ses influences, très Guns ‘n’Roses, Myles Kennedy, ce genre de chose…
Butcho, toi, je t’ai toujours connu avec plein de projets, que ce soit Showtime, groupe de reprise des années 80, Last Temptation plus récemment et tout à l’heure, tu me parlais de ton groupe tribute à Scorpions. Il s’appelle comment ?
B : Il s’appelle Scorpians, avec un A.
Qu’a-t-il de particulier, ce groupe ?
B : On voulait faire un vrai tribute à l’américaine, avec les mêmes instruments, les mêmes fringues… On s’est vraiment fait cheir à faire les fringues nous-mêmes, mais on voulait vraiment restituer dans le détail la tournée de 1985. D’ailleurs, on reprend les mêmes structures que sur World Wide Live, on reprend jusqu’aux chorégraphies…
Même les pyramides humaines ?
B : Les pyramides et le reste, il y aura tout !
On a des chances de vous voir tourner un peu partout ?
B : Pour l’instant, non, pas partout. On cherche un bon booker, et la première date sera à Mazingarbe, dans le Nord, le 20 juin. Ce sera ne date test, la première de Scorpians. C’est vraiment pour le fun, on fait en sorte de le faire bien.
Comment avez-vous été invités à ce concert,ce soir ?
G : C’est quand FTF a publié la dernière video de Stratagème… Chris Danacker (président de l’asso Crick for Zik et organisateur du Crick Fest) l’a vue, il a appelé FTF et il leur a dit qu’il voulait absolument Stratagème pour cette édition. Tout simplement… J’avais entendu parler du festival, Sortilège, que je connais bien, avait fait salle comble l’année dernière. Je me suis dit que si Sortilège avait joué ici, ça devrait le faire. On a quelques projets avec Chris, j’apprécie beaucoup sa façon de travailler et de penser…
Voilà une intrigante étrangeté… Paddang, trio formé à Toulouse en 2020, déboule avec un second album, Lost in Lizardland, barré de bout en bout (le premier, Chasing ghosts date de 2023). Clairement, il faut les suivre les gars! Ils nous entrainent sur les trace de Moros, sorte d’involontaire héroïne qui se réveille dans un monde radicalement différent de celui que l’on connait et qui se met en quête de quoi exactement? Les 8 titres puisent autant dans le psychédélisme des années « acide et amphèts » chères à Hawkwind ou King Crimson que dans les plus récentes périodes aujourd’hui nommées stoner. Les sonorités spatiales – et spéciales – côtoient quelques fulgurances audacieuses. Le résultat est un ensemble varié qui étonne toujours. Lost in Lizardland nécessite plusieurs écoutes pour être totalement digéré, mais s’écoute en une traite avec plaisir. une jolie découverte.
