Interview RED MOURNING. Entretien le 31 mai 2024 avec JC (chant) et Seb (basse)
Red Mourning revient deux ans après Flowers and feathers avec ce nouvel album, Acoustic. Avant que nous n’en parlions, que s’est-il passé ces deux dernières années, comment avez-vous défendu votre précédent album sur scène ?
JC : Ce cinquième album électrique, metal a été un gros jalon dans la vie du groupe. Il y a eu les concerts, le Hellfest, des clips… C’était vraiment une super réussite pour le groupe. Derrière ça, on a développé notre facette acoustique. Sur Flowers and feathers, il y avait des morceaux entièrement acoustiques et on s’est décidé à se lancer dans ce filon qui nous plaisait. On a sorti un Ep de 5 titres acoustiques, et on a décidé d’aller au bout de l’exercice. On adore cette possibilité de nous exprimer comme ça, donc on est allés au bout de cette envie.
Flowers and feathers a reçu un accueil important, tu viens de le rappeler. Pourquoi avoir voulu sortir cet album acoustique maintenant ? Vous aviez besoin de vous ressourcer, de retourner vers vos racines blues et les faire sortir du bayou ?
Seb : Non, il n’y avait pas de volonté absolue de sortir un album acoustique, mais, comme le disais JC, on a sorti un Ep, juste avant Flowers and feathers, il n’est sorti qu’en streaming. On était plutôt contents du résultat et on trouvait qu’il n’était peut-être pas suffisamment mis en valeur. On a décidé d’enregistrer 5 titres supplémentaires qu’on allait rajouter à cet Ep pour avoir un album complet. Ce qui s’apparentait jusque-là à une sorte de parenthèses dans la carrière du groupe est devenu un album à part entière, aussi importante que les autres albums. C’est une phase de Red Mourning qu’on a poussée un peu plus loin comme on avait pu le faire sur d’autres aspects sur les albums précédents, en termes de prod, par exemple. La démarche est toujours la même, il y a une volonté de nous dépasser artistiquement et de donner un sens un peu inattendu à la démarche finale.
De surprendre le public. Il s’agit en fait de deux Ep que vous avez réunis…
Seb : Disons qu’on a élargi l’Ep précédent. On n’a pas sorti un deuxième Ep, on a complété le précédent. Mais, comme je te le disais, à part le streaming et quelques plateformes, il n’avait aucune visibilité. Là, on l’a sorti en physique, un vrai CD qui le met à égalité avec les autres albums du groupe.
Comment avez-vous sélectionné les titres que vous avez repris ?
Seb : C’est le fruit de différents tests, d’essais, de pertinence par rapport au résultat en acoustique. Par exemple, Come to bury : il y a eu plusieurs versions proposées par différents membres du groupe avec des réussites plus ou moins heureuses. En fonction de ce qui était proposé et des résultats, on sélectionnait ce qui nous plaisait. Le fil conducteur, c’était de faire des morceaux suffisamment originaux et indépendant de leurs sources électriques pour en faire de vraies entités qui soient écoutées telle quelle, sans forcément faire référence à la version électrique. Si tu ne connais pas le groupe, tu peux très bien supporter de les écouter et même les apprécier.
J’aime bien le terme de « supporter » … JC, tu as quelque chose à rajouter ?
JC : Il y a le fait de surprendre le public, mais c’est aussi plus la volonté de notre part d’explorer d’autres choses, de nous challenger, de garder des bols d’air frais en faisant de nouvelles choses, des choses originales, nous réinventer plus que de dire qu’on va surprendre le public ou lui plaire. On est très content de trouver des gens qui aiment ce qu’on fait, mais on le fait avant tout pour nous. Si quelque chose ne marche pas pour nous, on le met de côté.
Tu as retravaillé ta voix aussi, JC, elle est beaucoup moins agressive, beaucoup plus blues. As-tu dû fournir un travail vocal particulier ?
JC : C’est sûr que c’est une manière de chanter totalement différente. On a travaillé en studio avec Francis Caste qui nous aide beaucoup, sur chacun de nos albums, et qui m’a beaucoup guidé et poussé à découvrir une façon de chanter que je n’avais jamais utilisée. Il me disait de moins forcer, de mettre moins de grain, de chanter moins fort… et c’est vers ça qu’on s’est orientés. Je lui suis reconnaissant parce que c’est vraiment ce que je trouve beau, et c’est une vraie nouveauté dans ma manière de chanter.
Il y a beaucoup d’émotion dans ce que tu dis !
JC : Oui, mais une émotion contenue, par petites touches, avec moins de lâcher prise. Ou un lâcher prise différent, parce que quand on hurle dans le micro, on a certaines habitudes, on peut tout lâcher, tandis que là, c’est totalement différent.
Il y a une fidélité au producteur, Francis Caste, mais également au label, Bad Reputation…
JC : Oui, on est toujours avec le même label. Eric (Coubard, responsable du label) nous est fidèles, on lui est fidèle aussi. C’est comme ça qu’on envisage la musique : la vie du groupe, c’est des collaborations avec des gens de confiance, on a aussi croisé tout un tas de gens pas forcément recommandables qu’on a abandonnés au fil des années. On bosse avec des gens qu’on aime bien et qui bossent bien…
En gros, On ne change pas une équipe qui gagne.
Ensemble : C’est ça.
JC : Et de gens humains, des gens sympas, aussi.
Un groupe de rock, c’est aussi la scène. Comment envisagez-vous de défendre ces nouvelles versions tout en en proposant des versions plus rugueuses ?
Seb : En fait, ça fait déjà deux ans qu’on travaille le versant acoustique du groupe sur scène. On a fait pas mal de concerts, dont une grosse dizaine de concerts acoustiques. On a bossé notre son, on a accordé nos instruments un peu différemment, et on arrive à quelque chose d’assez concluant. On a fait une date pour la release party au Hellfest corner qui était plutôt concluante. Jusque-là, on était dans un processus amélioratif et là on est assez satisfaits de notre prestation. On va enchainer pas mal de dates qui nous permettront de pousser encore plus loin : plus d’émotion, la voix de JC, le feeling dans les cordes et les perçus…
Est-ce que, sur scène, vous vous dites parfois que tel morceau ne fonctionne pas aussi bien que ce que vous aviez prévu et vous le retirez de votre setlist ?
Seb : Oui, bien sûr. On s’y est accoutumés au fil des années, c’est un échange avec le public et avec nous-mêmes. On se rend bien compte s’il y a des choses qui marchent ou pas. On retente, parfois on réadapte et là, pour l’acoustique, c’est pareil : il y a des morceaux qu’on a déjà écartés et d’autres qu’on met plu sen avant. On va continuer de le faire à l’avenir. La dynamique humaine d’un concert acoustique n’est pas du tout la même que celle d’un concert metal. Le rythme est différent, on peut faire des pauses et papoter… C’est comme le reste, on est tout le temps en train d’expérimenter, de découvrir de nouvelles choses, d’apprendre…
Même si cet album acoustique ne représente qu’une parenthèse dans la vie du groupe, si vous deviez, chacun, ne retenir qu’un seul titre d’Acoustic pour expliquer ce qu’est Red Mourningaujourd’hui, ce serait lequel ?
JC : J’ai mon idée… Il y a un titre que j’adore, c’est White line. J’adorais la version électrique, mais je trouve cette version acoustique très réussie. Je trouve que c’est très relativement original d’un point de vue instrumental, il y a les guitares, l’harmonica et beaucoup d’émotion.
Seb : Moi, je dirai Come to bury parce que c’est un titre qui figurait sur le premier album et c’est un morceau, en électrique, relativement sauvage, qui ne baisse pas d’intensité du début à la fin. Ce qu’on en a fait en acoustique est tout aussi intense mais avec un versant totalement différent, avec un ajout de clarinette, et c’est assez inattendu. C’est un morceau qui fonctionne très bien sur album et en live. Il y a un mariage d’harmonies vocales qui lui rend vraiment justice. Je ne sais pas laquelle des deux versions est la plus intense…
Un groupe de rock, on le sait, ne vit que très rarement de sa musique. Quelles sont vos activités dans vos autres vies ?
JC : Je vais commencer par la blague : dans le groupe, il y a un acousticien. C’est Aurélien, notre batteur.
Seb : Il y a un coach sportif, Alexandre, notre guitariste, un électricien, JC, et moi, infirmier en psychiatrie.
Des métiers assez variés…
JC : Oui, mais c’est ce qui nous permet d’assurer un minimum de finance dans ce projet assez couteux en temps, en énergie et financièrement. C’est pas avec ce que Red Mourning nous rapporte qu’on pourrait ne pas bosser…
Question classique, JC, tu y as déjà eu droit : quelle pourrait être la devise de Red Mourning ?
JC : Euh… pour vivre heureux vivons cachés ? Non, c’est ma devise personnelle. Pour le groupe, il y a une recette pour la longévité du groupe, c’est qu’on se dit franchement les choses. En devise, on pourrait dire Pour vivre heureux, disons les choses.
C’est à peu près ce que tu me disais il y a deux ans : Soyons fidèles à nous-mêmes… C’est dans le même ordre d’idées.
JC : Oui, c’est vrai, et c’est ce qui fait qu’on fait quelque chose d’un peu différent.
Seb : Pour moi, « le roseau plie mais ne casse pas » !
Souhaitez-vous ajouter quelque chose à ajouter pour terminer ?
JC : Soutenez l’Ukraine !
Je ne sais pas si on a la solution, maintenant, si tu vas sur le site, tu verras que le logo est aux couleurs de l’Ukraine.
JC : Ah super ! Merci pour eux. Je ne suis pas Ukrainien, mais il faut les soutenir.
Interview ORKHYS. Entretien avec Jean-Yves Châteaux (batterie) le 6 juin 2024.
Jean-Yves, la dernière fois que nous nous sommes vus, c’était pour votre concert au Dropkick d’Orléans. Depuis, vous avez publié Legends, votre nouvel album. Quels sont les premiers retours que vous avez eus ?
Il est sorti le 26 avril. Pour l’instant, les retours sont plutôt positifs. On a eu une chronique d’une personne qui n’a pas trouvé ça bien, il en faut aussi. D’ailleurs, c’est une chronique qu’on a partagée parce qu’on est preneurs de tout ce qui est constructif. Dans l’ensemble, ça a été bien perçu, il se vend plutôt bien. On essaie de le défendre sur scène et ça marche plutôt bien aussi (NdMP : depuis, deux dates ont été annulées indépendamment de la volonté du groupe). Le merch n’est pas encore fait – on n’a pas encore trouvé le graphisme qu’on souhaite, mais ça ne va pas tarder.
C’est un album qui s’appelle Legends et qui contient 9 titres. Quelles sont-elles, ces légendes et qu’est-ce qui vous a poussés à faire un album autour de ces légendes ?
Il y en a plusieurs… En fait, Brice (guitares) s’occupe des compositions et nous soumet les morceaux. Quand il nous les soumet, on les écoute plein de fois pour voir ce que ça nous inspire. Là, Laurène, notre chanteuse qui s’occupe des textes, a proposé ces thèmes-là. On a tous trouvé que ça collait bien à la musique et on a gardé toutes ces thématiques.
Laurène est allée chercher ces légendes pas toutes très connues où ?
Elle est bretonne d’origine, avec une culture celte assez forte, culture qu’on retrouve dans la plupart des morceaux, à part le Draugar qui lui vient de chez les vikings. Ce personnage viking, on le retrouve dans une grande série qu’on a vue il n’y a pas longtemps dans laquelle on parle des marcheurs blancs (NdMP : il s’agit bien sûr de Game of thrones)
Avez-vous changé votre façon de travailler sur cet album, notamment parce que vous avez accueilli un membre supplémentaire : Henri, second guitariste.
On n’a pas fondamentalement chané la façon de travailler. Le seul truc que la présence d’un nouveau guitariste, dans la préparation de l’enregistrement, il a fallu que les deux guitaristes se mettent d’accord entre eux pour savoir exactement qui fait quoi. Brice se sent beaucoup plus confortable sur de la rythmique et Henri se sent mieux en lead. Donc la façon de s’organiser est venue assez spontanément. A part ça, le mode de travail est resté le même : Brice se charge des compositions, chacun échange et propose de changer des choses lorsqu’il pense que c’est nécessaire, la chanteuse définit les thèmes et les textes, et ensuite, on met tout ça dans le même bol pour voir ce qui se passe quand on mélange tout ça. Au fil des petits arrangements, on va enregistrer pour proposer ce qui, on l’espère, va vous plaire.
Brice s’occupe de la grande majorité des compositions. Orkhys présente aussi la particularité d’avoir une harpe. Comment ces arrangements sont-ils envisagés ? Brice pense-t-il d’office aux passages de harpe, Laurène propose-t-elle de l’inclure à tel ou tel moment ou est-ce un travail de groupe ?
Brice s’occupe de 99% des compositions, et il inclut aussi la harpe quand il pense que ça sert le morceau. Il cherche à construire quelque chose et si dans un morceau il y a besoin de la harpe, il compose la ligne de harpe. Parfois, il propose des choses qui sont difficilement jouables à moins d’avoir douze bras et, à ce moment-là, il y a une refonte de ces passages pour que ça fonctionne. Le principe de composition c’est ça : il compose des morceaux, nous les soumets et nous, on fait des propositions de changement si on estime que c’est nécessaire ou techniquement impossible à jouer. On part de là pour voir comment on va structurer les textes et la structure de l’album.
A part l’arrivée de Henri, le second guitariste, il y a une autre différence avec le premier album : vous avez inclus un titre en français. Pourquoi ce choix ?
Laurène, quand on préparait ce morceau, elle a senti que, sur ce morceau, c’est le chant en français qu’il devait y avoir. Au niveau de la prononciation de la langue, de son rythme, de ses sonorités, c’est ce qui collait, ce qu’elle percevait. Et je trouve que sa perception était juste, ça fonctionne bien.
Vous avez testé en anglais ?
Non, parce qu’on sentait que ça ne s’y prêtait pas du tout.
Comment analyserais-tu l’évolution d’Orkhys entre vos deux albums ?
Je pense que nous avons progressé au niveau précision et de la maturité des compositions. On a plus facilement trouvé notre place, et notre rôle dans la structure. On a su tirer des enseignements de ce qu’on considérait être des petits travers, des petites erreurs sur le premier album. Ça n’est peut-être rien pour quelqu’un qui écoute l’album, mais nous, on se dit « ah, oui, il y a ce truc qu’on aurait pu faire comme ça. » Alors on a retravaillé tous ces éléments sur le nouvel album pour qu’on ne retrouve pas ces mêmes erreurs dans nos interprétations.
Ce qui a aussi permis une meilleure cohésion de groupe. Quel a été l’apport d’Henri ? Pour l’avoir vu sur scène, j’ai l’impression qu’il a une sacrée personnalité aussi !
(Rires) Ah, oui, oui ! Quand il est sur scène, il prend de la place ! Mais son jeu, qui vient surtout du death et du thrash, a permis de construire des riffs et des structures dans ces styles. Il y a un peu plus de passages black ou thrash qui n’étaient pas présents sur le disque précédent.
Le côté sombre se retrouve également sur les illustrations de vos pochettes très monochromes et sombres. J’imagine qu’il y a un choix artistique également ?
On était parti d’une page blanche… Brice avait gribouillé un arbre sur la gauche, un lac au milieu avec ce qui avait l’air de ressembler à une forme de cheval mais on n’était pas trop sûrs… On s’est dit qu’on n’allait pas mettre ça directement sur la pochette et on l’a confié à quelqu’un qui savait faire du dessin. Je pense que le résultat correspond à ce qu’on voulait : une pochette sur laquelle il y a plein de petits indices au sujet des légendes qu’on va raconter. 2Videmment, il y a les deux indices principaux au milieu de la pochette, c’est dur de les louper ! Mais il y en a d’autres sur les côtés. On avait même posté un truc sur Facebook où on disait que ceux qui trouverait tous les indices, on leur filait un disque. Personne n’a tout trouvé ! Il y a eu des personnes très proches… mais pas suffisamment.
C’est un album qui contient 9 titres. Si tu devais n’en retenir qu’un seul pour expliquer ce qu’est Orkhys aujourd’hui, ce serait lequel ?
Oh, la, la ! C’est très, très difficile…
C’est pas marrant de n’avoir que des questions faciles…
Ah… si, c’est mieux (rires) ! Je pense que je choisirai le dernier morceau, The infernal Kelpie, parce qu’il commence très gentiment, comme une ballade, et, tranquillement, il fini par s’énerver. Il y a de la harpe, quelques orchestrations, des parties plus énervées, un peu de black, un peu de thrash… C’est un mix relativement soft qui peut plaire à pas mal de monde. Et surtout, il y a dans ce morceau un des contrastes que je trouve vraiment trop bien : le chant est extrêmement doux, posé, calme, et quand on lit le texte, il n’y a que des horreurs (rires) !
On sait bien que, aujourd’hui, un groupe de rock, qui plus est de metal, en France vit très rarement de sa musique. Quelles sont vos autres activités, hors Orkhys ?
A part Laurène qui est prof de chant, prof de harpe et qui vit de la musique, tous les autres avons un job. Je fais le job extrêmement passionnant de responsable informatique. Ça fait maintenant 42 ans que j’use des claviers, et j’en ai un peu marre… Je réfèrerai faire de la musique à temps plein… Brice, lui, travaille pour une petite boutique qu’est la RATP en tant que, je crois, responsable de chantier. Henri, lui switche de job et je ne sais pas trop ce qu’il fait en ce moment, mais ça ne lui plait pas. Julien, notre bassiste est ingénieur dans une entreprise qui fabrique des machines qui servent à faire des prises de mesures.
Si tu devais maintenant penser à une devise pour Orkhys, ce serait quoi ?
Euh… « Libre quoiqu’il en coûte ». C’est d’ailleurs le thème du premier titre de l’album.
As-tu quelque chose à rajouter avant de terminer ?
Je vais dire ce que je dis souvent et que j’estime qu’on ne dit pas assez : je remercie tous les gens qui sont présents lors des concerts, qui achètent nos CD, du merch, qui parlent de nous… Sans eux, on ne serait pas là, et on leur doit le fait d’être là. Donc, oui, c’est normal de les remercier, ainsi que tous ceux qui, comme toi, prennent le temps d’échanger avec nous sur une journée comme aujourd’hui.
On prend aussi du temps sans doute parce qu’on apprécie aussi ce que vous faites…
Oui, mais ce n’est pas un dû, et ça ne coûte rien de dire « merci ».
France, Rock barré (ils appellent ça du « mindfunk rock ») (Autoproduction, 2024)
Un point commun existe entre la musique et la bouffe: il y a de la junk food à consommer et à jeter comme il y a des choses qu’on prend le temps de digérer. Nouriture fait partie de la seconde catégorie dans son genre de musique… Le groupe a déjà publié un premier album en 2020, Kreg’s adventure et revient aujourd’hui avec Barbara vol. 1 – planète pastèque. Ne cherchez pas… Le combo français nous entraine dans ses délires sonores aussi interpelants que barrés. « Cette œuvre dantesque défie les conventions et vous invite à un voyage au-delà de l’ordinaire » dit le communiqué de presse. Tu m’étonnes! Une étrange pochette rose fuchsia, un démarrage tout aussi étrange avec des sonorités de réacteurs de vaisseau spatial, une musique qui démarre doucement avant de monter en puissance, une narration d’histoire, un phrasé rap et du chant torturé. On imagine parfaitement cet album illustrer un film qui mélangerait des univers SF à ceux de Tarantino (Pulp Fiction et Kill Bill ne sont pas loin), du western et des mondes post apocalyptiques, dans un esprit décalé à la Mike Patton meets Living Colour et qui m’évoque parfois 6:33. Ne cherchons pas à coller une étiquette à Nouriture, la formation se laisse porter par ses envies et parvient à proposer un album aussi intrigant et riche musicalement et émotionnellement. Il y a du rock, du punk, du funk, de la new wave, de la pop, du black, de… Bref, Nouriture ne se pose aucune limites, explore, teste et valide. Barbara et ne se digère pas en une écoute mais nous entraine dans des mondes complètement barrés et envoutants.
Interview SIDILARSEN. Entretien avec Viber (chant, guitare), Didou (chan) et Marvyn (batterie). Propos recueillis au Rock In Rebrech’ 13 le 25 mai 2024.
Commençons avec l’actualité : après 15 années passées au sein de Sidilarsen, Samuel a décidé de quitter son poste de batteur. Non seulement était-il un membre originel du groupe, mais il est également le frère de l’un d’entre vous (Didou) et l’ami d’enfance de l’autre (Viber). Que s’est-il passé ? La crise sanitaire l’a amené à faire ce choix ?
Didou : Déjà, c’est au bout de 25 ans parce que, avant Sidilarsen, on avait commencé sous un autre nom. Donc on a vécu une très longue aventure ensemble. Le Covid a sans doute accentué certaines choses, mais il était arrivé au bout de cette vie sur la route. S’il avait pu faire Sidilarsen à la maison, il aurait certainement continué… Il avait besoin de faire ce choix, très douloureux pour lui, mais c’était une question de santé physique et mentale. Ça a été dur pour nous aussi, mais tout s’est passé en bonne intelligence et en bonne amitié. Il n’y a pas de rancœur, mais ça a été difficile. C’est un choix qui n’est pas tout blanc, même s’il a fait ce choix, il y a des moments où il en est triste et en même temps, il en est content. Aujourd’hui, il va mieux.
Je m’adresse à tous les deux – et je te poserai la même question après, Marvyn – comment avez-vous fait la connaissance de Marvyn et qu’est-ce qui a fait la différence entre lui et d’autres batteurs ?
Viber : Le talent ! (rires)
Ça, c’est du fayotage ou je ne m’y connais pas !
Viber : On a passé des annonces, en fait. On a fait u appel à candidatures pour voir qui avait envie de jouer avec nous et commencer à sélectionner. Quand Marvyn est arrivé, on lui a demandé de nous envoyer une vidéo avec une reprise d’un morceau. Ça nous a beaucoup plu et il y a une chose qui nous a marqués : quand on a discuté avec lui, ça s’est bien mieux passé que ce à quoi on s’attendait.
Didou : Il n’y a pas eu d’efforts à faire, on a joué un peu, et c’était naturel…
Donc d’un point de vue musical autant qu’humain…
Didou : C’est ça qui n’est pas forcément évident… Ça peut aller d’un point de vue mais pas de l’autre, bien que je pense que quand ça colle artistiquement, c’est qu’il y a quelque chose qui passe. Des connexions dans les choix artistiques, dans les envies, on se retrouve facilement.
Viber : La charte est assez complexe : il nous fallait quelqu’un qui ait un bon niveau technique, qui aime ce qu’on fait, capable de jouer au clic.
Didou : Il faut être carré pour faire du Sidilarsen…
Marvyn, comment as-tu connu Sidilarsen, comment as-tu découvert ce poste ? Déjà, quel âge as-tu ?
Marvyn : J’ai 25 ans. Je suis né après le groupe.
Didou : Et ça, ça nous plaisait.
Reprenons : comment as-tu découvert le groupe ?
Marvyn : C’est une bonne question, je ne sais pas si on m’a déjà demandé comment j’ai découvert Sidilarsen… J’ai toujours connu le nom qui est un de ceux récurrents en France. Mais je ne saurais pas te dire comment j’ai découvert. Je les suivais, mais je ne les avais jamais vus avant.
Maintenant, tu ne vois que leurs culs…
Marvyn : Oui, littéralement ! (rires)
Viber : Il faut préciser une chose : Marvyn est de Montpellier, donc il ne risquait pas de voiur Sidilarsen…
Marvyn : Vous y avez joué… quoi ? Une fois en 25 ans ? Montpellier, ce n’est pas forcément l’endroit le plus simple. Après, la candidature était sur les réseaux. J’ai postulé mais sans penser à une suite possible… je me disais que c’est un gros groupe, il va y avoir plein de gens qui vont postuler…
Viber : Il y a eu 60 candidatures…
Marvyn : Ah ouais ! Heureusement que je l’ai su après ! Ça a matché, on s’est rencontrés et ça a matché direct. On s’est rencontrés, on a pris décision qu’on passe l’été ensemble pour voir en condition réelles comment ça se passait, aussi bien sur la route qu’humainement.
Didou : Ça a été un peu dur pour Marvyn, cette sorte de « période d’essai », un peu comme dans une entreprise. On n’est pas une entreprise mais il y a des engagements. Si, on est un peu une entreprise, et il y a des choses bien dans les entreprises, aussi.On avait déjà eu des changements de line-up, on savait qu’on ne pouvait pas remplacer Sam comme ça. On voulait prendre du temps et Marvyn était d’accord avec ça. On part sur plusieurs dates, c’est pas simple, il y a une pression très forte, tu ne sais pas encore si tu vas rester ou non dans l’aventure… C’est particulier.
Viber : Nous, on avait vraiment besoin de cette garantie-là, on ne pouvait pas prendre ce type de risque, notre avenir en dépendait pas mal. On ne voulait pas faire comme certains groupes où le line-up change souvent… Un batteur tous les ans, non… On avait besoin de reconstruire une stabilité.
Il y a aussi un bassiste qui a changé en 2019, puisque Sylvain Sarrobert est arrivé dans le groupe. Vous pensez avoir enfin retrouvé cette satbilité ?
Didou : Complètement ! On a fait du bon boulot et on a appris à se connaitre. On s’est dit très tôt que Marvyn est la bonne personne, mais on s’est obligés à prendre du temps.
Et toi, aujourd’hui, tu te sens complètement intégré, Marvyn ?
Marvyn : Totalement. Et comme ils l’ont dit, il ne fallait pas s’emballer. C’était pareil pour moi, et c’était difficile parce que même avant les premières dates, je me disais que ça marchait trop bien. C’était génial, musicalement, humainement. Il fallait que ça continue comme ça, même si je voulais faire comprendre à tout le monde que ça pouvait ne pas continuer… On a très vite attaqué sur des émotions fortes, on a fait des festivals, il y avait des niveaux de concerts que je n’avais jamais atteints – j’avais des groupes locaux avant, mais rien de comparable ! Garder la tête froide. Mais (il s’adresse à Didou et Viber) quand on a fait un point au milieu de l’été, vous m’avez aidé à garder la tête froide.
Didou : Il y a cette simplicité aussi, on ne veut pas de ces gens qui se prennent la tête…
Revenons un peu en arrière : 2019 voit la sortie de On va tous crever. Avec le recul, on peut se dire que c’est un titre un peu prémonitoire puisque, quelques mois plus tard, il y a eu un confinement. Mais… hasard du calendrier, au début du mois de mars 2020, vous sortez la vidéo du titre On va tous crever. Coup sur coup… Vous n’avez pas un peu l’impression d’être responsables de tout ce merdier ?
Didou : Si, si, si, et on le dit : On vous a sauvés (rires) ! J’ai beau expliquer aux gens que c’est nous qui avons lancé le virus, ils ne me croient pas !
Pourtant, c’est vrai que tu as une tête de pangolin (rire général) !
Didou : Tout était calculé…
Vous étiez en relation avec la Chine…
Viber : Et au niveau du management, ça a été du haut niveau.
Donc vous assumez complètement cette responsabilité.
Didou et Viber : Oui, totalement (rires)
Plus sérieusement, la crise sanitaire est passée par là, elle a dû vous contraindre à annuler une partie de la promo et des concerts aussi… Quel impact est-ce que ça a eu sur les ventes de l’album ?
Didou : Bizarrement, pour Sidi, on a eu de la chance, contrairement à ceux qui ont sorti un album pile au moment de la crise. Nous, l’album est sorti 6 mois avant, donc il a eu une petite existence. Et comme tu l’as expliqué, paradoxalement, la crise a collé avec la thématique de l’album, et du clip. Bizarrement, le groupe a grossi pendant la crise sanitaire. Au final, on n’a pas trop ressenti de baisse. On a été très angoissés comme tous les artistes (Viber confirme), on se disait que peut-être on ne ferait plus notre métier. Il y a eu quelques mois où les artistes, tous, même les plus gros, se disaient que c’était peut-être fini. Et ça, ça laisse des traces, il y a des traumas qu’on sous-estime.
Les interviews que je pouvais faire à cette période, à distance, ce n’était pas du tout la même ambiance…
Didou : On est d’accord qu’on n’était pas bien, tous… Peur ou pas peur du virus, c’est pas ça, c’est l’ambiance globale qui était malaisante. Sans se lamenter parce que tout le monde était concerné à ce niveau-là, pas que les artistes… Mais, en tant qu’artistes, je parle de ce que je connais, on a eu très peur. Mais Sidilarsen… On a été très soutenu par notre public : les gens ont acheté du merch en ligne comme jamais. On a halluciné, on voyait qu’on n’avait plus rien, et, en fait, ça nous a tenus. On a trouvé de nouveaux modèles, on a même fait une bière Sidilarsen, on est devenus brasseurs… on a fait des trucs, on n’y pensait même pas. Et finalement, on a réussi à redémarrer la tournée On va tous crever comme si rien ne s’était passé… On a eu plus de monde dans les concerts, plus de monde qui chantait nos paroles et, ensuite, l’arrivée de Marvyn a continué d’alimenter cette dynamique.
Donc, d’une certaine manière, vous avez tiré un bénéfice de la crise sanitaire…
Didou : Ça s’est passé comme ça…
Viber : On ne sait pas ce qui se serait passé sans le covid.
Didou : L’album On va tous crever avait très bien démarré…
Il y avait une dynamique en route, d’ailleurs, avec l’explosion de Dancefloor bastards, vous avez passé différents paliers.
Didou : Oui, il y avait déjà une dynamique, et là, on sent encore quelque chose de plus fort.
On va tous crever était un album assez pessimiste, entre le titre, les couleurs ternes et cette personne en train de s’enflammer aussi… Vous revenez avec Que la lumière soit, un esprit peut être un peu plus SF – la pochette m’évoque l’univers de Star Wars. Il y a cependant toujours cet engagement qui a toujours collé à la peau de Sidi. Qu’avez-vous voulu mettre dans cet album ? Un peu plus de lumière ?
Viber : Oui. Quand on a choisi ce titre, on avait décidé qu’on voulait mettre de la lumière…
Ça veut dire que votre engagement a changé ?
Viber : Non, ça n’a pas changé mais il y a peut-être une conscience sociale… On est sensibles à ce qui nous entoure, à la société dans laquelle on évolue – on évolue avec elle. Il y a eu beaucoup de choses qui se sont accumulées, personnellement, je me disais « c’est bon, il y en a assez ». Et il y a la guerre en Europe, au Moyen Orient, et plein d’autres endroits dont on parle moins. Donc on voulait un peu de lumière, parler de ce qui nous tient à cœur, de ce qu’on veut changer dans la société mais pas en accumulant de la violence et pas… plus de name-dropping, désignation. Tout est, aujourd’hui, très polarisé, et on ne voulait pas de ça sur l’album, on voulait vraiment que ce soit ouvert, que les gens puissent rentrer dedans. Il est sombre, mais je trouve aussi qu’il est rassembleur.
Didou : Si on se plonge dans les textes, souvent il y a des couplets très sombres et des refrains plus lumineux, positifs. Il y a plus de célébration, d’espoir : « on est tous ensemble et on va pouvoir se relever ». Il y a quand même une partie très dark… « Que la lumière soit » c’est aussi très ironique, ça évoque la part sombre de la lumière, mais aussi, on a pris le contre-pied total de On va tous crever… Quand on a choisi le titre, Que la lumière soit, ça m’a fait le même effet que quand on a choisi On va tous crever : Ouais, c’est bon ça ! (tous se marrent)
Justement, par rapport à ça, quel a été l’apport de Marvyn, un nouveau batteur au jeu certainement différent de celui de Sam, selon vous deux et aussi, selon toi Marvyn ?
Viber : Il y a effectivement un apport, même si Sam est irremplaçable, mais il n’est plus là…
Didou : On ne voulait pas d’un Sam 2, et en plus, ça nous aurait vite saoulés…
Viber : Le remplacer par quelqu’un qui fait une imitation, ça aurait été très con… Marvyn est arrivé avec sa personnalité, sa façon d’avancer, de bouger et de vivre la musique et d’insuffler une énergie très… personnelle et particulière.
Didou : Il y a cette année la patte de Marvyn.
C’est quoi, alors, « la patte de Marvyn » ?
Didou : C’est un petit truc… Il faut l’écouter (Marvyn rit).C’est difficile à définir…
Comme les guitaristes, chaque batteur a sa signature. Quelle st, Marvyn, ta signature, qu’est-ce qui te différencie de Sam et qui pourtant te permet d’être un membre à part entière de Sidilarsen ?
Marvyn : Ce qui me différencie de Sam ? C’est dur… Sam était connu pour être un métronome. Je pense l’être moins mais je tente des trucs qui parfois ne passent pas mais au moins, j’y vais !
Scéniquement, pour quelqu’un qui a vu l’ancien Sidi, on sait que Sam allait chercher le public directement sur scène. Est-ce que tu as ce même type de connexion, est-ce que tu quitte ton kit ?
Marvyn : Non, pas comme ça en tout cas, parce que, pareil, l’idée n’est pas de faire la même chose. On s’est posé la question. J’aime beaucoup l’énergie live et je l’interprète aussi à ma manière.
Didou : Ce que je vois, ce que je constate depuis les balances – mais je ne suis pas dans le public – c’est quelque chose de plus… libéré par rapport à Sam. Plus physique aussi. Sam était très concentré, très sec et physique aussi, ce qui a participé à la notoriété de Sidi aussi. Maintenant, quand il allait haranguer le public, c’est parce qu’il en avait besoin. Il était tellement dans son clic qu’il fallait relâcher. Il fallait qu’il libère un peu cette énergie. J’ai l’impression que Marvyn est déjà dans cette énergie, un peu moins dans le contrôle, mais c’est complètement subjectif. Il est moins cérébral…
Marvyn : C’est aussi ma façon de profiter du moment…
Didou : Quand on a auditionné des batteurs – on le savait parce qu’il y a des fois où Sam ne pouvait pas jouer et où il a été remplacé – ça ne collait pas. (A Marvyn) Tu as une frappe différente mais qui marche pour Sidi. Bien sûr, il y a des points communs, il fallait que ça colle, dont la fameuse frappe de caisse claire… Il y a beaucoup de batteur qui n’avait pas ça. Sam avait une frappe très…particulière qu’on voulait retrouver.
En dehors de l’arrivée de Marvyn, comment analysez-vous l’évolution de Sidilarsen entre On va tous crever et Que la lumière soit ?
Viber (d’un ton totalement détaché) : Alors… on arrive aux sommets… C’est l’Olympe (rire général) ! Comment on analyse ? Je pense qu’’il y a des choses qu’on a trouvé en nous et avec le public qui nous a permis de nous poser un peu plus. Le confinement a permis une introspection, un retour à la racine – pourquoi on est là, pourquoi on fait ça, et si on continue, on sait pourquoi on continue… On a répondu à plein de question. Le fait aussi de l’essor de notre notoriété avec cet album nous a vraiment fait du bien, je ne te le cache pas. Ça rassure te je pense aussi que cette période nous a permis de faire tomber des grillages qu’on se posait. On s’en est libérés, délivrés… Ce faisant, on était plus libres pour aborder les choses de manières plus sereines, plus faciles. Ça a été plus facile et… plus joyeux.
Didou : Oui, plus joyeux… C’est marrant de dire ça, mais…
C’est aussi un changement d’état d’esprit : le fait que vous soyez plus joyeux, rassuré, que le public vous a soutenus pendant la crise sanitaire…
Didou : Le départ de Sam aussi… Il a fallu le digérer mais après, ça a été comme une sorte de libération, une seconde jeunesse…
Viber : On s’est aussi dit qu’après ça, il ne pouvait plus arriver grand-chose !
Didou : Aussi, Marvyn, Benben (Benjamin Lartigue, guitare) et Sylvain (Sarrobert, basse) se sont bien trouvés pour composer les instrus…
C’est un critère de s’appeler Benjamin pour être guitariste dans Sidilarsen ?
Viber : C’est obligé oui ! (Rires)
Didou : « L’esprit léger » qu’ils avaient tous les trois – je dis « léger » mais ils envoyaient du lourd – il ne se prenaient pas la tête alors qu’avant, dans Sidi, on se prenait beaucoup la tête… On ne se rentrait pas dedans, mais on se faisait des nœuds au cerveau. Le calcul, la compo… Eux, ils sont arrivés, et c’est plus simple. Nous (Vyvber et Didou), on accueille ça et on n’a jamais été autant dans la joie, comme le dit Viber, on n’a jamais été aussi bien quand on a posé nos textes et nos lignes de chant.
Si vous deviez, chacun, ne retenir qu’un titre de Que la lumière soit pour expliquer ce qu’est l’esprit de Sidilarsen aujourd’hui, ce serait lequel et pourquoi ?
Didou : C’est compliqué…
Marvyn : Logiquement, je pense au single, parce que c’est un peu l’approche qu’on a eu quand on a pensé au single à sortir pour présenter l’album. Il fallait quelque chose qui représente l’album et qui ait aussi sa propre personnalité : On revient sur terre, donc, parce qu’il y a un peu de tout ce qu’on retrouve sur l’album, un refrain épique qui rassemble, la partie un peu plus metal… un peu de tout !
Viber : Moi, ce serait Adelphité, pour le côté rassembleur et le coté, quand même, revendicatif. Il est mid tempo et bien lourd, et très mélodique. C’est des trucs qu’on n’arrivait pas à faire avant, qu’on avait essayé il y a longtemps mais un peu abandonné… Mais aussi par rapport aux impressions que j’ai reçues de gens autour de moi qui ne sont pas du tout dans le metal… Cet ensemble de choses, avec des influences assumées, qui me représente vraiment aujourd’hui. Un nouveau Sidi…
Didou : C’est difficile, parce que j’aurai répondu la même chose qu’eux deux. Je vais faire exprès de répondre différemment (rires). Je dirai Du sang sur les fleurs. En plus, c’est aussi un clip, et ces jours-ci, je trouve qu’il représente une nouvelle facette de Sidi. Même si on ne peut pas nous représenter avec un seul morceau, c’est un titre très changeant, très vivant. Sur ce nouvel album, et c’est aussi ce qui nous rend heureux, il y a beaucoup de morceaux qu’on estime « forts ». Il y a un bon paquet de titres qui nous tiennent à cœur et les gens ont l’air de bien recevoir ça.
Viber : Il y a des choses qu’on n’aurait pas faites avant, qui se justifiaient pour nous de manière différente. Là ce n’est plus le cas, ce n’était pas dur à faire, avec des passages plus posés, plus aérés.
J’ai l’impression qu’il y a aujourd’hui une belle unité dans le groupe, en tous cas, vous semblez satisfaits de l’arrivée de Marvyn. Si aujourd’hui vous deviez réenregistrer un des albums de Sidilarsen avec le line up actuel, ce serait lequel ?
Viber : Probablement Une nuit pour sept jours, parce que (Didou et Marvyn approuvent)… Tu es d’accord aussi ?
Marvyn : Oui, mais pas pour les mêmes raisons…
Viber : C’est un de nos albums les plus arrangés. On avait beaucoup travaillé sur le son et on a été déçus du mix…Au final, c’est trop brutal, c’est sec…
Didou : Ça manque de dynamique.
Viber : On a été frustrés. Après (se tournant vers Marvyn), vu de l’extérieur…
Ca a été ton choix, aussi, Marvyn…
Marvyn : Oui, parce que c’est un album de cœur dont je ne me lasserais jamais. Et je l’aime aujourd’hui avec ce son-là. C’est un plaisir coupable, mais ça serait moins bien, c’est juste pour dire « j’y étais » ! (Rire général)
Didou : Je dis la même chose parce que c’est vraiment l’album qui nous a le plus frustrés. Il y avait de belles choses dessus, premier album composé à 100% avec Benben qui avait apporté beaucoup de mélodie. On était dans cette fameuse période de « aucune limite à rien » on osait tout.
Marvyn : je le trouve plus dans l’esprit de ce qu’on fait maintenant, il est plus metal, et on est plus metal…
Didou : Je suis assez d’accord. Mais je sais que Sylvain et toi vous êtes d’accord là-dessus, même au niveau de la prod – et nous, on la trouve à chier…
En même temps, c’est souvent une impression qu’on retrouve de l’extérieur, il y a des dizaines d’albums qu’on pourrait citer qui plaisent au public mais pas aux musiciens…
Didou : Bien sûr, et c’est totalement subjectif.
Il y a de très belles dates à venir, un mois d’octobre bien rempli avec un Sidifest, un Olympia, une date avec Crisix aussi… Comment vous préparez toutes ces dates importantes pour Sidi ?
Viber : On a fait des résidences pour travailler la lumière, la scénographie, on a beaucoup répété…
Didou : A partir de maintenant, les meilleures répètes, c’est les dates.
Vous envisagez la possibilité, en discutant après les concerts de modifier la set list parce que tel morceau ne passe pas aussi bien que vous le pensiez ?
Didou : Ah oui !
Marvyn : On ne le fait pas à chaque date, mais presque…
Didou : On ne modifie pas forcément la setlist, mais on modifie soit des arrangements, soit des détails…On modifie beaucoup. On va même refaire des résidences après l’automne pour encore peaufiner le show. Cet album, on a envie de le défendre sur plusieurs années. Les gens nous disent « waow, c’est une belle tournée », mais en fait, non : ce n’est que le début ! On va le défendre longtemps cet album, il le mérite.
Vous allez le défendre longtemps : on le sait en France, rares sont les groupes de rock qui peuvent vivre de leur musique. Avez-vous, dans voos autres vies, des activités plus alimentaires ?
Didou : On a la chance, et on n’est pas beaucoup en France sur la scène metal, de pouvoir en vivre. On est intermittents du spectacle, et on a quelques plans à côté parce que Sidilarsen ne peut pas tourner tout le temps. Parfois, il faut se mettre en retrait. Il faut se poser, se retirer pour composer et dans ces moments-là, on n’a pas de cachets. Ceci-dit, on a maintenant la chance de travailler avec une maison de disque sérieuse qui nous donne un cachet pour le travail en studio, mais parfois on est obligés de compléter. En tant qu’intermittents, on a des plans « tech », toujours dans le domaine de la musique.
Marvyn : Pareil, je fais pas mal de plans « home tech » pour des groupes.
Didou : Sylvain et Benben aussi. On a la chance de pouvoir le faire, j’ai bien conscience qu’il y a pas mal de groupes pour qui ce n’est pas le cas, mais je peux te dire qu’on ne chôme pas. Parfois, on fait des heures par semaine. On s’occupe de tout, on fait la com’, le management, le merch… C’est une boite, Sidilarsen. On a des réunions toutes les semaines, sauf quand on est en tournée où, là, on se voit tellement (rire général). On a le temps de parler dans le camion. Les gens ne le réalisent pas forcément, mais aujourd’hui, un groupe se gère sur un million de plateformes différentes, des réseaux… il y a toujours plus de trucs à gérer…
Viber : Toujours plus de trucs à gérer et moins de pognon qui rentre… le streaming vidéo, par exemple, ça rémunère zéro. L’ADAMI s’en plaint, il y a plein de choses qui ne sont pas mises à jour…
Terminons avec ceci : quelle pourrait être la devise de Sidilarsen en 2024 ?
Viber : … Que la lumière soit !
Marvyn : Ça marche aussi en devise !
Vous avez quelque chose à rajouter ?
Didou : rendez-vous au Sidifest et à l’Olympia en octobre.
On va peut-être commencer par le Rock In Rebrech, ce soir, non ? (Rire général)
Didou : Oui, bien sûr, on passe tout à l’heure… à 23h30…
Comme son nom l’indique, The giant rooster est un Ep. Composée de 5 titres, cette carte de visite des Rois de la gâchette, Trigger King – groupe formé à Mulhouse en 2021 – nous propose un rock à la fois épuré et plein d’émotions. Chaque titre a sa spécificité, nous replongeant dans diverses époques de rock simple et direct qu’on aime. C’est la rencontre entre le guitariste/chanteur à la voix sensuelle et suave Georges Baramki et Hugo Cladé, le guitariste aux riffs léchés et bluesy, sautillants et trépidants, qui lance ce projet auquel se joint la section rythmique (le bassiste Gilberto Izquierdo et le batteur Rémy Dutscher). Si le quatuor ne réinvente rien, il inclue tant d’âme dans ses sources d’inspirations qu’il crée son propre son. On navigue de BO de série télé des 90’s (Take me by surprise) et rock quelque peu psyché (Riding high) en passant par des sonorités plus rock US 70’s (Season in the sun), southern rock (Butterflies) ou la très jolie ballade sentimentale (Reaching for the moon), le tout chanté dans un anglais parfaitement maitrisé. Voici un disque si chaleureux et réussi qu’on a simplement envie qu’il continue encore et encore. Un de ces albums qui donnent simplement envie d’être réécouté pour le plaisir. Une réussite prometeuse qui, espérons-le, permettra à Trigger King de se placer sur le podium des futurs grands espoirs du rock international. Car, oui, il s’agit bien de ça, bien plus que de rock simplement étiqueté « français ». Un groupe à découvrir d’urgence.
Cinq petits titres qui bastonnent, c’est ce que nous propose BrokNFace, nouveau venu sur la scène dite Rap Metal/Metalcore mais qui n’est pas que ça. Les amateurs de Hip Hop énervé et de mangas seront aux anges à la découverte de ce Leave to live – belle philosophie que de « partir pour vivre », doux pendant de « Rester, c’est mourir un peu ». Les fans de Rise Of The North Star et consorts seront ravis de pouvoir enfin trouver un peu de concurrence car BrokNFace inclus plus que les simples références précités dans sa musique. Le chant allumé évoque parfois un Mike Patton déjanté (comment ça, c’est un euphémisme?) sur fond de guitares syncopées et de rythmiques décalées. Ou l’inverse. Ca donne l’impression d’aller dans tous les sens mais l’ensemble reste sous contrôle. Leave to live a besoin de temps pour être digéré, le groupe proposant une musique complexe qui doit se révéler brutalement sur scène. A découvrir.
Entretien avec (de gauche à droite sur la photo) Dédo (chant), Cléo Bigontina (basse), Xavier Gauduel (Batterie) et Antoine Schoumsky (Guitare, chant),. Propos recueillis au Rock In Rebrech 13 le 25 juin 2024
On n’a pas tous les jours rendez-vous avec une altesse royale. Alors quand elles sont quatre d’un coup, on sait qu’on va passer un bon moment. Avant d’enflammer le public du Rock In Rebrech, les Princesses Leya nous ont accordé une audience à leur image : fun et décalée.
On connait l’un (Dédo) en tant qu’humoriste, l’autre (Antoine Schoumsky) comme acteur et doubleur, mais quelles sont les activités hors Princesses Leya des deux autres ?
Cléo : Je suis bassiste, des Princesses Leya et d’autres projets aussi.
Xavier : Je suis producteur de spectacles vivants, plutôt dans l’humour.
Tu produits les deux messieurs ici présents ?
Xavier : Entre autres, oui.
Antoine : En fait, c’est comme ça qu’on s’est rencontrés. Monsieur était mon tourneur quand je faisais mon seul en scène, je faisais le comique à une époque, et maintenant Xavier s’occupe du spectacle de Dédo. A un moment, on a tourné ensemble sous le nom des Insolents et c’est Xavier qui s’occupait de nous.
Les Insolents… Pourquoi les Princesses Leya, alors ?
Xavier : On cherchait un nom un peu féminin dans ce monde de metal, un peu trop masculin, et un soir, par hasard… enfin, « par hasard »… Quand Carrie Fisher est morte, j’ai envoyé un texto à Dédo en suggérant Princesses Leya…
Carrie Fisher est morte ???
Xavier : Ouais, je suis désolé. Fin de l’interview ! (Rire général)
Antoine : C’était il y a 7 ans en plus…
Dans l’univers des Princesses Leya… D’ailleurs, on dit Les Princesses Leya ou Princesses Leya ?
Antoine : C’est comme on veut. On est quatre princesses, quatre petites princesses…
Petites ?
Antoine : On fait pas 2m15, on n’est pas NBA non plus…
Xavier : Pas encore…
Antoine : On est des princesses de taille moyenne. Mais c’est long à dire. « Petites princesses » c’est mignon, « de taille moyenne », c’est chiant…
Cléo, comment es-tu arrivée dans ce groupe de trois mecs ?
Cléo : Ben… Parce que je suis bassiste et, du coup, ils cherchaient une bassiste, et j’ai passé une audition. Que j’ai a priori brillamment remportée puisque, en plus, je suis encore là, sept ans plus tard…
Xavier : Parce qu’il n’y avait que toi, aussi…
Cléo : C’est vrai.
Dédo : Elle aurait pu la louper en étant seule quand même…
Vous avez un peu d’actualité puisque, il y a quelques temps déjà, est sorti votre dernier album, The big bang therapy sur lequel on retrouve le côté décalé qu’on avait découvert sur le premier album. En revanche, c’est un album beaucoup plus musical, avec moins de sketches. Qu’est-ce qui vous a poussés à vous orienter plus sur la musique que sur les sketches ?
Antoine : Quand on a commencé avec le spectacle, on ne l’envisageait pas comme un groupe de musique mais vraiment comme un spectacle comme on a l’habitude de faire, un peu théâtral. Le premier album est arrivé un peu à cause du Covid, qui a mis un gros coup d’arrêt à nos activités, comme pour beaucoup de gens. Comme on est assez pro actifs, on s’est demandé ce qu’on pouvait faire. On s’est dit qu’on pouvait sortir un album des chansons du spectacle parce que beaucoup de gens nous le demandait à la fin. C’est après ce premier album, L’histoire sans fond, qu’on s’est dit que finalement on pouvait se comporter comme un vrai groupe. On a eu la chance d’être assez rapidement repérés et mis en lumière par le milieu metal – on a fait le warm-up Hellfest et des trucs comme ça. Au début, on n’assumait pas trop ce positionnement d’être « un vrai groupe » parce qu’on est un groupe parodique…
Vous n’assumiez pas quoi ? le « vrai » ou le « groupe » ? (Rire général)
Antoine : Un peu des deux…
Dédo : Il a raison, c’est venu de ça principalement. Et on a aussi fait une synthèse de ce premier album et de cette première grosse tournée où on s’est dit qu’il y avait peut-être un autre équilibre à trouver entre les parties théâtralisées et les parties musicales. Du coup, on a mis un peu plus de musique sur le deuxième album, et, à force, on s’est dit qu’on pouvait « assumer » un peu plus de composer des vrais morceaux. On n’est pas là, on l’espère en tout cas, que pour les blagues, on est aussi là pour la musique.
Composer de la musique, c’est une chose, écrire des sketches, c’en est une autre. Lier les deux dans l’esprit de Princesses Leya, encore autre chose. Comment vous y prenez-vous dans votre process non pas de composition mais d’écriture pour pouvoir lier les deux ?
Antoine : Pour nous, c’est les deux. On écrit des histoires, à côté on est scénaristes aussi. Tu écris une histoire sauf qu’au lieu de placer un dialogue, tu passes en mode chanson. Mais c’est le même principe. On écrit pour avoir cette théatralité, une rupture de rythme avec les blagues… C’est un autre ton…
Dédo : Les morceaux ont une certaine thématique, et par moment, on l’installe avec des passages un peu plus scénarisés, mais c’est assez fluide. Là, dans le spectacle, on se balade de dimension en dimension pour essayer de metaliser le monde et on a trouvé un lien logique entre les chansons pour articuler ça autour d’une histoire.
Justement, il y a une histoire de base, comment envisagez vous vos délires spatiaux pour les adapter sur scène.
Antoine : On l’envisage en fait comme une comédie musicale, c’est le terme qu’on employait au début. C’est un terme, tu meux tout mettre dedans, on n’est pas Kamel Ouali (rire général)
Xavier : Là tu as ouvert la porte !
Antoine : Faut pas nous embarquer sur Kamel Ouali !
Pourquoi donc ?
Antoine : Non, non, on peut faire des jeux de mots qui nous embarquerons jusqu’à jeudi prochain ! On est plus sur les comédies anglo-saxonnes, à Londres où c’est joué en live. Ils ont une culture pop rock qui est très présente. Je suis très intéressé par ces spectacles-là, leur scénographie…
Dédo : C’est vraiment pensé comme une comédie musicale ou une pièce de théâtre, en tout cas pour la partie « sho ». On l’a fait assez naturellement. Parfois, on illustrait l’histoire avec un semblant de scénario qui se dessinait et le groupe se retrouve avec différents éléments qui nous arrivent au fur et à mesure, et il y a une résolution scénique.
Antoine : Et ça reste simple, on n’a pas besoin de mettre trop d’artifices sur scène, trop de jeux de lumières.
Cléo : Déjà, il y a zéro décor, on est vraiment dans une configuration concert.
Zéro décor, mais il y a des tenues, un peu de visuel…
Antoine : Oui, mais ça tient vraiment plus sur le propos et sur ce qui nous arrive.
Dédo : Le véritable changement sur ce second show, c’est qu’on a un personnage extérieur qui interagit avec nous par le biais d’une voix. C’est le vrai changement par rapport au premier spectacle.
Simplement pour vous faire comprendre, je préfère le préciser, que j’ai attentivement écouté votre album…
Antoine : Ah ! Ça fait plaisir…
Je repends une phrase : « Vous aurez du succès et vous pourrez jouer dans des endroits dont vous ne rêviez même pas ». Euh… Rebréchien ?
Antoine (très sérieux) : Mais c’est dans la liste.
Des endroits dont vous ne pouviez pas rêver… (rire général)
Dédo : C’était impossible d’en rêver, c’est au-delà de nos rêves ! Parce qu’on ne pouvait même pas l’imaginer !
Antoine : Non.
Cléo : Impossible…
Xavier : C’est trop beau pour être vrai, en fait.
Le beau, tu le mets entre guillemets ?
Xavier : Non, non : B.O.
Il y a d’autres endroits comme ça aux quels vous ne pensiez même pas et qui se trouvent sur la liste des lieux de vos concerts ?
Cléo : C’est vrai, il y en a…
Antoine : On va retourner à la Ferté sous Jouarre, au Fertois fest 2024. J’en avais déjà entendu parler, donc je l’avais dans ma tête, je me disais « j’espère qu’un jour… » (tous approuvent).
Dédo : 2024 !
Antoine : Et je leur ai apporté du bonheur quand je leur ai annoncé : « Vous savez quoi ? On va jouer… à la Ferté sous Jouarre ».
Quelle a été votre réaction à tous, en entendant ça ?
Dédo : Moi, j’ai pleuré deux jours… deux jours d’affilée de… de toutes les émotions possibles. Déjà, il a juste dit « on va jouer à la… » J’ai commencé à pleurer… Ca m’a pris aux gorges… Oui, j’ai plusieurs gorges… Deux jours. Il m’a fallu deux semaines pour reprendre mes esprits.
Je suis obligé de rebondir là-dessus…
Dédo : Ouais.
Tu as plusieurs gorges…
Dédo : Ouais.
Profondes ?
Dédo : Nan. Tu as un problème, toi, tu fais des allusions !
Xavier : J’ai même pas entendu, moi…
Dédo : Quand on était à table, tout à l’heure, il avait des propos équivoques…
Moi ?
Dédo : Oui, oui…
Mais ça n’a pas été enregistré ! (Rire général) Sur le dernier album, si vous deviez chacun ne retenir qu’un seul titre…
Cléo : Oh, non ! Trop dur !
(Rire général suivi d’un joyeux bordel) Attends, laisse-moi finir !
Cléo : Non, non…
Est-ce que je vous interromps, moi ?
Cléo : Non, c’est vrai. Je suis désolée…
Donc, si vous deviez chacun ne retenir qu’un titre pour expliquer ce qu’est l’esprit de Princesses Leya aujourd’hui, ce serait lequel ?
Antoine : Big bang. Parce que l’album est une exploration du pourquoi l’univers part en couilles et que dans chaque univers où on va on ne trouve que des gens fracassés ou débiles, on se dit qu’il faut trouver la raison pour laquelle l’humanité évolue toujours merdiquement, et il faut aller à la source : au big bang.
Xavier : Moi ce sera… Je ne me souviens plus de la question
Je reformule : si tu devais choisir un titre de l’album pour expliquer à quelqu’un ce qu’est l’esprit du groupe, ce serait laquelle ?
Xavier : Ah ! Alors ma préférée…
Pas forcément ta préférée, celle qui vous représente le mieux.
Xavier : Alors, je vais laisser la parole à Cléo et à Dédo, je réfléchis pendant ce temps…
Cléo : Je dirai Analphabet, ça résume bien le délire du groupe…
Antoine : Il y a un peu de débilité là-dedans, aussi…
Vous vous rendez compte que, si on change l’orthographe du mot on en change tout le sens, étymologiquement ? Analphabète, il y a An – dépourvu de- alphabet. En remplaçant le ph par un f, on a « anal », pas besoin d’explication, la note fa et « bête », idiot. Donc, « un imbécile qui fait de la musique avec son cul »…
Antoine : Ah, c’est un point de vue…
Dédo : C’est d’ailleurs ce qu’on aime, que chacun se fasse son interprétation. Il n’y a pas d’explication dans tout ce qu’on fait, mais si les gens trouvent ça incroyablement malin et intelligent, avec plaisir !
Mais tout ce que vous faites est incroyablement malin et intelligent !
Xavier : Oh, c’est gentil…
Cléo : Mais il dit ça parce qu’on est là
Exactement ! Cléo, pourquoi Analphabète ?
Cléo : Parce que je pense que ça représente bien le côté second degré du projet, on ne se prend pas la tête. On sait qu’on est des gens intelligents et qu’on peut rigoler de ces choses-là…
Vous êtes intelligents.
Cléo : Ouais.
Et vous avez cette intelligence, celle de l’autodérision.
Cléo : Complètement…
Dédo : Je vais en choisir une autre alors… Kangourou Garou, je pense, pour les mêmes raisons : il y a une thématique décalée et c’est un peu metal, ça part aussi sur autre chose musicalement, d’autres influences. Ça mélange plusieurs genres, plusieurs thèmes…
Cléo : Eh, mais moi, là je suis d’accord, en fait !
Xavier…
Xavier : Alors, je dirais Boulimie cannibale pour la simple et bonne raison que c’est ma préférée de mon groupe préféré, Princesses Leya
Cléo : Oh, c’est mignon…
Tu ne serais pas un peu fayot, toi ?
Xavier : Ecoute… Je laisse en décider les superbes personnes qui vont lire ton superbe article.
Quels sont les projets à venir pour Princesses Leya ?
Antoine : Il y a une tournée avec Ultra Vomit en novembre…
Ultra Vomit/Princesses Leya… on n’est pas du tout sur le même registre d’humour.
Antoine : Quand on a commencé, c’est là où on peut un peu se prendre la tête, on cherche des sujets. Il y a beaucoup de choises qui ont déjà été explorées dans le scato , les gros nichons et compagnie. On s’est demandé si cet humour-là viellii bien, on n’est plus tellement adolescents même si jeunes dans la tête. On veut réussir à faire un mix de paroles qui parlent de faits de société mais de manière légère. On essaie de ne pas trop aller vers un humour qui est déjà très bien fait par d’autres personnes.
Comment travaillez-vous ces sujets ? Est-ce que chacun arrive avec une idée de thème à aborder ? On pense à l’analphabétisme, mais aussi à la misère sexuelle dans Baise tout seul…
Antoine : On n’en débat pas… Ça vient tout seul, même si, naturellement, ça nous est déjà arrivé de travailler des chansons qui ne rentre pas avec le reste…
Qu’est-ce qui fait que ça va passer ? C’est d’abord votre ressenti ?
Cléo : Ça joue aussi, oui…
Antoine : C’est d’abord les compos. Ce n’est pas tant les thèmes que ce qu’on en fait. Quand on arrive avec des thèmes, on développe les paroles, parce qu’on a tel scénario. Entre la V1 et la version qu’on a enregistrée, il y a un grand écart.
Dans votre type de délire, il y a aussi la scène. Y at-t-il des morceaux que vous avez retirés parce que, contrairement à ce que vous imaginiez, ils ne fonctionnent pas si bien que ça ? Le public n’est pas aussi réceptif.
Dédo : On a essayé de voir quelle serait notre setlist préférée, et on a articulé le spectacle autour de ça. Mais je ne pense pas qu’il y ait un morceau spécifique qui ne passe pas…
Antoine : Il y a ce nouvel album, donc il faut quand même faire un mix entre les deux albums : il y a un bon nombre de nouveau titres, mais il a fallu nous demander ce qu’on gardait de l’ancien album. On sait que ces trois chansons là fonctionnent très bien, donc on les garde… Maintenant, avec le nouveau spectacle, on est beaucoup plus proche du concert que d’un spectacle musical, et on prend ce tournant de mettre la musique plus en avant que le théâtre. C’est plus une question de rythme : un spectacle doit avoir des moments d’émotion, ça part fort, il y a des moments de pause, ça repart…
Dédo : Trouver une homogénéité dans la setlist. Il faut faire en sorte d’équilibrer les moments calmes et ceux qui bourinent un peu plus.
Y-a-t-il des thèmes qui n’ont pas leur place dans Princesses Leya ?
Antoine : Non… Comme je le disais, la blague pour la blague, empiler des blagues et des jeux de mots, ce n’est pas ce qui nous intéresse. On aime bien l’idée d’un concept. S’il y a un troisième album, il faut qu’il y ait une histoire derrière.
Dédo : Le but, ce n’est pas d’être moralisateurs. Si on arrive à avoir un second degré de lecture, on est très contents. Il y a des gens qui choperont le truc, d’autres, pas du tout.
Xavier : Ca se trouve, le troisième album sera totalement absurde, il parlera des fourmis ou d’autre chose…
Ah ! Ca plaira à Bernard Werber !
Xavier : Il y aura toujours des gens pour voir quelque chose.
Antoine : C’est ce qui est rassurant : même si dans une chanson on n’avait rien à dire, il y aura quelqu’un pour nous demander : « mais qu’avez-vous voulu dire ? »
Quelle pourrait être la devise de Princesses Leya aujourd’hui ?
Antoine : Oh, la devise… (désigannt Xavier) C’est lui le spécialiste des devises…
Xavier : Ben… moi, j’aurai dis que c’est l’euro. La devise avec laquelle on nous paye…
Antoine : Je vais laisser les intellectuels y réfléchir…
Dédo : J’ai pas de devise… J’en ai jamais eue…
Xavier : Quel mytho…
Dédo : Ah, bon ? C’est quoi ?
Xavier : « Si c’est noir, c’est beau »
Dédo : Ah bon ? C’est le proc non ?
En même temps, Xavier est habillé tout en noir…
Cléo : Parce qu’il est fan de Dédo… (rires) Mais c’est vrai : pourquoi on n’a pas de devise ?
Antoine : Parce qu’on n’est pas un pays, on n’est pas un hymne, on n’est pas un sport…
Mais vous êtes un groupe ! Alors, avant de monter sur scène, est-ce que vous avez un rituel entre vous ?
(un joyeux bordel de quelques seconde où tous parlent en même temps)
Antoine : Attends : si tu veux de la résilience, fais un groupe de metal !
Développe…
Cléo : Ouh, là ! Mais nous on sait !
Dédo : Moi, je traie une vache avant chaque concert.
On va aller en chercher une dans le champ d’à côté…
Dédo : Mais c’est prévu…
Xavier : Moi j’enquille et je fais du fromage. Un fromage à pâte dure. On ouvre la fromagerie dans pas longtemps…
Cléo : Ben moi, j’aime bien le fromage…
J’aurai pas dû poser cette question…
Xavier : Vite trayé, vite affiné…
Souhaitez-vous rajouter quelque chose pour terminer ?
Antoine : Pardon ?
Je reprends : do you want to add something before we end the interview?
Antoine: Oh, you mean “a last word”? (Avec l’accent canadien) Je voudrais parler au public français de Rebrechien… Extraordinaire…
Cléo : Amazing…
Dédo : We love Rebrechien… We deeply love « Reb the dog »…
Vous avez visité un peu Rebréchien ?
Antoine : Oui, on a fait le tour. J’ai fait 20 mètres ! Un dernier mot ? Vive le steak à Kidiland (rire général) !
Rock and roll! Rusthead débarque avec Gear up, un album 100% pur hard rock n roll qui lorgne totalement et sans complexes du côté d’Angus and co. La guitare craque comme une certaine SG, le groove imparable des riffs évoquent toute la période Bon Scott mais pas que. Formé en 2018 à Cherbourg, Rusthead aime le pub rock australien d’AC/DC, The Angels ou Rose Tattoo autant que le rock énervé made in USA, avec, par instants, de belles intonations sudistes. Loin d’être rouillé, le quatuor développe une énergie communicative, et les 9 titres de ce nouvel album, même s’ils n’inventent rien, sont tellement enjoués qu’ils sont taillés pour la scène. Un groupe sérieux qui ne se prend pas au sérieux (cf. la vidéo de I’m not a slave). A quand une tournée, les gars (et la fille)?
France, Metal instrumental progressif (Source Atone records, 2024)
Nous avions pu découvrir Maudits avec leur précédente publication, un Ep partagé avec Saar paru en 2022. Le trio instrumental « revient » aujourd’hui avec ce Précipice vertigineux de bout en bout. « Revient » car cet album a subi, comme beaucoup d’autres, les affres de la pandémie et a vu sa sortie repoussée. Ce fut, au final un bien pour cette œuvre complexe car Maudits a pu retravailler ses ambiances, les améliorer, les perfectionner. A la base formée par le guitariste Olivier Dubuc, le bassiste Erwan Lombard et le batteur Christophe Hiegel viennent s’ajouter des instrumentiste qui, chacun, apportent une couleur et une émotion supplémentaires et complémentaire à cet album. On retrouve ainsi le violoncelliste Raphael Verguin à la touche grave, le pianiste Emmanuel Rousseau (également au mellotron, aux claviers et au… (euh… c’est quoi?) minimoog) qui apporte un peu de fraicheur et le claviériste et (re « euh… c’est quoi?« ) au Rhodes. Si l’ensemble semble d’approche facile, les structures sont complexes et travaillées sans pour autant jamais être alambiquées. Une petite heure durant, Maudits nous offre des morceaux à tiroirs et nous entraine sur les chemins d’une évasion aux multiples croisements dont tous proposent une destination envoutante. C’est sans doute le mot clé de cet album qui se veut envoûtant et enivrant du début à la fin. Il n’y a pas un instant plus faible ou moins attirant qu’un autre, tout est séduisant. Oh, Maudits nous réserve quelques échappées brutales, mais c’est pour mieux nous rattraper ensuite. On plonge dans ce Précipice avec bonheur et certitude, celle de se laisser entrainer dans cet univers musical bienveillant et éblouissant.
Un mois de mai maussade, une météo peu clémente… Fort heureusement, les « spécialistes » annoncent un léger mieux pour ce 25 mai, première des deux journées du Rock in Rebrech, 13ème du nom qui, une fois encore, accueille quelques jolies voitures. Contrairement à l’an passé, il n’y a pour cette nouvelle édition que des groupes français. Trois groupes sont attendus sur la scène principale, et pas des moindres puisque nous découvrirons les Orléanais de La Jarry qui seront suivis des Princesses Leya et des Toulousains de retour aux affaires, Sidilarsen.
Deux changements de taille sont à noter par rapport à l’édition 2023: No Mad Musik, l’asso organisatrice, a décidé de ne plus faire appel à des food trucks et se charge de toute la boisson et la nourriture. Bonne pioche, la queue ne disparaissant presque pas. Egalement, afin de distraire le public toute la soirée, un camion scène a été ajouté face à la scène principale pour recevoir, entre chaque groupe, les copains de PrimsA qui offrent ainsi une permanence musicale très orienté hard rock 80’s.
Si les préventes ne sont pas mirobolantes, la soirée attirera finalement un public dense – on parle de près de 1.200 entrées – et familial – de nombreux spectateurs sont venus en famille initier les plus petits aux joies de la musique live.
Las… Le temps vire encore au gris et de grosses gouttes de pluie se mettent à tomber… fort heureusement le temps d’un petit quart d’heure à peine. Pas suffisamment longtemps cependant – heureusement ! – pour transformer le terrain en patinoire boueuse.
PRISMA @ ROCK IN REBRECH 13
PrismA, que nous avions découvert live lors du récent CrickFest, est aujourd’hui présent pour animer les changements de plateaux de la scène principale. Démarrant avec un problème technique – la pluie a fait son oeuvre – il faut réinitialiser les claviers dont aucun son ne sort. Mais une fois partis, le groupe nous propose, au cours de ses 3 interventions, un beau panel de son savoir faire qu’on retrouve sur ses récentes productions, dont le plus qu’enjoué album Way of life. Ce sont en tout une bonne quinzaine de morceaux que PrismA nous offre ce soir, avec quelques inquiétudes pour les cordes vocales de Philippe Sanfilippo, le chanteur, visiblement transi de froid… Reste que le hard rock très 80’s proposé par le groupe reçoit un accueil chaleureux d’un public à la fête.
PRISMA @ ROCK IN REBRECH 13
LA JARRY @ ROCK IN REBRECH 13
Les locaux de la soirée investissent la scène pour une bonne heure de ce rock hard ultra vitaminé et festif. Si j’ai entendu parler de La Jarry, jamais je ne me suis penché sur les compos du groupe que je découvre ce soir. Clairement, je suis emballé par ce que j’entends et vois. Les quatre se donnent à fond, entrainant le public (gentiment interpelé dès le second titre par un « ça va les alcooliques? ») avec lui.
LA JARRY @ ROCK IN REBRECH 13
La Jarry propose un rock aux fortes intonations punkisantes et aux textes engagés (J’habite en France, On n’a pas le choix). Benoit Pourtau a le contact très facile avec le public, l’invitant à se rapprocher de la scène (« Allez, venez plus près les bourges! ») ou le faisant participer à plusieurs reprises (Babylone, On n’a pas le choix) et fait même monter qui le souhaite sur scène pour l’accompagner sur J’sais pas danser.
LA JARRY @ ROCK IN REBRECH 13
Un premier concert festif qui met en appétit et qui se termine avec l’annonce du lancement d’une longue tournée de presqu’un an. On vous souhaite de vous éclater, Messieurs, et de vous retrouver bientôt on stage!
LA JARRY @ ROCK IN REBRECH 13
PRISMA @ ROCK IN REBRECH 13
Après un changement de plateau – toujours animé, nous l’avons dit, par PrismA, et qui voit l’espace buvette/restauration ne pas désemplir – les « quatre petites princesses » comme ils se surnomment eux même (cf. l’interview à venir) envahissent l’espace scénique. Princesses Leya attire un public familial et de tous âges – il y a même des bébés heureusement casqués – qui se masse devant la scène. Avec le groupe musico-théâtral humoristique, on sait qu’on va passer un bon moment, mais cette foule, est-ce le nom du groupe, le côté décalé des sketches, la présence de l’humoriste Dédo ou simplement la musique qui la fait se masser devant la scène?
PRINCESSES LEYA @ ROCK IN REBRECH 13
Quoiqu’il en soit, la bande est en forme et balance la sauce dès Analphabet. Puis, rapidement, le groupe entre dans le vif de sa pièce: le public ne comprend rien, ça énerve Dédo qui s’engueule avec le guitariste chevelu Antoine Schoumsky qui, lui, cherche à temporiser et, dans un accès de colère, le chanteur finit par lui arracher sa perruque. Ambiance… Bon, en même temps, on a le public qu’on mérite, hein! Même celui de Sèvre Babylone surtout en reprenant le hit intemporel et universel de Lorie, C’est le week end…
PRINCESSES LEYA @ ROCK IN REBRECH 13
Puis le groupese trouve secoué, propulsé dans une faille spatiale, et se retrouve dans un monde nappé de rouge. Une voix sort d’outre monde, celle de… Satan? « Non, ça c’est mon nom de scène. Je m’appelle Philippe« . Le diable Philippe charge les Princesses Leya d’aller remétalliser le monde et les envoie dans différents univers parallèles. Le scénario est posé, devenant ainsi prétexte à dérouler le show.
PRINCESSES LEYA @ ROCK IN REBRECH 13
Nos heros parviennent à lutter contre et convertir les Kangourous garou, organisent une orgie géante ou chacun Baise tout seul, luttent contre une forme de Boulime cannibale et parviennent même à convertir tout le public aux joie d’un wall of death – quoique, en prononçant ces mots, certains s’éloignent de la zone de clash – qui se transforme en un joyeux pogo.
PRINCESSES LEYA @ ROCK IN REBRECH 13
Toujours plein d’humour, le groupe se dispute sur l’écologie, s’invente des noms de scènes – AbbaCDC, Pateratp – s’adresse régulièrement au public embarqué dans cette folle aventure avec le groupe, public surnommé « l’équipage »
PRINCESSES LEYA @ ROCK IN REBRECH 13
Univers après univers, les Princesses Leya réussissent leur mission, mais il reste cependant à remonter à la source, celle du Big bang. Pour ce faire, Dédo doit surfer sur le public qui le porte aux confins de l’espace et le ramène, sain et sauf, mission accomplie, au point de départ. Oui, mission accomplie! Philippe est content, et en plus, c’est son anniversaire. En guise de cadeau, il veut une interprétation de Boys boys boys de Sabrina, hit intemporel et intergalactique qui devient Balls balls balls… avant que tous, groupe et équipage, ne soient renvoyés dans le monde « normal » remétallisé. Princesse Leya nous a offert un vrai bon moment de détente, et même si certains trouve qu’il y a trop de « blabla », c’est bien une comédie musicale et pas un concert auquel nous avons eu droit. Un moment d’évasion intersidéral.
PRINCESSES LEYA @ ROCK IN REBRECH 13
PRINCESSES LEYA @ ROCK IN REBRECH 13
La nuit est tombée, les familles commencent à rentrer, d’autant plus que Sidilarsenest prévu de monter sur scène à… 23h30. Autant dire que je crains de voir le public déserter plus tôt que souhaité les lieux avec l’humidité qui s’installe. Cependant, hormis les enfants pour qui l’heure du dodo est venue, il reste du monde pour accueillir les Toulousains dont la scène est en train d’être mise en place, tandis que, à l’opposée, une longue file attend patiemment de pouvoir se procurer le merch des Princesses et que PrimsA continue d’animer cette inter session avant de remercier le public venu nombreux.
PRISMA @ ROCK IN REBRECH 13
SIDILARSEN @ ROCK IN REBRECH 13
Sidilarsen s’est fait rare depuis 2019, mais la sortie de son nouvel album, Que la lumière soit, justifie sa venue ce soir. Les dates commencent à s’afficher en nombre et la bande à Didou et Vyber espère bien pouvoir défendre longtemps ce disque déjà remarqué, en tout cas, être sur les routes jusqu’en 2025.
SIDILARSEN @ ROCK IN REBRECH 13
A l’image de la pochette de son album, le groupe tout entier se réunit, en cercle, au milieu de la scène baignée de rouge. Puis les hostilités commencent avec la nouveauté Intox, suivie des désormais classiques Retourner la France et Guerres à vendre qui, déjà retournent le public.
SIDILARSEN @ ROCK IN REBRECH 13
On remarque que la scène est sobrement décorée, les écrans qu’utilisait le groupe sur les côtés ont disparu au profit de simples estrades de chaque côté du kit de batterie. Une batterie tenue et frappée par Marvyn, le dernier arrivé qui, malgré son jeune âge et son petit gabarit cogne comme un diable et comme s’il avait toujours été là.
SIDILARSEN @ ROCK IN REBRECH 13
Malheureusement, est-ce par choix ou par contrainte, Sidilarsen joue presque en permanence à contre jour. Très peu éclairé en façade, c’est souvent un jeu d’ombre chinoise auquel le public a droit, malgré des lumières contrastées, vives et variées. Mais les 5 se donnent entièrement, allant chercher le public qui, en grande partie, connait déjà les nouveaux morceaux présentés ce soir (Adelphité, Du sang sur les fleurs, On revient sur Terre et Luminaria) et reprend avec entrain les plus anciens morceaux.
SIDILARSEN @ ROCK IN REBRECH 13
Si chaque album n’est pas ce soir représenté, les God’s got guns, On va tous crever et autres Back to basics voient le public accompagner avec force le groupe très en forme, avant que, là encore de manière classique, Sidilarsen ne ferme le ban avec La morale de la fable et l’incontournable Des milliards. Oui, Sidi est en forme et il ne fait guère de doute qu’on entende beaucoup parler d’eux cette année.
SIDILARSEN @ ROCK IN REBRECH 13
Malgré un temps grisâtre, une humidité presque constante et des horaires assez tardifs – une idée à explorer pour la prochaine édition: démarrer, en cette période encore scolaire, une heure plus tôt, surtout pour vraiment profiter de la tête d’affiche – le public est venu en nombre. Paradoxalement, la journée du 26 mai, gratuite, a attiré beaucoup moins de monde que ce samedi, pourtant payant. C’est rassurant pour l’avenir du Rock In Rebrech’, petit festival de province qui monte et monte tranquillement!
