O’TEMPO FESTIVAL: retour sur la journée du 26 août 2022

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Si l’an dernier la première édition du festival O’Tempo n’a attiré que 1500 spectateurs par jour, sans doute à cause de la « fin  » de la période de crise sanitaire et des craintes du public, c’est « complet » que l’évènement affiche cette année, au grand dam de quelques spectateurs venus dans l’espoir d’acheter une place en dernière minute. Compliqué, surtout que l’organisation a fait les choses intelligemment en proposant des préventes à tarifs réduits disponibles en ligne jusqu’à la veille du festival.

Localisé à Boigny sur Bionne, petite ville de 2000 habitants à quelques kilomètres d’Orléans, le festival propose 2 parkings publics, dont un proche de l’entrée pour les covoitureurs qui arrivent la voiture pleine. Une belle initiative écolo que je réévoquerai sous peu. Les transports en commun sont également prévus notamment réorganisés pour le dimanche afin de permettre aux festivaliers non motorisés d’arriver et retourner à Orléans.

Pendant 3 jours, le site – qui ressemble à un terrain de sport – a accueilli dans une poussière festivalière des artistes de tous horizons, ou presque, allant de la chanson française au set électro en passant par de la soul, de la variété ou du rock progressif.

Le terrain est divisé en trois partie: l’arrivée se fait dans le village où chacun peut charger son cashless (seul point noir à revoir l’an prochain tant les files d’attentes se sont allongées rapidement) afin de se restaurer auprès d’un des nombreux et variés food trucks. (Idée écolo pour l’an prochain: pourquoi ne pas exiger des restaurateurs de n’utiliser que du matériel biodégradable? La plupart le font mais certaines barquettes de frites économiques étaient en plastique non recyclable. Poussez l’esprit « vert » du parking co-voit jusqu’au bout, sans être pour autant jusqu’au boutiste!) C’est également cette partie qui accueille un espace détente très agréable avec ses transats et ses aires de jeux, l’espace sanitaire qui ne pue pas (en fin de première journée en tout cas) et la petite scène qui permet aux artistes de jouer devant un public somme toute assez important. Qu’il se déplace pour voir le groupe, s’abreuve, se restaure ou attende de pouvoir charger son cashless, il y a foule. Le village donne via deux entrées accès à la scène principale, seule au fond d’un terrain qui peut aisément accueillir plus que 5000 personnes (mais espérons que l’orga se limite à ces chiffres, voire ne dépasse pas les 7000 – on se marcherait dessus)

ORPHEUM BLACK

Si l’on va en festival, d’autant plus localement, c’est autant pour l’ambiance que pour croiser des amis, voisins, collègues… que pour y voir des groupes. Aujourd’hui, c’est simple: l’affiche est rock et populaire et la soirée commence dès 19h30 avec les Orléanais de Orpheum Black qui propose un hard rock très progressif. La formation est menée par un duo de chanteurs – Mélodie (Ex No Sign, Nothing), également aux claviers, et Greg, également à la guitare – et propose une musique assez aérienne en rien comparable à celle, beaucoup plus foncièrement rock, que proposait Wild Dawn, ancien groupe de Greg et de son complice, le guitariste épileptique, voire autiste, Romain.

ORPHEUM BLACK

Si j’évoque ce groupe défunt c’est parce que, même si la communication avec le publique est réelle, j’ai connu un Greg qui allait bien plus le chercher et le prendre à la gorge. Ce soir, c’est un leader assez doux qui, lorsqu’il s’adresse au public, parle simplement et sa voix est malheureusement couverte par les quelques notes de claviers.

ORPHEUM BLACK

Romain, quant à lui, est partout, s’agitant dès qu’il joue une note, arpentant la scène dans ce qui peut sembler être son univers. Bien que chacun de ses membres soit à l’aise et en place, sans doute manque-t-il une forme de complicité scénique pour rendre cette expérience vraiment différente. Le public semble réceptif, cependant, preuve en est le monde au merch après le concert, et c’est bien là le principal.

ORPHEUM BLACK

Quelques minutes de pause permettent au public de rejoindre la scène principale et acclamer rapidement les manouches de La Rue Kétanou. Honnêtement, si j’ai entendu beaucoup de bien de cette formation, je n’en suis pas un familier. Alors ce soir, pour moi, c’est une découverte. Et c’est fun.

LA RUE KÉTANOU

Le quatuor propose une musique populaire à base d’accordéon, d’harmonica, de guitares et diverses percussions, ensemble qui rend la musique joyeuse, entrainante et dansante. Très rapidement, les quatre dérivent et parlent de leur chorégraphe et critique n°1 qu’ils invitent sur scène.

LA RUE KÉTANOU

Arrivent une femme et une jeune fille bientôt rejointes par une foule de bénévoles du festival que La Rue Kétanou tient à remercier autant que le public. Parce qu’aujourd’hui, si le festival est complet, c’est grâce à vous, public, et grâce à eux, les bénévoles et l’orga ». Un concert festif, jovial et entrainant très apprécié par l’ensemble du public.

LA RUE KÉTANOU

Une pause permet à Cycix de jouer sur la petite scène avec ses platines. Ici, on s’appelle Metal Eyes et la musique de DJ et de boite de nuit, c’est pas mon truc. Le temps est venu de se restaurer et j’en profite pour écouter de loin et… ça ne m’attire pas. Je le laisse aux amateurs.

TRYO

Il est 22h lorsque Tryo déboule face à un public massif et multigénérationnel déjà tout acquis à sa cause. Qui a déjà vu le groupe live le sait: Tryo, c’est la fête assurée grâce à des hymnes forts et fédérateurs que tout le monde attends – et aura (Désolé pour hier soir, L’hymne de nos campagne, Ce que l’on sème, Yakamonéyé, La main verte…) – des nouveautés (Aimer)et une communion avec le public que Guizmo et Christophe Mali attrapent à la gorge -gentiment dès leur entrée sur scène.

TRYO

Les anecdotes foisonnent, la bonne humeur est de mise, le public est réactif et récréatif sautant, dansant et chantant de concert. Il fait sans doute plus de bruit que la sono, d’ailleurs et ça fait du bien! Les chanteurs sont complices comme jamais, et l’on sent un groupe simplement heureux d’être sur scène face à un public important.

TRYO

Si les gars savent tenir une scène et un public, on ne peut qu’admirer les lights colorées et l’engagement sans faille pour toutes les causes humaines. Cette clameur lorsque Christophe brandit un gigantesque drapeau aux couleurs LGBT! Les tubes défilent et voilà que déjà, programmation oblige, une petite heure et quinze minute plus tard, Tryo quitte la scène. Les demandes de rappel n’y feront rien, les lumières reviennent invitant le public à rejoindre le village où Cycix rejoue avec ses platines jusqu’à la fermeture du site à 1 heure du matin.

TRYO

Cette seconde édition a, pour sa première journée, tenu toutes ses promesses. O’Tempo est un festival à suivre pour qui aime divers styles musicaux, et l’on se doit de féliciter l’organisation pour la tenue d’une après-midi sans faille, parfaitement réglée (malgré un système Cashless à améliorer pour l’an prochain – pourquoi pas installer des bornes à l’accueil du site?) grâce au travail de tous et, notons le, surtout à celui des bénévoles.

Merci à Elodie Berneron d’avoir rendu ce report possible

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VOLA: Live from the pool

Danemark, Rock progressif (Mascot records, 2022)

Vola revient avec son quatrième album, Live from the pool – « Live » à traduire par « Vis » car cet album n’a rien de public… J’ai raté leur précédent opus, Witness paru en 2021, mai sforce estde constater que le quatuor est resté actif en cette période de pandémie qui a vu tant d’autres formations attendre, peaufiner et/ou repousser la sortie d’un « nouvel album ». Le 13 titres que contient ce disque sont autant aériens et légers comme le groupe nous y a habitués que parfois lourds et rapides. Le chant clair, toujours bienveillant, est accompagné des guitares légères ou rapide, d’une rythmique intelligente et de claviers variés donnant à l’ensemble une tessiture particulière qui parfois évoque OMD ou les grandes heures de la New wave des 80’s modernisée mais également Pink Floyd sans renier son identité musicale.. Vola confirme avec cet album son statut d’incontournable du rock progressif. L’album est accompagné d’un Blu Ray tourné dans la piscine désaffectée d’un ancien terrain militaire danois, lieu étonnant où la nature a repris ses droits. Le résultat est aussi intrigant / envoûtant /surprenant au choix que le contenu musical

SOEN: Imperial

Suède, Progressif (Silver Lining, 2020)

Le duo fondateur et pilier de Soen, Joel Ekelöf (chant) et Martin Lopez (batterie) a une nouvelle fois pu compter sur la participation du guitariste Cody Ford, déjà présent sur Lotus en 2019. Ce dernier voyait les Suédois (bon, la formation est aujourd’hui plus internationale que proprement suédoise…) faire un grand pas en avant. Lykaia (2017) avait déjà fait une quasi unanimité au sein de la communauté metal, et Lotus avançait encore plus vers la perfection, offrant des guitares plus rudes sur un fond tout aussi aérien. Ce chemin est tout aussi notable sur Imperial, nouvel album qui porte plus que bien son nom: Cody, désormais bien intégré, apporte un son plus rugueux encore, contrebalancé par la légèreté apparente des mélodies et la voix douce et envoûtante de Joel. Au travers de ces 8 titres, qui mêlent rage et douceur, tempête et accalmie, Soen démontre une nouvelle fois que puissance peut rimer avec excellence. Si l’univers progressif est incontestable, Soen a désormais son propre univers musical, très loin des cadors du genre dont il se détache avec brio. Et puis cette pochette est elle un signe? Imperial, avec sa pochette noire, sa signature vernie et son serpent, pourrait-il devenir à Soen ce qu’un certain Black album fut à vous savez-qui ? C’est en tout cas tout ce qu’on peut lui souhaiter tant Soen s’approche de la perfection. Si seulement ce pouvait être aussi simple…

CONSCIENCE: In the solace of harm’s way

France, Progressif (Different gravuty, 2020)

Musicalement, il n’y a rien à reprocher à Conscience. Son metal/rock progressif a toujours, sur chacun de ses albums précédents, Half sick of shadows en 2006 suivi de Aftermath of a summer snow en 2014. Des titres mystérieux qui posent le décor un peu prog réfléchi, jazz intellectualisé. Mais Conscience évolue bel et bien dans l’univers du metal. Seulement voilà: que penser d’un groupe formé en 2001 qui publie aujourd’hui son seulement troisième album? Et, perso, un truc me fait tiquer: Conscience, sur sa communication, met toujours en avant – et presque en préambule – son passage au Zénith de Paris en ouverture de Nightwish. Certes, c’est flatteur, mais c’était en 2007. Nightwish a depuis investi d’autres salles, tourné partout dans le monde, publié plusieurs albums et DVD, rechangé de chanteuse, accueilli plusieurs autres groupes en première partie… Bref, les Finlandais, comme nombre d’autres, ont continué d’avancer et de grandir. Conscience? Un PMFF, quelques dates ci et là, guère plus… Est-il alors vraiment utile de systématiquement regarder dans le rétro, s’accrocher à un exploit du passé et en faire un argument? Ne vaudrait-il pas simplement mieux regarder devant et parler de son présent, planifier demain ? Et ce présent, c ‘est un nouveau groupe qui propose 16 titres avec In the solace of harm’s way. Enfin, 11 titres plus 4 interludes instrumentaux qui composent, en 4 parties, le titre de l’album et que l’on retrouve réunis en une pièce unique en conclusion du disque, offrant ainsi une autre perspective sonore. Si le morceau titre est épique et digne de faire une belle BO, Conscience se révèle vraiment avec ses chansons. Soft et mélodique (At night), introspectif (Inreach, Life takes a turn), plus rock (Ascending rain), plus léger (See outside) ou doté de grandes orchestrations (The uncertainties of may, les cordes sur Inreach), Conscience explore plusieurs univers. Le groupe pêche cependant, comme tant de ses confrère, avec le chant anglais, souvent difficilement compréhensible. La mélancolie que veut faire transparaître At the hands of clock me parait faussée par un chant plus forcé que naturel, et les chœurs sur There aren’t many nightmares m’agressent. Mais encore une fois, musicalement, Conscience ne peut être pris en défaut, et la variété des ambiances apporte un vrai caractère à la formation française. De l’avant, il faut aller de l’avant pour simplement avancer.

FLYING COLORS – Third degree

Progressif, USA (Music theories, 2019) – Sortie le 4 octobre 2019

Le voici donc ce troisième effort du super groupe de rock progressif Flying Colors. Avec un line-up identique depuis ses début, le combo donne l’impression de simplement se faire plaisir. Third degree nous entraîne dans les méandres des amours musicales de chacun de ses membres. On reconnait le toucher de guitare unique de Steve Morse, qui semble tellement avoir pris son pied avec le final de Birds of prey (sur Infinite de Deep Purple, 2017) qu’il s’en sert à de multiple reprises avec le même bonheur. C’est notamment remarquable sur Cadence, mais pas seulement. Mike Portnoy s’amuse également avec des rythmes qui paraissent simples mais peuvent monter en rage et en puissance, comme sur Guardian. La voix de Neal Morse est toute en finesse et en émotion, le chanteur se faisant parfois émouvant ou à fleur de peau (You are not alone), à d’autres moments plus direct. Sans jamais tomber dans le piège du prog qui veut en faire trop en n’étant que démonstratif, Flying Colors parvient à proposer une musique accessible à tous, bien que parfois plus complexe (cette montée en puissance sur la partie instrumentale de Last train home parle d’elle même). Les inspirations sont à la fois rock (plus Deep Purple que Dream Theater), funk (Geronimo), médiévales, orientales permettant à chacun des 9 titres,  The loss inside, Cadence, You are not alone ou le final Crawl de trouver aisément son public.  Les amateurs de belles mélodies et de grandes et simples orchestrations vont rugir de bonheur.

TERAMAZE: Are we soldiers

Progressif, Australie (Music theories, 2019) – sortie le 21 juin 2019

Malgré 5 albums au compteur depuis la formation du groupe à Melbourne en 1994, je ne découvre Teramaze qu’avec ce Are we soldiers au son résolument moderne. L’album de 10 titres explore au travers de morceaux peu radiophoniques par leur durée (de 5’10 à 11’58!) divers horizons progressifs, certes, mais cependant très orientés modern US metal: un son propre, des mélodies entraînantes et des refrains très faciles à faire chanter au public. Les amateurs trouveront des guitares travaillées à la Satriani, avec les quelques démonstrations que cela implique, de forts accents heavy pop (Are we soldiers) ainsi qu’un peu de rage bienvenue (Control conquer collide, From saviour to assassin). Le chant est souvent très, trop, sage et mériterait par instants un peu plus d’agressivité. L’ensemble propose toutefois un beau relief musical, qui, selon moi, reste trop pop. Ce qui sans aucun doute séduira les amateurs du genre.

Interview: SOEN

Interview Soen. Entretien avec Joel Ekelöf (chant) et Martin Lopez (batterie) Propos recueillis à l’hôtel Alba Opéra de Paris le 13 décembre 2018

Metal-Eyes : J’ai découvert Soen avec Lykaia, votre précédent album. Sans revenir sur l’histoire du groupe, peux-tu m’expliquer la signification du nom du groupe ?

Joel : C’est un nom qui ne signifie rien du tout. Un mot vide de sens que nous pouvons remplir avec ce que l’on souhaite. C’était notre intention : nous avons le nom, maintenant, nous pouvons faire ce que nous voulons. C’est une sorte de symbole pour nous.

Metal-Eyes : Deux ans après sa sortie, quel regard porte-tu à Lykaia ?

Joel : Je pense que ce que nous faisions alors est ce que nous faisions. Lykaia, c’était il y a deux ans, Lotus est actuel. Lykaia était une expérience analogique. Aujourd’hui, tout est fait digitalement, alors on a tenté de… « voyons ce qu’il se passe si on fait tout en analogique, à l’ancienne ». C’était une expérience intéressante, nous n’avons pas voulu en faire trop, nous avons gardé le côté brut. Avec Lotus, nous n’avons pas voulu répéter Lykaia.

Metal-Eyes : Ce qui est normal…

Joel : Oui, chacun veut évoluer, avancer. Cette fois-ci, nous avons voulu un album moderne, direct, qui sonnerait… Fantastique. Et je crois que nous y sommes parvenus.

Metal-Eyes : Selon moi, Lotus a toujours cette approche très aérienne, mais les guitares, les riffs sont plus heavy que sur Lykaia…

Joel : Oui, je te rejoins.

Metal-Eyes : Lotus sortira le 1er février 2019. Comment, hormis ce que tu viens de m’en dire, décrirais-tu l’évolution du groupe entre ces deux albums ?

Joel : Il y a l’évidence : Markus a quitté le groupe, Cody a pris sa place à la guitare, ce qui fait une belle différence. Je pense également que nous avons plus d’éléments metal sur cet album que sur Lykaia. Nous ne voulions pas perdre nos racines metal, plus spécialement avec le passé de Martin, qui vient du metal. Peut-être que l’évolution naturelle depuis Lykaia aurait été de s’orienter encore plus vers le rock progressif, mais nous avons ressenti le contraire, il fallait conserver les aspects metal.

Metal-Eyes : L’album reste toutefois très progressif…

Joel : Absolument, il est progressif sans perdre la lourdeur ou l’agressivité du metal traditionnel.

Metal-Eyes : Ce qui vient de vos précédents groupes également. Qu’est-ce que Cody vous apporte ?

Joel : Eh bien… Il est un technicien fantastique, sa tonalité est superbe… Tu le sens dans ses solos, on peut se fier à lui, ce qui est important pour moi. Ce n’est pas un shredder, il joue beaucoup au feeling. Nous parlons beaucoup musicalement, tous. Et il s’est parfaitement intégré au groupe, à la dynamique de Soen. Il a joué avec nous à Wacken, pour son premier concert… Il nous a cloués ! Ensuite, aux USA, au Canada, et on a l’impression qu’il a toujours fait partie du groupe.

Metal-Eyes : A-t-il apporté des idées, collaboré à la construction de l’album ?

Joel : Il est le nouveau membre, mais il a apporté beaucoup dans ses solos…

Metal-Eyes : Et voici que Martin nous rejoint. Nous parlions de votre nouvel album. Joel si tu permets, je vais poser la même question à Martin : comment analyses-tu l’évolution du groupe entre vos deux derniers albums, Lykaia et Lotus ?

Martin : Je pense qu’il s’agit d’une progression naturelle. Lotus est beaucoup plus professionnelle, et la plus grosse différence peut résider dans la production de l’album, dans le son. Nous avons fait appel à un producteur professionnel qui nous a aidés à développer notre son.

Metal-Eyes : Le lotus est un symbole de zenitude et de légèreté. Comme je le disais, votre nouvel album est très aérien. Pourquoi avoir choisi ce titre d’album, dont le morceau titre est également très calme et posé ?

Joel : Le lotus est aussi une fleur, superbe, qui pousse dans un environnement très dur, sombre. Et je peux m’y retrouver, ce calme dans un univers dur et heavy… On prend ces sujets sombres, nos expériences, et les transformons en quelque chose de positif. En ce sens, il y a une transformation.

Metal-Eyes : Justement, j’ai écouté l’album mais ne me suis pas penché sur les paroles. Y a-t-il des sujets particuliers que vous abordez ?

Martin : Oui… Le principal reste d’être honnête dans les sujets traités. On n’a pas envie de parler d’histoires d’amour que nous n’avons jamais vécues, ou ce genre de choses…La politique ? C’est si facile aujourd’hui de dire que ce sujet est politique, pour nous ce n’est que du bon sens de voir que tel sujet traite de l’inégalité, de toute cette merde qui nous entoure. Il faut le mentionner et avoir quelque chose de valable à dire. Les paroles partent toujours de ce point, qu’il s’agisse d’une histoire qui nous est arrivée, qu’il s’agisse de toi ou  de la société… D’abord, ne pas se baser sur la fiction, de rester réalistes…

Joel : Je crois qu’il y a un chemin dans le metal progressif que je n’aime pas vraiment : raconter des histoires stupides de manière ironique… Je sens que nous sommes là pour dire des choses sérieuses, et nous sommes sérieux, musicalement, dans les sujets que nous traitons…

Metal-Eyes : Alors, quel est votre message ?

Joel : Sur cet album, le message est « faites quelque chose de ce qui vous arrive, trouvez une énergie positive des « mauvaises » expériences ». Il ne s’agit pas d’être cynique quand quelque chose ne va pas. Putain, trouve une solution et bouge, fait en sorte de changer, ne renonce pas, ne courbe pas le dos sans rien faire… Tu comprends ce que je veux dire ? Merde, redresse-toi et fais quelque chose. Je ne dis pas qu’il faut sortir et faire comme si tout allait bien, mais de réagir.

Metal-Eyes : Si vous deviez l’un et l’autre ne retenir qu’un titre de Lotus pour exprimer ce qu’est Soen aujourd’hui, lequel serait-ce et pourquoi ?

Martin : Je pense que ça dépend du jour, de comment je me sens. Aujourd’hui, je dirais Lotus qui représente assez bien mon état d’esprit du jour. Mais il n’y a pas qu’une chanson qui nous représente. Aujourd’hui, c’est celle-là, peut-être que demain, ce sera une autre plus dure…

Joel : J’aurai aussi retenu Lotus, parce qu’elle représente aussi l’unité du groupe. C’est le genre de chanson qui transforme beaucoup l’énergie. Elle est représentative de ce que c’est que de faire partie d’un groupe, de voyager ensemble, partager un bus, et on doit se soutenir les uns les autres.

Metal-Eyes : Le groupe existe depuis maintenant plus de dix ans, quel pourrait être la devise du groupe aujourd’hui ?

Martin : La devise… Ouh, elle est difficile celle-là…

Joel (il chuchote) : Be agressive…

Martin : Non, non… (rires) Je dirais : « Garde la flamme ». Fais ce que tu aimes faire, peu importe ce qui se dresse sur ton chemin. Si tu veux être heureux, ne pas avoir de regrets, il te faut vivre à fond…

Metal-Eyes : Je suis d’accord avec toi… Quels sont vos projets de tournée ?

Joel : Nous allons jouer deux semaines en Europe en avril, puis aux USA. Et retour en Europe en septembre. La chose naturelle serait de repartir pour une tournée américaine.

Metal-Eyes : Pourquoi « naturelle » ?

Joel : Parce que nous avons un following là bas, que les gens y écoutent notre album. Nous y avons fait une petite tournée il y a deux mois

Martin : Et c’était bien… Mais tu sais, les choses sont comme elles sont, et pour nous, le principal est d’aimer chaque instant de ce que nous faisons. Alors si nous commençons à booker 200 shows dans l’année, alors nous serons fatigués, lassés. C’est loin d’être aussi glamour que ce que peuvent croire les gens ! Donc on se réserve, afin d’en profiter au maximum. Bien sûr, si nous avons l’envie profonde de prolonger la tournée, alors nous le ferons. Autrement, nous disparaîtrons l’espace de deux ans.

Joel : Les gens qui viennent à nos concerts doivent ressentir que nous aimons vraiment ce que nous faisons. C’est important de garder cette fraîcheur, à nos yeux.

Metal-Eyes : Trop de concerts nuirait à cette fraîcheur…

Martin : Oui, comme tout ce que nous faisons. Nous voulons avant tout de la qualité. La vie ce n’est pas que courir la planète pour jouer ta musique. J’adore ça, mais nous avons nos propres vies et voulons faire tout ce qui est possible pour en profiter. LA vie est trop courte pour la passer dans un bus !

Metal-Eyes : Je vais terminer en posant à Martin la première question que je t’ai posée, Joel : quel est la signification du nom du groupe ?

Martin : Aucune. Nous ne voulions pas avoir un nom qui puisse avoir une relation quelconque avec la musique. Donc aucune signification particulière…

CARL PALMER’S ELP LEGACY: Live

Royaume-Uni, Prog (BMG, 2018)

Carl Palmer, mythique batteur du non moins mythique ELP, continue de porter la musique de son ancienne formation auprès de désormais 3 générations. Désormais accompagné par le guitariste Paul Bielatowicz et le bassiste Simon Fitzpatrick, c’est même bien plus que le répertoire d’Emerson Lake and Palmer qui est revisité sur scène. Ce Live est constitué d’un CD enregistré en novembre 2014 à New York et d’un DVD capté à Miami en juin 2016. Deux concerts différents et peu de points communs dans les setlists, hormis 21st century schizoid man et Knife-edge. Le reste est composé de reprise de morceaux de classiques (Rameau, Wagner, Bach, Prokofiev, Orff…) et quelques extrait du riche catalogue de chacun des membres de ELP. Si le CD se laisse écouter avec aisance et curiosité, le DVD – hommage à Keith Emerson disparu plus tôt en 2016 et dont le portrait accompagne le ELP Legacy au début du concert, enregistré dans ce superbe théâtre qu’est le Olympia de Miami  – nous montre un trio sobre et efficace. Quelques invités viennent égayer ce set joué face à un public particulièrement calme (celui des premiers rangs, assis, reste quasi immobile, étonnant pour un concert de rock) ne clamant son approbation qu’à l’issue des morceaux. Les images réservent également quelques étonnements, comme ces problèmes de micro que Carl ne parvient pas à régler à une hauteur suffisante pour être clairement entendu, ou ces danseuses pas vraiment gracieuse qui accompagnent l’invité Mark Stein sur Karn evil 9 (welcome back my friends). D’autres guests sont également de la partie puisque l’on retrouve Steve Hackett et David Fangioni. Naturellement, comme tout DVD aujourd’hui digne de ce nom, on se penchera également sur les coulisses de ce concert raconté par le batteur et ses complices. Un joli document qui rappelel à quel point le rock progressif de ELP a influencé des générations de musiciens en herbe.

AYREON: Universe

Metal Prrgressif, Hollande (Mascot, 2018)

« Ayreon n’est pas un projet pour la scène, je n’ai jamais joué live avec Ayreon. Mais, pour la première fois, nous avons décidé de donner quelques concerts avec Ayreon, en septembre 2017″ m’informait Arjen Lucassen le 22 février 2017 en interview. Ce Universe – Best of Ayreon live – est donc le résultat attendu d’un projet scénique rarissime. Personne ne s’étonnera donc que les 3 shows néerlandais affichent complets rapidement. La salle O13 a une capacité de 3000 places, et se révèle de la taille qu’il faut pour le projet, même si Lucassen aurait pu, fort probablement, attirer 5000 spectateurs. Cependant, le maître du contrôle réussit un exploit à plus d’un titre: d’abord, réunir le casting le plus complet possible des chanteurs ayant, à un moment ou un autre, collaboré au projet Ayreon. Bien sûr, tous ne sont pas là, mais quel casting! Et quelle mise en scène! Tout est prévu, planifié, tant visuellement que d’un point de vue sonore. Les écrans sont un véritable complément à chaque chanson, l’ensemble de la prestation est agrémentée d’effets, pyrotechniques ou fumigènes, variés et le temps passe à une allure folle. On s’étonne cependant de l’absence plus que remarquable du maître de cérémonie. Arjen Lucassen n’intervient que très tardivement, sur les deux derniers morceaux (sur les 28 de ce concert fleuve de presque 2h30). Timidité? Ce serait surprenant au regard de sa présence scénique, où il semble dans son élément. Mettre en avant les autres musiciens et artistes? Certes, mais ce Ayreon reste l’oeuvre de sa vie, alors? Il n’empêche, ce Universe retrace un exceptionnel moment de l’histoire de ce groupe à part. Moment complété d’un DVD bonus qui s’attache à évoquer dans le détail la genèse de ces 3 concerts, la logistique, l’organisation et les répétitions. Les témoignages des chanteurs – unanimes pour proclamer avoir dit « oui » sans réfléchir – sont nombreux. Un vrai document, riche d’information et de scènes « envers du décors ».  Universe – Best of Ayreon live est un must qui se décline également en version audio double CD. Nul doute que ce moment rare marque un tournant dans l’histoire de Lucassen et, a fortiori, entre dans l’Histoire d’Ayreon.

VON HERTZEN BROTHERS: War is over

AOR / Progressif, Finlande (Mascot, 2017)

Ils sont trois: Mikko, Jonne et Kie. Trois frères qui partagent la même passion pour le hard, ou plutot le rock progressif version Journey et l’AOR dans tous ses états. De la mélodie, beaucoup, des guitares aériennes, un chant pop et des refrains facilement mémorisables constituent la base de ce War is over (quelle bonne nouvelle! Ou quel optimisme…), nouvel et 7ème album des Finlandais de Von Hertzen Brothers. Loin d’être des novices les gars, et fiers d’avoir pondu rien moin que 3 albums qui se sont classés N°1 à domicile (et, accessoirement, un en N°2…) entre 2008 et 2015. Et le groupe reste pourtant méconnu chez nous. Oui, je découvre Von Hertzen Brothers et le morceau éponyme, long, est d’une festive luminosité. Le groupe alterne ensuite entre moments plus rock ou pop, toujours entraînants et joviaux. Les guitares parfois très saturées sont une façade cachant d’imparables mélodies, parfois un peu trop prévisibles. C’est sans doute la faiblesse de cet album par ailleurs enjoué, vivant et très bien produit. Même s’il est parfois – souvent – clairement destiné à la diffusion radio, War is over a tout pour se distinguer sur la scène prog/AOR où il a su se construire une personnalité à part.