Impossible, dès les premières mesures de 6 feet under de ne pas penser à Evanescence. Entre le rock entrainant, le chant féminin plein de douceur, tout évoque, à un autre niveau, le groupe d’Amy Lee. Pourtant, tout au long de Rebirthed, son premier album, After Us All s’en détache par ses approches différemment pop. Si les guitares sont toujours aussi rageuses qu’enjouées, si le chant est entraînant, si les mélodies lorgnent du côté suave et soft pop, les Français parviennent à créer un univers acidulé et amer à la fois. Cette amertume, c’est un phrasé anglais agréable mais une difficulté à comprendre les paroles, une voix douce et haut perchée sur fond de guitares et de rythmes enjoués. Seulement, voilà: l’éternelle question: si je passe un très agréable moment, à la fin, je retiens quoi? De jolies mélodies, certes, un ensemble pas désagréable, mais que me reste-t-il en tête? De l’envie, du savoir faire, oui, il y en a. Oui, mais… Comme l’ont si souvent écrit mes enseignants: « peut mieux faire, doit persévérer ».
La lecture des titres laisse aisément croire que Andromeda, le nouvel album des Français de March Of Scylla, est un concept centré autour de la mythologie grecque. Les dix titres développent des ambiances lourdes, sombres et martiales. Le chant quelque peu torturé, parfois enragé, de Florian Vasseur, s’il souffre d’un trop moyen accent anglais, est mis en scène au gré des besoin de chaque titres. De l’incompréhension à la colère sur Ulysse’s lies à la douceur de Blaast en passant par les abymes de Cosmogony, tout y passe. Musicalement, les guitares de Christopher Fraisier – parfois étonnamment étouffées – sont soutenues par une section rythmique (la basse de Robert Desbiendras et la batterie de Gilles Masson) aussi puissante que martiale. Tant mieux, car illustrer les aventures d’Achille ne saurait passer par trop de bienveillance. L’ensemble est nappé de claviers, enveloppant la brutalité générale d’une forme de douceur et de fragilité. Avec une production signée Francis Caste – Andromeda a été enregistré, oh, surprise!, au studio Sainte Marthe- on a la promesse d’un bon moment à venir. Et que penser de cette sublime illustration, œuvre de Pierre Gacquer? Un superbe album, aussi bien visuellement que musicallement.
Après avoir publié un premier album en 2020 (Trahison), traversé, comme nous tous, une période de crise sanitaire, vécu quelques difficultés internes, Karvane revient avec un Thousand yard stare qui permet à Diego de quitter la batterie (il y est remplacé par Didier) pour prendre le rôle de chanteur, la basse étant quant à elle tenue par l’autre fondateur, Cristobal. Si ce nouvel album débute sous des airs de rap énervé et metallique, le trio propose une musique plus vaste au fil des titres. Bon, ok, le chant est retouché mais au delà de ce flow rap que je n’ai jamais su apprécier (Dans ta gueule, No man’s land, N°1…) et de cette boite à rythme trop évidente (partout), il y a de l’énergie brute. Les riffs saturés et la basse groovy font mouche. Seulement, ben… il faut apprécier le rap pour vraiment apprécier Karvane. Bien fait mais pas mon truc.
Entre pop et punk, metal et rock alternatif, les Lillois de Bïur ne semblent nullement avoir d’autre prétention que de se faire plaisir en mélangeant les genres. Il y a autant d’irrévérence dans ce Plus vite et plus fort (qui démarre tranquillou pour mieux monter en puissance) que d’esprit rebelle. Sans jamais chercher à révolutionner le genre, Bïur parvient (presque) à faire passer la langue de bois pour de la poésie. Un chant mélancolique (on a parfois l’impression d’entendre Polnareff dans son Lettre à France) ou torturé à la Kemar (No One Is Innocent) accompagne des guitares simples, souvent volubiles et parfois aériennes. S’il est difficile de mettre une étiquette de genre musical, on passe un bon moment. Plus vite et plus fort mélange avec un certain bonheur des genres à priori opposés, et pourtant, ça fonctionne plutôt bien. Fun et irrévérencieux comme il faut.
Attention, futur géant en vue! Loin d’être un novice, le guitariste Fanalo, après de multiples et variées collaborations, nous offre aujourd’hui son premier album qui pourrait rapidement devenir une pierre angulaire de son œuvre. Le gaillard se pose là dès le morceau introductif, un Tribes instrumental de plus de 7′ qui présente un virtuose doublé d’un créatif. Car si l’on reconnait l’influence des incontournables Steve Vai et Joe Satriani, Fanalo (à la ville Stéphane Alaux, on zappe le « Sté » pour garder le reste, malin…) joue sur la diversité de ses influences, puisant autant dans un hard rock festif que dans un metal aux consonnances progressives, ajoutant ci et là quelques touches plus FM voire électro (Moon, Rebirth). Puis arrive Hate for sale, premier morceau chanté, aussi enjoué que dansant et la machine est lancée. Fanalo s’est entouré d’une pléiade d’invités aussi prestigieux que Jeff Scott Soto, Ron Thal ou encore notre Butcho national et nous offre 10 titres que ne renierait aucun groupe américain. Doté d’une production parfaite, le résultat est bluffant de bout en bout. Un vrai must!
Nostalgie, nostalgie… Les amateurs du genre seront aux anges de retrouver Kwoon, formation hexagonale fondée en 2005 et quelque peu disparue en 2011 mais ressuscitée en 2022… Le sort de tant d’autres prétendants de la scène musicale, en somme. Avec Odyssey, son nouvel album, Kwoon pourrait bien enfin trouver une place de choix dans le paysage rock. Au delà d’une illustration qui évoque tout autant Jules Verne que Georges Méliès, le groupe propose un rock léger et aérien, voire atmosphérique. L’influence de Pink floyd est indéniable et omni présente mais Kwoon, sans la renier, pose sa marque de fabrique. Un peu de nostalgie, autant visuelle que musicale, un peu de mélancolie, aussi, le tout agrémenté d’un soupçon de plaisir et de chaleur, et Kwoon nous emporte dans son univers. Les 12 morceaux de cet album entrainent l’auditeur dans un voyage quelque peu initiatique et surtout apaisant. Une très belle découverte.
Epique, progressif, agressif et lourd. Après nous avoir proposé un flashback historique avec Part 0 – The queen with golden hair en 2020, nos égyptologues préférés d’Amon Sethis reviennent à la charge avec Part III – Dawn of an apocalyptic world. Toujours axé autour de l’histoire de l’Egypte antique, plus précisément des 6ème et 7ème dynasties, Amon Sethis parvient à recréer des ambiances aussi épiques avec des envolées pharaoniques et lourdes comme une marche d’esclaves. La force d’Amon Sethis, c’est cette capacité à proposer une variété de styles qui tous s’unissent dans une même quête, celle de transmettre cette histoire qui fascine tout autant qu’elle reste méconnue. Les arrangements, s’ils se perdent parfois dans une complexité propre au genre, font passer l’auditeur de l’ensoleillement à la noirceur, de la douceur orientale à la brutalité d’une marche forcée. Construit comme un véritable conte auquel participent plusieurs invités qui ont leur propre rôle, Dawn of an apocalyptic world, s’il manque encore de ce petit truc qui ferait la différence, s’écoute avec bonheur et curiosité et, pour les amateurs du groupe, s’intègre parfaitement dans la continuité discographique des Français. une belle œuvre, ambitieuse et très bien produite – avec un nécessaire livret explicatif et joliment illustré – qui sort de ce qui nous est habituellement proposé, et est donc à soutenir.
Une couronne d’épines en guise d’illustration… C’est tout un symbole qui illustre Solace, le nouvel album des Nantais de Stinky. Après un remaniement interne – « exit » Claire, enter Clair Larrieu-Maillard au chant, Enzo Bussolino et Clément Rambaud aux guitares, Maxime Cuypers à la basse et Paul Saltet à la batterie – Stinky nous propose un album brut et varié tout à la fois. Le punk des origines cède la place à un hardcore plus sophistiqué et nuancé. La brutalité est toujours de mise, mais l’ensemble donne toujours envie de taper du pied. Signe d’un réel intérêt pour le groupe, deux invités de marque viennent prêter main forte au puant: Lou Koller de Sick Of It All pose sa rage sur Grass Snakes et Andrew Newfield de Comeback Kid sur Under care. Si l’esprit hardcore est toujours présent, on notera également l’introduction de touches électro et d’une accessibilité « tout public » plus grande et surtout assumée. Sans se renier le moins du monde, Stinky démontre tout au long de Solace avoir envie d’évoluer tout en continuant de vouloir en découdre. Un album puissant.
Si le précédent live (United alive in Madrid, 2019) de nos citrouilles marquait le retour dans la famille des membres historiques que sont le chanteur Mickael Kiske et le guitariste chanteur Kai Hansen, ce nouveau témoignage en public, Live at Budokan, paru le 13 décembre 2024, marque sans aucun doute possible le lancement des festivités annoncées pour célébrer les 40 ans de Helloween. Ce live n’est en effet que le point de départ d’une année chargée puisque 2025 verra également la publication d’un Best of, March of time, et d’un nouvel album studio des Citrouilles parallèlement à une nouvelle tournée européenne (le groupe sera de retour au Zénith de Paris le 22 octobre prochain) puis, sans aucun doute, mondiale. Donc, oui, Live at Budokan a tout du témoignage de moments plus grands encore à venir… Ce double album propose le set complet que les Allemands ont donné le 16 septembre 2024 au mythique Budokan de Tokyo – étonnamment, si le groupe a joué près d’une cinquantaine de fois dans la capitale nippone, c’est son premier passage dans ce lieu qui en a vu tant d’autres. Une setlist quasiment identique à celle proposée ailleurs (quelques villes, dont Paris avaient, en 2022, eu droit à Angels, disparu sur ce nouveau live). Peu importe, car on sent un groupe dans une forme éblouissante, soutenu par un public à fond derrière ses héros. Une ribambelle de classiques (Eagle fly free, Dr. Stein, Futur world…) accompagne quelques extraits du dernier album auto-nommé (outre l’intro Orbit, on retrouve Skyfall, Mass pollution et Best time). Ceux qui ont vu Helloween sur scène ces dernières années le savent, Kai Hansen a également son moment privilégié pendant lequel il offre un medley des titres emblématiques qu’il interprétait aux tout débuts du groupe et l’interprétation à rallonge du thème final de Keeper of the seven keys sert de prétexte à présenter chacun des musiciens qui s’éclipse tranquillement une fois son nom cité. Parfaitement mis en son, ce double live (il existe également son pendant visuel DVD/Blu-ray) s’écoute d’une traite et nous replonge avec bonheur dans l’univers des citrouilles dont on attend maintenant qu’elles confirment les promesses de 2025 !
Atlas Ahes a vu le jour en Suisse au sortir de la crise sanitaire, en 2022. Il faut peu de temps au groupe pour proposer un premier Ep (Dead end, en 2023) avant de s’atteler à la composition de son premier album. New world parait au début de l’année 2025 et propose un death metal mélodique, qui se rapproche même parfois d’ambiances progressives. Si Arch Enemy est une référence évidente le chant enragé de Chloé Eigenman y est pour beaucoup – impossible de ne pas faire le lien avec l’autre géant de la scène nordique qu’est Amon Amarth. Les nombreuses touches de heavy metal vintage (on parle ici des classiques inspirations que sont Priest ou Maiden) et quelques structures à la Dream Thater apportent cette touche mélodique nécessaire pour pallier à la simple brutalité du death metal. Les guitares de Nicolas Gendreau et Nathan Storni offrent de réels bons moments, entrainants à souhait et parfaitement soutenus par une rythmique déterminée et rentre dedans (la batterie de Yann Baumberger et la basse du dernier arrivé, Lorick). Si on ne pourra que reprocher à New world de ne pas offrir de titre immédiatement mémorisable, on se doit de relever l’excellence des compositions mises en valeur par une production riche et généreuse. Un très beau début plus que prometteur.
