FAT BASTARD: Barely dressed

Belgique, Very Hard Rock (Autoproduction, 2025)

De la pochette au contenu, tout ici évoque le rock crade et direct qu’on écoute dans les bouges enfumés qui puent les relents de cendres froides et de bière tiède. Fat Bastard coche toutes ces cases, et ça tombe bien en ce qui concerne la bière, ils sont Belges! Formé en 2007, nos voisins ont déjà publié deux Ep – Feel the pain en 2013 et Junk yard fest en 2018, plus proche d’un album d’ailleurs avec ses 7 titres… Pas pressés les gars, mais le résultat est là: Barely dressed est un premier album explosif de bout en bout. Après un Never told me her name qui évoque plus les grands espaces des westerns chers à Morricone doublé d’ambiances à la Tarantino, You know you are gone dévoile le jeu du quatuor. Si le groupe n’est pas fan de Motörhead, on se pose des questions! Mais Fat Bastard ne copie pas, il pose sa propre pate sur des riffs et des rythmes puissants, simples et directs qui nous replongent parfois dans une forme de rockabilly (très) énervé. On y retrouve certes l’esprit de la bande à Lemmy toutes époques confondues avec un chant rocailleux Jorn Mazet) et, souvent, une touche punk ainsi que, parfois, un riffing (Jan Sommeryns) à la Fast Eddie (Hammer), mais aussi beaucoup de rage irrévérencieuse (à qui en veut-il avec ce Piece of shit explicite?). On ne sera guère surpris de découvrir un officiel hommage à Maitre Lemmy avec Mister Rock. Barely dressed est sans doute l’album de heavy rock qu’on attendait depuis longtemps, le genre qui ne cherche pas à faire de l’esbrouffe, qui va droit au but avec une monstrueuse efficacité, une rythmique de tous les diables (Geller Van Reeth à la basse et Kurt Pals à la batterie) et qui me donne une furieuse envie de découvrir les précédentes productions. Fat Bastard pourrait-il être à Motörhead ce qu’Airbourne est à AC/DC? En tout cas, la relève est assurée. A découvrir d’urgence et à consommer sans modération. On se fera également plaisir en allant visiter le site du groupe et lire son « personal rider » hilarant (quoique… certains adeptes de la bien-pensance et du politiquement correct vont encore trouver des conneries à en dire, c’est évident)! On vous voit quand en France, hein, dites?

THE LIGHT

Allemagne, Hard rock (Fastball music, 2025)

The Light, c’est la réunion en 2024 de trois musiciens diversement expérimentés – Nick Antonelli au chant, Holger Terhorst à la guitare et Alex Scherz à la basse. Né dans le sud de l’Allemagne, le trio a une idée précise d’où il veut mener sa musique et son auditoire: du rock musclé et mélodique tout en posant un regard quelque peu critique sur la folie de l’humanité. Le résultat, c’est ce premier album éponyme qui, s’il souffre parfois d’un manque de liant, parvient à mélanger d’évidentes influences à une identité propre. Ainsi, si Metallica est souvent évoqué tant par certains riffs que par le chant qui rappelle plus qu’à son tour James Hetfield, on trouve également des traces de Paradise Lost (période Draconian times et One second) – étonnant pour un groupe qui s’appelle La lumière! The Light ne s’enfonce cependant jamais dans la virulence du thrash et sait toujours rester mélodique. Ce premier album est au final un moment de fraicheur, agréable et mature – d’autant plus après une petite année d’existence.

REDEMPTION: The hard way

France, Heavy rock (Autoproduction, 2025)

Redemption, c’est une histoire de famille. Un père et ses deux fils unis par la passion du rock qui tâche, qui se lancent le défi de monter un groupe et qui se retrouvent sélectionnés pour jouer au Hellfest en 2018 avant de proposer un premier album, Three of a kind, en 2020. Le trio revient aujourd’hui avec The hard way, un nouvel album au titre explicite. La formation a muri son propos et propose des styles plus variés qui font toujours autant taper du pied. Malgré un anglais encore perfectible, Redemption développe et démontre tout son amour du gros rock, direct et franc. Si le trio nous replonge dans le heavy pur jus des 80’s, il le fait avec un son résolument moderne. Partout, on sent un inconditionnel amour pour les guitares grasses et les gros sons, les rythmes imparables, ainsi qu’un profond respect pour les anciens, d’AC/DC à Motörhead, le groupe rendant même une forme d’hommage à ces derniers en reprenant, accompagné d’une invitée de marque (Ruyter Suys de Nashville Pussy), un certain Overkill. The hard way est un album efficace de bout en bout. On les entend volontiers monter sur scène en scandant un graveleux: « Good evening! We are Redemption, and we are a familly. We also play rock’n’roll!« 

2SISTERS: She loves monsters

France, Punk (M&O2025I)

Vite fait, bien fait… L’adage colle parfaitement à 2Sisters, groupe de heavy rock aux fortes influences punk formé en 2009 dont le nouvel album, She loves monsters va enflammer les planches des dance floors. Il y a dans cette nouvelle galette une forme d’urgence, le groupe allant à l’essentiel – à une exception, aucun titre ne dépasse les 2’30 – et d’irrévérence punk. Cependant, She loves monsters transpire de cet amour de la vie insouciante et du fun avec des accents très 60’s tout en revendiquant un esprit franc du collier, brut et irrévérencieux qu’on retrouvait dans le rock anglais de la fin des années 70. A l’évidence, Motörhead – sa version la plus dangereuse (Lemmy, Fast Eddie, Animal Taylor) – Iggy Pop ou les Sex Pistols font partie des références de 2Sisters qui sait parfaitement mélanger mélodies rentre dedans à une forme de rockabilly ultra entrainant et dansant. Un must imparable et irrésistible! L’album de ce début d’année et sans doute un de ceux de 2025.

NEXT DEED: The soldier – act 1

Luxembourg, (Heavy) Rock (Autoproduction, 2024

Arrivant tout droit du Luxembourg – le pays (plus connu pour ses banques que pour ses musiciens heavy), pas le jardin parisien (qui abrite le Sénat…) – Next Deed s’est formé en 2021 par la guitariste/choriste Sue Scarano et le batteur Lou Metz qui se sont adjoint les services de Kevin Roy (guitare), Romain Haas (basse) et Alain Hertges (chant). Le groupe a déjà publié un Ep en 2023, New beginnings et revient aux affaires avec The soldier – act 1, un Ep de 5 titres. « Act 1 » car il s’agit du premier de cinq volets consacrés de l’oeuvre de Georg Büchner, Woyzeck datant de 1836. Le groupe veut « explorer la maladie mentale, les relations interpersonnelles et les ressentiments à travers le regard de ses divers personnages ». Next Deed propose un rock heavy et entrainant, plus enjoué que les sujets traités, qui lorgne parfois du côté légèrement progressif du genre. Si le chant manque parfois un peu de rondeurs et de conviction, voire de justesse, la variété des styles approchés rend l’ensemble plaisant sans pour autant révolutionner le genre. Des riffs tranchants et des harmonies léchées sur fond de rythmiques efficaces donnent envie d’aller plus loin. Le format Ep donne la possibilité de proposer des nouveautés régulières, alors une question se pose: à quand l’acte 2?

TRANK: The maze

France, Heavy rock (M&O, 2024)

Mais comment se fait-il qu’une formation aussi talentueuse que Trank reste encore autant dans l’ombre? Après avoir découvert le groupe en 2021 avec The ropes, un premier album simplement époustouflant, les voilà qui reviennent avec The maze, tout aussi exceptionnel. Au travers de 11 titres, Trank explore divers horizons musicaux, tous aussi entraînants que variés. Car jamais le groupe ne se répète, démarrant avec le très électrique Adrenalin pour terminer avec l’envoûtant The morning after. Au passage, les musiciens s’offrent de petites escapades du côté du punk (Chameleon) dans lequel une vérité est énoncée (« I am what I am told » – « je suis ce qu’on me dit d’être » – qui semble dénoncer le manque de libre arbitre ou d’esprit critique de la société actuelle), explore des aspects qu’on pourrait étiqueter « heavy new wave » (Pray for rain) avec toujours ces fils conducteurs que sont la diversité musicale des sources d’inspirations (dont Pink Floyd dont le groupe reprend Hey you), l’originalité et l’excellence – tant dans l’interprétation que dans la production, irréprochable, grasse, gourmande et généreuse à la fois. Trank a cette capacité à composer des morceaux taillés pour les foules, ce rock fait pour retourner des stades tout entiers. Jamais vulgaire, toujours efficace – d’autant plus que Michel chante dans un anglais parfaitement maitrisé et compréhensible – classieux même, The maze a tout pour mener Trank vers les sommets internationaux . Si seulement on (les majors internationales) daigne lui accorder un peu plus qu’une oreille distraite… On tient peut-être ici un futur géant du stadium rock. Celui qui, comme ils l’écrivent dans leur bio, « fait sauter les foules ET réfléchir ».

THE DIRE STRAITS EXPERIENCE live à Orléans (Zénith, le 7 novembre 202

Quoiqu’on en pense ou en dise, quand on veut écouter en live la musique d’artistes ou de groupes qui ont disparu ou simplement décidé de mettre un vrai terme à leur carrière, assister au concert de tribute bands est un palliatif plus qu’appréciable. Parce que quand c’est bien fait, que ça ne dénature pas l’esprit originel du groupe, l’hommage est bien réel. Alors ce soir, direction le Zénith d’Orléans pour aller voir et écouter The Dire Straits Experience. Un Zénith, comme souvent pour ce genre de concert, en petite configuration puisque ce sont environ 2.000 spectateurs qui sont attendus ce soir.

Gaëlle Buswel @Zénith Orléans

En première partie, je découvre, seule en scène, Gaëlle Buswel qui s’empare de sa guitare, s’installe sur son tabouret et, déjà, armée d’un simple et éclatant sourire, harangue le public avec un direct « ça va, Orléans? » Tout au long de son set – bien trop court au final – la jeune femme va démontrer plus que son talent avec des titres folks et reprises rock.

Gaëlle Buswel @Zénith Orléans

Persuadée que le public connait son second titre, elle entame Cryin‘ (Aerosmith) avec sa seule guitare comme amie. Et clairement, elle fait le job. Non seulement musicalement – ils sont, d’habitude 5 sur scène, rappelle-t-elle (NdMP: le bon côté, c’est que ça fait des économies en factures d’hôtels, non?) – mais aussi en matière de relations publiques puisque tout est sujet à séduire les quelques 2.000 spectateurs présents ce soir.

Gaëlle Buswel @Zénith Orléans

Après avoir invitée son amie Aymen (qui a déjà participé, précise-t-elle, à deux tournées de la tête d’affiche) à la rejoindre le temps d’une chanson, une reprise de What’s going on (4 non blondes) Gaëlle Buswel conclu son set avec un exceptionnel gospel après avoir demandé au public, qu’elle va constamment chercher et solliciter, de « faire trembler le Zénith » . Lâchant sa guitare, debout, elle invite le public à taper des mains et chanter alors qu’en contre-temps elle tape du pied sur une peau de batterie donnant ainsi un effet proche d’un certain We will rock you. Exceptionnel moment de partage avant que la jeune femme (qui a notamment ouvert avec son groupe pour ZZ Top a Paris en 2019) ne quitte, trop tôt, la scène. Pour moi, Gaëlle Buswel fut une superbe découverte que j’espère revoir bientôt.

Gaëlle Buswel @Zénith Orléans

Il n’est pas encore 21 heures lorsque le Zénith est replongé dans le noir. The Dire Straits Experience est un projet qui a vu le jour sous l’impulsion de Chris White, saxophoniste – et plus encore – ayant rejoint le groupe de Mark Knopfler en 1986 pour l’album Brothers in arms et a accompagné le Dire Straits originel quelques années durant et souhaite perpétuer l’héritage de ce groupe incontournable ayant cessé ses activités en 1995.

The Dire Straits Experience @Zénith, Orléans

Ce soir, pendant un peu plus de deux heures, The Dire Straits Experience va combler un public autant fin connaisseur que simplement amateur qui attend les hits incontournables. Et là, on est servis, car des incontournables, il y en a, à commencer par Telegraph road qui lance superbement ce concert sobre et efficace tout à la fois avec force éclairs et tonnerre.

The Dire Straits Experience @Zénith, Orléans

La musique, quand elle est aussi bien interprétée, se suffit à elle même. Il n’y a pas d’artifices ni de décor, seuls les éclairages, superbes, viennent illustrer les chansons. Chris White a, comme il le dira à la fin du concert, trouvé une perle en la personne de Terence Reis qui tient le role de Mark Knopfler. « Jamais je ne pensais pouvoir un jour travailler avec quelqu’un qui ait la moitié du talent de Mark, et l’ai découvert Terence qui m’a prouvé le contraire« . Car, oui, sans pour autant égaler Knopfler, Reis parvient à convaincre par un jeu de guitare et un chant ultra fidèles à l’original.

The Dire Straits Experience @Zénith, Orléans

Si ces deux-là attirent tous les regards et les oreilles, ils sont superbement entourés du second guitariste, Richard Barrett, de deux claviers, John Maul et Michael Bramwell, du discret Yoyo Buys à la basse et du batteur Luke Naimi.

The Dire Straits Experience @Zénith, Orléans

Le public, assis, est sur sa réserve jusqu’à l’arrivée de Walk of life qui voit deux ou trois personnes quitter leur siège pour danser dans les travées. Et retourner s’assoir sagement dès la fin du titre laissant Romeo and Juliet continuer plus tranquillement. Si le public reste attentif sur The man’s too strong, il se réveille sur le final explosif de Private investigations mondialement connu.

The Dire Straits Experience @Zénith, Orléans

On retrouve un quatuor, tel que le fut Dire Straits à ses débuts, sur Wild west end et le moins connu Lady writer avant que le groupe ne se retrouve une nouvelle fois au complet pour entamer le final du concert avec Ride across the river suivi du très rock 60’s et ultra festif Two young lovers.

The Dire Straits Experience @Zénith, Orléans

Place au tiercé gagnant qui verra ensuite DSE quitter la scène, On every street, Brothers in arms et Sultans of swing qui voient, enfin, une grande partie du public se lever et rejoindre la fosse pour acclamer les héros du soir, présentés un à un par Chris White qui rappelle, non sans humour, que le groupe a récemment donné des concerts en Australie, en Nouvelle Zélande et même à Tahiti, précisant, sourire en coin, que « il faut bien que quelqu’un s’y colle, non? ».

The Dire Straits Experience @Zénith, Orléans

Mais il manque l’indispensable, l’incontournable hit qui fit mondialement exploser Dire Straits au milieu des années 80, qui permit, grâce (dans une moindre mesure, convenons en) à la participation de Sting, et au soutien plus que massif de MTV, à Knopfler et les siens de définitivement faire tomber les USA. Alors, après quelques courtes minutes d’absence, DSE offre Money for nothing avec une bonne part de liberté fun prise sur les paroles, suivi de l’instrumental Going home: theme of the local hero.

The Dire Straits Experience @Zénith, Orléans

Ce soir, The Dire Straits Experience a plus que fait le job. Je l’ai écrit, je réitère: même s’il ne s’agit « que » d’un tribute band, quand on souhaite écouter la musique d’un groupe disparu, qu’on ne pourra jamais voir en concert, des formations comme celles-ci sont un parfait substitut. Ce n’est pas et ne sera jamais l’original, mais en fermant les yeux, on s’y croirait. Alors ne boudons pas notre plaisir et sachons profiter aussi de ces moments de communion que nous offrent des musiciens de haut vol comme a su le faire ce soir The Dire Straits Experience.

The Dire Straits Experience @Zénith, Orléans

Merci à Oona et Gérard Drouot Production d’avoir rendu ce report possible

PAINTED SCARS: Kintsugi

Belgique, Heavy rock (Autoproduction, 2024)

Rock’n’roll! Formé en Belgique en avril 2023, Painted Scars déboule avec Kintsugi, un premier mini album de 6 titres qui rentrent dans le tas. Mené par la chanteuse Jassy « Hyacen » Blue, le combo propose un hard rock varié et puissant bien qu’encore marqué du sceau de la jeunesse. Au démarrage de Glow in the dark, on à l’impression de retrouver un Girlschool au top de sa forme doublé d’une hargne digne des sœurs Turner (Rock Goddess). Ne serait-ce l’anglais moyennement maitrisé, on s’y croirait. Won’t give up se fait plus moderne et langoureux tandis que Knock knock (ces deux titres sont mal indiqués sur le tracklisting du CD, respectivement en quatrième et seconde position…) revient à un propos direct et enlevé. Le guitariste Kevin de Brauwer, secondé par Yannick Rottiers, ajoute quelques grognements discrets. La rythmique assurée par Jens Van Geel (basse) et Bram Vermeir (batterie) est plutôt efficace. Il y a ci-et-là quelques indicateurs musicaux des sources d’inspirations du groupe, comme ces premières mesures de Liquid gold qui (me) rappellent un jeune Metallica. Freedom se veut franc et direct avant que ce premier essai ne se termine avec Life and alive, titre qui fut le premier single de la carrière du groupe. Kintsugi, est une jolie carte de visite d’un groupe qui, s’il manque encore de maturité et n’a pas encore trouvé son identité musicale, pourrait voir son nom prendre de l’ampleur. On attend donc la suite.

Interview: THE HELLECTRIC DEVILZ

Interview THE HELLECTRIC DEVILZ. Entretien avec Loïc (guitare) le 9 juillet 2024.

Si mes informations sont bonnes, Loïc, The Hellectric Devilz s’est formé dans le Pays basque en 2017, a déjà sorti un album, mais c’est tout… Peux-tu nous raconter l’histoire du groupe ?

Effectivement, le groupe s’est formé en 2017. A la base, je l’ai formé avec l’ancien chanteur, Rob, et Floch, qui est toujours à la batterie, avec le souhait de créer un univers qui mixait nos multiples influences, sans se fixer trop de limites. Je pense que ce qui se dégage des deux albums, ce sont des influences heavy, thrash, hard, avec un côté punk… Notre premier album est sorti en 2020, pendant la période du Covid, malheureusement – c’était une période un peu spéciale, mais c’est comme ça… On n’a pas lâché l’affaire, on n’a pas donné de concerts comme tout le monde, mais quand c’est reparti, on s’est attelé à la tâche. On avait commencé à travailler sur des compos avant Covid, on a continué pour pouvoir sortir notre deuxième album chez Brennus en 2024, le 10 mai. Entre temps, il y a eu 2 changements de line-up mais il y a toujours cette envie de proposer un mix de tous ces styles.

Le premier album est sorti en plein Covid, tu l’as dit. Vous auriez pu décaler la sortie ou tout était déjà planifié comme ça ?

Tout était déjà planifié pour le 20 septembre… Planifié depuis 7 mois, c’est te dire, avant même de penser à un confinement. On a fait des concerts avant, après, c’était une période fermée à la musique… Je pense que, maintenant, tout le monde a plus ou moins oublié cette période… Je parle d’un point de vue musical, même si ça revient, ça n’impacte plus vraiment les concerts ou les sorties d’albums.

« On a appris à vivre avec »… Tu disais qu’il y a eu 2 changements de line-up. Cela mis à part, comment analyserais-tu l’évolution du groupe entre vos deux albums ?

Le deuxième album est vraiment, pour moi, la continuité du premier, avec ces multiples influences. Par contre, on a profité de la période de covid pour travailler notre son, avoir un son moins roots. C’est-à-dire qu’on a vraiment voulu avoir un son plus gros, mieux produit, et je pense que c’est la différence principale entre les deux albums. Ensuite, au niveau de la couleur de l’album, le changement de chanteur a aussi apporté une évolution. Rob avait ce côté qui oscillait entre le punk et le thrash, tandis que JP, qui est arrivé en 2020, tout en conservant ce côté punk, a amené un côté plus mélodique avec des touches de heavy, qui est aussi son univers.

Tu parles d’univers. Sur la pochette, il y a pas mal de choses qui indiquent qu’on a à faire à un groupe typé heavy rock US, fun, gentiment diabolique. Qu’avez-vous voulu développer comme univers ?

En fait, quand on a défini le nom du groupe, The Hellectric Devilz…

Avec un Z…

Avec un Z, effectivement. Ça, c’était pour qu’on nous trouve très facilement sur les moteurs de recherche, c’est plutôt cool (rires) ! L’univers est né des premières paroles qu’on a écrite. C’est une saga, avec un personnage principal, Jerry Seven, qui est représenté sur les pochettes des deux albums. On va décliner son histoire sur 10 morceaux. L’histoire a été écrite il y a presque 7 ans, mais les morceaux sont écrits au fur et à mesure. Sur le premier album, il y avait le numéro 1 et le numéro 3 de la saga, sur le nouvel album, il y a 5 chapitres, qui sont dans le désordre, d’ailleurs. La fin de la saga sera sur le troisième CD, mais ça définit un peu cet univers qui se situe entre Une nuit en enfer, Hellboy, cet univers un peu diabolique. Voilà : c’est l’histoire de notre héros, Jerry Seven, qui part en enfer et qui revient sur terre parce qu’il est l’élu pour récolter des âmes pour l’enfer. Pour récolter des âmes, quoi de mieux que la musique ? Et pour la musique, il ouvre un club, The Hellectric club, avec un groupe qui y joue très régulièrement : The Hellectric Devilz (rires). C’est un peu ce qu’on a voulu illustrer avec Stan W. Decker, qui a fait les pochettes : mettre en image cet univers.

Qui donc ? Stan Decker ? Personne n’en a entendu parler !

Absolument pas (rires) !

On se demande même quand il a du temps pour lui…

Je crois que de temps en temps il travaille entre minuit et deux heures du matin pour combler les trous…

L’album s’appelle The devil’s playground, « le terrain de jeu du diable ». J’imagine que ce terrain de jeu, c’est ce club où il va récolter des âmes ?

Exactement. C’est la suite directe du premier album, The Hellectric club, où on voyait une version intérieure du club. Sur ce nouvel album, on a essayé de boster la musique, la prod, les paroles, on s’est demandé ce qui devient plus grand, et c’est le club qui devient plus grand. Maintenant, on est sur un empire qui est en train de se créer.  

Quand on lit le track-listing – tu as dit que c’était dans le désordre – c’est un vrai jeu de pistes : la première chanson est la partie six, et tout est mélangé. C’est quoi l’objectif ?

Il y a deux raisons : la première, c’est qu’on considère que ces morceaux ont une vie propre, chaque morceau est indépendant. Après, il y a ce fameux fil rouge avec l’histoire qui relie les morceaux. Du coup, pour lire l’histoire, il faut lire les paroles des morceaux dans l’ordre qui est indiqué. Les morceaux sur l’album ne sont pas dans l’ordre de l’histoire parce que, quand on l’a enregistré, on voulait un album qui soit agréable à l’écoute, avec un premier titre relativement speed, ceux un peu plus calmes au milieu, etc. On a aussi pensé à une possible sortie en vinyle avec Face A et Face B.

Si tu devais ne retenir qu’un seul titre de The devil’s playground pour expliquer à quelqu’un ce qu’est l’esprit de The Hellectric Devilz, ce serait lequel ?

Ah… Peut-être que je donnerai une autre réponse demain, mais aujourd’hui, je prendrai… allez, Whiskill. Parce que c’est un titre qui est court, efficace, avec un refrain catchy. Il y a un côté punk, tout en gardant du heavy. Je pense qu’il représente bien qui on est. Le côté punk vient surtout de Floch, à la batterie qui est un gros fan de punk. Il y a pas mal de ses rythmiques qui sont pensées, au niveau de la structure, du jeu, par rapport au punk, et ça influence aussi le chant. Au niveau rythmique – guitare et basse – nos influences viennent plus du thrash. C’est ce mix qui donne un peu notre univers.

Il faut s’attendre à quoi quand on vient voir The Hellectric Devilz sur scène ?

Nous, ce qu’on veut depuis les débuts c’est que les gens qui viennent nous voir s’amusent. Pas de prise de tête, passer un bon moment ensemble. On essaie de dégager pas mal d’énergie, un message positif et fun. On n’est pas là pour se prendre la tête.

Il y a du visuel sur les pochettes, est-ce qu’il y a aussi cet aspect sur scène ?

On a quelques décors, mais il n’y a rien de théâtral. Le but, c’est vraiment d’aller à l’essentiel. La musique, rien que la musique !

Si tu devais penser à une devise pour The Hellectric Devilz, ce serait quoi ?

Ah, ah, ah ! « Viens t’amuser avec nous en enfer ! » (Rires) !

CHARCOAL: Rocks

France, Heavy rock (Ep, M&O, 2024)

Comment ça riffe! Charcoal, c’est la réunion de 4 passionnés de hard/heavy rock couillu qui n’a pour seul objectif que de faire s’agiter les tignasses et taper du pied. Alors – vous me connaissez – hormis l’anglais incompréhensible, les 6 titres de cet Ep, simplement et justement intitulé Rocks, embarquent l’auditeur sur les US highways autant que dans les banlieues crades d’un Londres qui n’est plus avec une bande son totalement et volontairement inspirée du heavy rock de la fin des années 70 ou du hard US de la première moitié des 80’s. C’est vif et vivant, et l’ensemble rend un bel hommage à tous les grands du genre, de Motörhead à Thin Lizzy ou AC/DC en passant du côté des Mötley Crüe, Ratt, Faster Pussycat… Les références aux grands anciens sont d’ailleurs évidentes rien qu’à la lecture des titres: Thin lady Lizzy, Fat bottom girl, Same old dance, même pas un jeu de pistes! Sans jamais se prendre trop au sérieux, Charcoal propose un rock des plus sérieux, et s’en amuse (preuve en est la vidéo pas du tout sérieuse de One night of rock n’roll). On met les potards à 10, on balance la sauce avec des guitares graveleuses, une double à la Animal Taylor, un chant rocailleux forgé à coup de clopes… On laisse le groove et l’énergie positive faire le reste.