SAXON: The eagle has landed – 40 live

Heavy metal, Angleterre (Silver lining, 2019)

Saxon est sans doute plus fidèle à ses fans que ses fans ne l’ont été au fil des décennies. Le groupe de Biff Byford (dont la santé semble retrouvée et qui proposera en février 2020 son premier album solo) tourne inlassablement, enregistrant de nombreux témoignages. Alors que le groupe de Barnsley célèbre cette année 40 ans de carrière, Silver lining a publié au milieu de l’été ce superbe triple album qui reprend la série des live d’origines: The eagle has landed 40 live. Trois CD  regroupant la bagatelle symbolique de 40 titres enregistrés lors de divers concerts et festivals entre 2007 et 2018 (chaque CD couvrant respectivement les périodes 2007-2011, 2013-2014 et 2015-2018). Si ce nouveau live renferme évidemment les indispensables classiques des années 80 (principalement sur le second CD avec un gros morceau du Wacken de 2014 doté d’orchestrations symphoniques),  l’album se concentre aussi sur les réalisations les plus récentes du groupe, depuis son retour en force depuis Lionheart en 2004, et plus encore depuis le retour à la stabilité du line-up en 2007, année de sortie de The inner sanctum. Mais on n’en veut pas à Saxon de zapper quelque peu les « années sans » tant sa carrière est riche et Saxon très en forme ces dernières années. Le groupe reste même une des plus sûres valeurs du circuit. Normal, me direz-vous, ce n’est pas au vieux singe qu’on apprend à faire la grimace. Quiconque a vu Saxon live sait quelle claque on peut prendre, et cette compilation est là pour nous le rappeler. 40 titres donc pour 40 ans de bons et loyaux loyaux services avec une seule incartade (qui aurait presque pu être proposée en bonus): une reprise de Ace of spades de Moörhead interprétée en compagnie de Fast Eddie. Un morceau qui sonne comme un hommage. Saxon, un des derniers monstres sacrés de la planète Heavy metal? Cela ne fait aucun doute!

RAGARAJA: Egosphere

Metal progressif, France (Autoproduction, 2019)

Démarrant avec une instrumentation digne de films de SF ou d’heroic fantasy, au choix, Ragaraja entre dans le vif du sujet avec Premier souffle. Et là, ça déménage sévère! Heavy, double grosse caisse en avant, le titre est saccadé. Euryale hurle ses paroles et les vomissant à la face du monde. Sa colère (soit disant contenue – cf. l’interview du groupe) semble constante. Pourtant, le groupe distille nombre de jalons intrigants tout au long de ses titres. La puissance est toujours présente, mais doublée de références orientales, indiennes, de guitares saccadées, de breakdown et de touches plus légères. Ragaraja propose un mélange judicieux de metal progressif, extrême et léger à la fois, teinté de death et de djent. Un peu de chant clair donnerait peut-être une autre efficacité à la musique des Parisiens. Egosphere reste cependant un album surprenant qui sort des standards du genre. Pas étonnant que le groupe se retrouve en ouverture de Sidilarsen à Paris le 23 novembre.

JAN AKKERMAN: Close beauty

Progressif, Pays Bas (Music theories recordings, 2019)

Jan Akkerman est un guitariste de jazz/prog/fusion né en 1946 à Amsterdam. Il s’est distingué en faisant notamment partie de Focus avec qui il a connu un certain succès. Depuis, il enregistre encore et toujours, sous son nom ou en tant que musicien de studio. Avec Close beauty, son nouvel album, il démontre tout son savoir faire en matière de jazz progressif. Il m’est difficile de coller ici le terme de rock tant le musicien se laisse guider par ces construction particulières et si chères au jazz. Si l’on ne peut rien dire techniquement – le jeu de Jan est doux et léger, rapide et fluide – si des morceaux comme Spiritual privacy ou Beyond the horizon, qui ouvrent cet album, ont tout du prog avec leurs plus de 7′ (je sais, ce n’est pas à la durée qu’on reconnait le prog, mais c’en est une des caractéristiques, non?), je ne trouve guère de variété au cours de ces instrumentaux assez… contemplatifs, voire répétitifs. Le toucher est certes impressionnant, mais je ne parviens pas à accrocher sur la durée. Trop instrumental pour moi, sans doute, malgré cette intrigante relation avec la France que forme le triptyque Meanwhile in St. Tropez, French pride et Fromage. Mais d’où sortent ces nom de morceaux (même si le bougre a enregistré un Fromage à trois il y a 10 ans…) Bien fait certes, mais simplement pas assez rock pour moi. Les guitaristes apprécieront cependant.

OLD ‘N’ GLAM: Ten shades of glam

Hard rock, France (Autoproduction, 2019)

Ce n’est pas au vieux singe… Avec Ten shades of glam, les Français de Old’N’Glam  prouvent que chez nous, aussi, on est capables de proposer du gros son sur fond de hair metal. Certains diront que dans ce créneau, il y a déjà, entre autres, Blackrain. Oui, simplement, Old’N’Glam est plus 80’s tant dans son son que dans les thématiques abordées par les Savoyards. Be nice and shut up, introduit par une nana genre pétasse qui s’excite avec on ne sait quoi, déborde de grosses guitares, bien grasses et au riff couillu. Le chant, rauque, puissant et éraillé (on ne regrette que de ne pas bien comprendre l’anglais de Xavier), la rythmique directe, tout semble réuni pour séduire l’amateur de heavy glam des années 80. Plus proche sans doute d’un Mötley Crüe que d’un Twisted Sister, Old’N’Glam fait cependant preuve d’une vraie maîtrise instrumentale. De Doctor Love – rien à voir avec Kiss – à l’inquiétant Devil inside you, les dix titres -répartis, à l’ancienne, en deux faces – en passant par la ballade obligatoire du genre (The unloved symphony) ou les titres plus rock (Who wants to be a millionnaire) ou heavy (Now or never, Stronger) ou le clin d’oeil à Steel Panther (72 virgins) entraînent l’auditeur sans jamais le lâcher. Si les années 80 sont omniprésentes, le son est résolument moderne et la production efficace. Et puis, on admire aussi les illustrations totalement en phase avec le titre de l’album (inspiré d’un certain roman?) et plus encore, le portrait central qui va faire se pâmer d’extase des milliers de filles à travers le monde devant ces hunks surfeurs de LA! Rock on guys!

Amateurs, si vous ne l’avez déjà, vous pouvez soutenir Old’N’Glam en faisant un bon geste: acheter cet album sur le site du groupe (suivre ce lien)

THE FAIM: State of mind

Australie, Rock (BMG, 2019)

Quand on parle de rock australien, on pense souvent à Airbourne pour les plus récents des hard rockers, à AC/DC, The Angels, Rose Tattoo pour la partie historique la plus rock, à INXS ou Midnight Oil pour le rock plus pop ou au Easybeats pour nous faire autant aimer le vendredi. On pourrait ajouter aussi le disco des Bee Gees ou le torturé Nick Cave. Bref, l’Australie est terre de musique et de rock. The Faim, quatuor arrivant de Perth, pourrait rejoindre cette grande famille grâce à son premier album, State of mind. Composé de 10 chansons qui piochent dans divers univers musicaux, The Faim se positionne dans ce que l’on pourrait déterminer comme du soft punk ou du heavy pop. Les mélodies douces font penser au Blink 182 le plus récent, et si l’on creuse un peu, l’auditeur note des traces tant de jazz que de rock (un peu) plus énervé. Les guitares évoquent parfois une rencontre entre U2 et Metallica. Cependant, les aspects popisants omniprésents freinent quelque peu l’énergie que le groupe pourrait développer. State of mind est un album passe-partout, aux formules déjà entendues qui ne me marquent pas particulièrement. Les mélodies sont sympa, cependant, aucune ne s’insinue dans mon esprit. Il manque selon moi une touche de rage ou d’énergie pour me donner envie de réécouter ce disque dans la foulée. Dommage, car il y a de belles intentions mais cet album a un goût d’inachevé…

STEEL PANTHER: Heavy metal rules

Hard rock, USA (Autoproduction, 2019) – sorti le 27 septembre 2019

Voici des années que Steel Panther nous propose le même plat: une parodie de tout ce qui fit les grandes heures du glam ou hair metal US des années 80. De grosses guitares, une voix en or, des mélodies au petit soin pour le déhanché de tout un chacun. Et bien sûr, Steel Panther ne serait pas Steel Panther si le groupe ne parlait pas que d’une seule chose: de sexe et de ses dérivés. Bite, couilles, cul, chatte et nichons sont une nouvelle fois passés en revue sous tous les angles possibles. On aurait pu croire que Steel Panther avait fait le tour de la question mais non. Michael Starr étonne encore avec sa poésie obsessionnelle et ce dès le premier titre. Mais d’où sort-il tous ces délires? Tous les clichés y passent, de la guitare sleaze au gros riff qui tâche, en passant par la ballade Always gonna be ho. On ne s’amuse pas à compter le nombre de « Fuck » prononcés tout au long de l’album – c’est l’avantage de s’autoproduire, SP échappant à une certaine censure tellemeent bienséante et moralisatrice qu’elle lui collerait automatiquement un gros sticker Parental advisory sur la gueule.  Alors, non, on n’est pas surpris. Steel Panther ne présente absolument rien de nouveau avec ce cinquième album. Mais c’est tellement bien foutu qu’on se laisse prendre au jeu. Et personne ne peut ôter une chose aux Américains: Michael Starr est un grand chanteur, Satchel un super guitariste, Lexxi Foxx un excellent bassiste et Stix Zadina un batteur d’une redoutable efficacité. Et puis, d’autres se répètent bien depuis des décennies sans que personne ne trouve rien à y redire. C’est ce que le public attend de Steel Panther qui ne se fait pas prier pour lui offrir sur un plateau de luxure. Reste une question: le groupe sera-t-il capable de se renouveler en concert? Pour l’instant, continuons de nous amuser avec Heavy metal rules!

JOE BONAMASSA: Live at the Sydney opera house

Blues rock, USA (Provogue, 2019) – Sortie le 25 octobre 2019

Il est inusable, infatigable, ce Joe Bonamassa… Tout est bon pour offrir à son public un nouvel album. Studio ou, plus souvent pourrait-on croire – live. Et ce qui est extraordinaire, c’est que ses offrandes ne se ressemblent pas. Le chanteur guitariste au doigté unique ne se répète jamais et profite donc de la richesse et de la variété de ses concerts pour les immortaliser. Live at the Sydney opera house fait suite à British Blues explosion (2018) et, contrairement à ce dernier se concentre presque exclusivement sur Blues Of Desperation, paru en 2016. Il y a pourtant eu un autre album depuis, Redemption en 2018, mais… ce disque concert date en réalité du 30 septembre 2016. Ce « nouvel » album live a donc été enregistré dans ce superbe hall de de Sydney originellement construit pour y abriter des opéras. Loin de l’univers du blues et encore plus éloigné de celui du rock. Cependant, nombre de musiciens aiment aujourd’hui se produire dans ces lieux qui, eux, les accueillent avec bonheur également. Joe Bonamassa se concentre donc sur son avant dernier album studio et revisite ses propres morceaux au travers de soli improvisés. Sur les 9 chansons que compte Live at the Sydney opera house, 7 sont extraites de Blues of desperation. Reste Love ain’t a love song, originellement paru sur Different shades of blues en 2014 et sa version de Mainline Florida, reprise du morceau que Clapton enregistra en 1974 et que Bonamassa nous avait déjà proposé sur son British blues explosion live de 2018. Démarrant sur les chapeau de roues avec le plus qu’entraînant This train, le chanteur repositionne son blues avec Mountain climbing. On sent le public entièrement acquis et totalement réceptif, admiratif de chaque intervention – donc nombreuses – du six cordiste qui ne laisse jamais retomber la tension. Bien sûr, cet album fait l’impasse sur nombre de titres interprétés lors de ce concert, mais les absents sont principalement des reprises, qui feront sans doute l’objet d’une autre édition ou d’un album différent. Pour l’instant, délectons nous simplement de ces 9 interprétations sublimes d’un des derniers géants du genre.

 

TRUST: Fils de lutte

Hard rock, France (Verycords, 2019)

Malgré une carrière en forme de montagnes russes, Trust reste une des valeurs sûres du hard rock français. Aujourd’hui plus rock que hard, d’ailleurs, ce que Bernie a toujours clamé haut et fort. Depuis les retrouvailles avec Nono et l’enregistrement du remarqué Europe et haines en 1996, Trust a trouvé une nouvelle voie musicale, franche et directe. Cette voie s’est retrouvée sur l’album « interdit » paru en 2000, le splendide Ni dieu ni maître, et bien plus récemment sur Dans le même sang, le dernier album en date du gang paru seulement l’an dernier. Un an seulement sépare deux albums studios de Trust! Comme à ses débuts, en somme. Et Trust nous l’avait prouvé lors de sa dernière tournée qui a sillonné la France, en passant, enfin, par le Hellfest: le groupe est en forme. La niaque est bien présente alors tant qu’à faire, « battons le fer tant qu’il est chaud ». D’autant que, engagé comme toujours, la période est propice pour nourrir la colère de Bernie. Fils de lutte propose aujourd’hui 12 titres, parfaitement mis en son par Mike Fraser. De Portez vos croix à Delenda, chaque titre fonce droit au but. Le verbe haut, Bernie continue de dire ce qu’il a a dire, sans détour. On sourit avec Miss Univers, qui a tout de la diatribe anti Macron, on approuve cette vérité que l’on veut cacher qu’est « la saloperie humaine, on n’en fera jamais le tour » sur Y’a pas le feu mais faut brûler, les éternelles excuses trouvées par tout un chacun sur C’n’est pas ma faute. Bernie est vindicatif, et il y en a pour tout le monde, de la droite qu’il exècre à la gauche qu’il ne tiens pas – plus – en très haute estime. Les gilets jaunes alimentent d’ailleurs une bonne partie de l’album, eux désignés par Bernie comme « le peuple des ronds-points », et illustrés dans le masque à gaz de la pochette. Avec Fils de lutte, Trust démontre simplement être très en forme. D’ailleurs, ça fait combien de temps qu’un batteur n’a pas joué sur deux albums successifs de Trust? De mémoire, ça doit remonter à… 1979 et 1980, soit les deux premiers méfaits. Ici, c’est encore plus fort puisque c’est le line-up même qui reste inchangé! Un bel exploit, rarissime, donc qui semble montrer que le groupe a trouvé un juste équilibre. Il le prouve tout au long de ces 12 titres finalement imparables composés en quelques semaines et enregistrés dans l’urgence en 3 jours. A l’ancienne, afin de garder une certaine spontanéité. C’est réussi.

BLACK STONE CHERRY: Black to blues 2

Hard rock, USA (Mascot records, 2019) – Sortie le 18 octobre 2019

Black Stone Cherry, les fans le savent bien, est composé d’amoureux de rock et de blues. Après un premier Black to blues, Ep paru en 2017, très axé sur l’oeuvre de Willie Dixon on s’attendait à voir un second volume apparaître.  Les Américains reviennent aujourd’hui avec un second volet, Black to blues 2, toujours sous le format Ep, en revisitant plus d’artistes. Démarrant avec une énergique version du Big legged woman de Freddie King, Chris Robertson et sa bande continuent avec le classique intemporel du légendaire Robert Johnson, Me & the devil blues avant de revisiter l’un des titres les plus connus d’Otis Rush, All your love (I miss loving). A mi parcours, BSC se montre plus curieux; Musicalement, ben… Quand une chanson est bonne, si les interprètes sont bons, la chanson reste bonne, quelle que soit la moulinette à laquelle on la passe. Ici, le son est plus moderne et plus dynamique, et la voix de Robertson colle parfaitement à ce blues plus que quinqua. Le groupe s’amuse tout autant avec Down in the bottom, création originale d’un des maîtres du genre, Howlin’ Wolf, avant de s’attaquer au Early one morning d’Elmore James, déjà très déjanté et ici légèrement « punk ». Le disque se termine sur Death letter blues, de Son House. En continuant d’explorer et de revisiter ces chansons à sa sauce, Black Stone Cherry permet à chacun de (re)découvrir un pan parfois oublié de l’histoire de la musique américaine. Et de se rendre compte de ces tripes qui ont, depuis des décennies, fait bouger les foules. Black to blues 2 est un intermède entre deux albums d’un des plus sympathiques groupes d’outre-Atlantique. Et si le groupe trouvait-là un rythme de croisière album original, Ep de reprises?

PARPAING PAPIER: Tester des casques

France, Rock, Punk et Heavy (Real Marty, 2019)

Parpaing Papier, c’est un peu de fraîcheur apportée dans notre univers musical aux décibels parfois un peu trop uniformisés. Les Français s’efforcent de porter une certaine forme de ridicule au niveau d’art. Tester des casques? Ben voilà, tout est dit dans le titre de cet Ep de 5 chansons… Faut être un peu débile pour vouloir foncer tête baissée contre des murs de planches, de briques et autre matériau pas très mou, non? Cependant, ce « ridicule » des textes (Robinet d’eau tiède qui réinvente la machine à courber les bananes, l’hilarant Champions du patin, Tempête je t’aime) sur fond de rock énervé, le quatuor travaille des textes et des mélodies qui ne visent qu’à emporter l’auditeur sur les chemins de la surprise, de l’étonnement et du fun. Impossible, sauf si on a une âme trop sérieuse pour prêter attention aux petits plaisirs de la vie, de résister, de ne pas sentir un brin de rigolade ou d’euphorie. Et ces textes, pour comiques qu’ils soient, sont travaillés, réfléchis. La rage vocale évoque l’irrévérence du punk, les rythmes et mélodies rappellent le rock indépendant de la fin des 80’s. Il ne fait aucun doute que la famille Papier (Martin au chant, Clo à la guitare, Fa à la basse et Coco à la batterie – d’autres font les choses en famille aussi, les Ramones ou les Telliers) mette un maximum de cœur à son ouvrage, bourré de références (qui vont du Marsupilami au Seigneur des anneaux sont des évidences sur Premières neiges, et plein d’autres littéraires ou musicales se trouvent ci-et-là). En un mot comme en deux, écouter Parpaing Papier c’est comme s’offrir un moment de détente, un sourire accroché au visage tout au long de ces 5 chansons qui dépotent, décoiffent, surprennent. Du fun et du bonheur!