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INSOLVENCY: Illusional gates

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France, Metalcore (Autoproduction, 2022)

Nous avions déjà rencontré Insolvency en 2018 à la sortie de son premier album, Antagonism of the soul. Alors qu’est apparu en début d’année Illusional gates, le nouveau méfait des Troyens, Metal Eyes a pu s’entretenir avec Prosper, leur nouveau batteur qui a « trouvé le groupe complètement par hasard, sur annonce. Je suis allé voir ce qu’il font, et ça m’a beaucoup intéressé parce que je faisais déjà du metal ado. Je suis ensuite parti faire des études de musique pour voir d’autres styles, me diversifier et c’était un peu naturel pour moi de revenir au metal. J’ai intégré le groupe en 2020, en plein Covid. Le deuxième album était déjà écrit, également la batterie. je n’ai eu qu’à apprendre les parties en apportant quelques modifications, mettre ma patte. » Justement, comment lui, le dernier arrivé, analyses-t-il l’évolution de Insolvency entre ces deux albums?   » Du fait que je me suis formé à d’autres choses que du metal, je crois avoir apporté une sorte de diversification dans mon jeu. Je peux sans doute apporter quelque chose de plus moderne, dans d’autres styles. J’ai fait du jazz pendant pas mal de temps ce qui m’apporte un regard différent sur le style metalcore qui est déjà, à la base, assez codé. On est tous des individualités qui écoutons des choses très différentes, et on apporte des choses différentes dans la musique du groupe. »

La musique de Insolvency, il est vrai, reste très brute, même si le double chant hurlé et clair apporte une sorte d’équilibre. Seul quelques touches de piano en intro tentent de cacher le mur de brutalité sans merci qui suit. « Je pense que cet album a vraiment évolué. Ce n’est pas du compliqué pour faire compliqué. Il a une variété de styles, de la brutalité comme tu le disais mais aussi un équilibre avec de la mélodie. C’est un disque à écouter dans sa totalité« .

De quoi traitent les paroles? Le titre fait-il référence à la crise sanitaire? « Non, même si on peut le penser, mais l’album était déjà écrit avant et les thèmes abordés l’auraient été, Covid ou pas. On a dû dealer avec cette période, pour aller en studio, nus retrouver. Les thèmes sont plus personnels que sur le premier album, plus liés aux expériences de chacun, à des déceptions professionnelles ou dans la vie personnelle. Illusional gates, ça représente un peu une utopie qu’on se ferait de certaines situations. » Plongeons nous donc directement dans les textes de Mirage et Afterlight, ça nous donnera une idée du contenu! (devinez: ce sont les deux instrumentaux)

Si musicalement le groupe a évolué, visuellement, on reste dans le même esprit bleuté et brumeux avec des ombres fantomatique. « C’est un artwork assez sobre, pour illustrer ce qu’on fait en musique. Le choix des couleurs dit qu’on n’est pas ultra sombres ! On parle de choses qui nous sont arrivées et que d’autres ont sans doute vécues. Et on leur dit que malgré tout, on continue, on est là et on avance. »

Deux invités sont au casting de cet album: Ryan, de Fit For A King, et CJ, de Thy Art Is Murder. Autant dire deux grosses voix qui viennent se mêler à celle du bassiste chanteur Pierre Challouet et de son compère guitariste et chanteur Valentin Gondouin. « Tout s’est fait à distance, on était vraiment dans la période Covid, CJ est Australien, Ryan Américain, donc c’était compliqué d’organiser une vrai rencontre. On a envoyé des pistes, des morceaux, on a même testé plusieurs morceaux avec chacun d’eux, mais on n’a pas eu de vrai échanges humains. On a eu quelques exigences, mais le plus important, c’est que le morceaux leur ont vraiment plu. Ils ont pu apporter leur patte, on a, même à distance, fait un travail commun. Et pour nous, c’est top d’avoir la participation de gens comme ça. Ca nous donne une légitimité, le reconnaissance de nos pairs, si je puis dire. »

Pour me convaincre d’écouter cet album, lequel Prosper considère-t-il comme le plus représentatif de l’identité d’Insolvency qui me convaincrait d’en écouter plus? « Alors, c’est pas mon préféré, mais je pense que c’est le morceau éponyme, Illusional gates qui représente bien toutes les palettes de l’album, musicalement et dans les paroles. »

Avant de nous quitter, quelle pourrait être la devise d’Insolvency? « Attends… Je dirai « Stay strong ». Parce que, comme je le disais, malgré tout ce qu’on peut vivre, on est toujours là, on maintient notre projet, de faire la meilleure musique possible; Et c’est un message qui peut s’adresser à tout le monde« .

Entretien avec Prosper (batteur), propos recueillis le 22 avril au téléphone

 

FIREMASTER CONVENTION #3: vendredi 29 avril

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Les 29 et 30 avril et le 1er mai 2022 s’est tenue la troisième édition de la Firemaster Convention de Châteauroux. Celle de l’an dernier s’était adaptée à la crise sanitaire et avait fait l’objet de diffusion de concerts à distance. Cette année marque le retour d’un accueil physique dans ce même hall des expos de la préfecture de l’Indre plus tardivement dans l’année que lors de l’édition de 2020 (qui, pour rappel, vit Vulcain donner son dernier concert – sans que le groupe ne le sache lui-même). Et c’est une bonne chose car cette fois, la température intérieure est normale, on ne se les gèle pas!

La site est une nouvelle fois divisé en deux: une grande partie réservée au market et activités annexes (projections de films – Metal hurlant et Lords of chaos – débat et conférences, jeux divers, photo booth), la salle de concert se trouvant dans le dernier tiers. L’espace occupé par la scène est plus vaste qu’il y a deux ans, les lights et décors clairement plus travaillés et professionnels. Pourquoi, avec une affluence à la base limitée, ne pas avoir proposé un point rencontre et dédicaces? C’eut été le lieu idéal pour tout le monde en cette reprise de concerts… A voir pour l’an prochain.

Dès mon arrivée, un triste constat s’impose: le public est absent… Dans un si grand hall, c’est flagrant. Maintenant, nous ne sommes que vendredi, certains travaillent encore, alors espérons que les concerts du soir attireront plus de monde. L’affiche de ce vendredi est pourtant alléchante proposant des styles variés, du metal sympho au thrash en passant par le hard rock.

Les concerts débutent avec les Lyonnais de Whyzdom, seul groupe à jouer pour tout public détenteur de pass « Day » ou « Night ». Devant à peine une centaine de spectateurs, Vynce Leef (fondateur, guitariste passé depuis à la basse) et ses comparses terminent de jouer un titre avant qu’il ne lance au public: « c’était le soundcheck! Maintenant, on sort, et on revient après l’intro! ».

La bonne humeur est visiblement de sortie, d’autant que, Marie, la chanteuse le dira plusieurs fois, c’est le premier concert que le groupe donne depuis 3 ans. Avec un set de 45′, Whyzdom propose 8 titres au public auxquels s’ajoute une sympathique mise en scène – le regard sévère de Marie maniant l’épée! une très agréable mise en bouche.

Ce sont ensuite les Grenoblois d’Amon Sethis qui viennent présenter leur dernier album en date, Part 0: the queen with golden hair (2020). Toujours inspiré par l’Égypte antique, Julien, le chanteur et dernier membre fondateur se présente masqué , enflammant son pupitre tel un rituel d’alors.

Le heavy presque prog fait son effet, malheureusement devant un public toujours peu nombreux, mais qu’importe. Les gars sont à la tâche et se font plaisir pendant les trois quarts d’heure alloués, distillant leur metal progressif sans être prise de tête et teinté de ces ambiances orientales qui font mouche. Un set efficace, un groupe au taquet, des musiciens qui semblent ravis de disposer d’une vaste scène. Julien arbore en fin de show son livre de chevet, « une édition de Champollion – celui qui décrypta les hiéroglyphes – trouvée dans un vide grenier pour à peine 50 centimes… » histoire de participer un peu plus à la culture du quidam châtellerain.

Le premier gros morceau du jour se nomme Titan. Reformé presque par hasard, le groupe de Patric Le Calvez a publié l’an dernier l’un des albums français les plus remarqués de 2021, Palingenesia. Prévu à l’affiche du « Firemaster à distance » de l’an dernier, le groupe n’avait pu se déplacer, car « on finalisait l’album. En plus, les conditions de circulations étaient telles qu’on a préféré se concentrer sur les derniers aspects du disque« .

La salle commence à bien se remplir, le nombre de T-shirts floqués du logo du groupe tendant à démontrer qui est la vedette du jour. Nous le savons, Titan sera également à l’affiche du Hellfest. Quand je leur demande comment on se prépare à un tel évènement, la réponse est simple « On ne se prend pas la tête. On connait nos titres, on ne va pas s’amuser à vouloir prendre toute la place au HF… Mais on y va, tranquillement. », au point qu’après son show, certains des musiciens concèdent ne pas avoir été vraiment en place. Pas si vrai, même si une moitié d’entre eux arbore un look cuir biker et l’autre est plus cool.

Mais scéniquement, rien à dire: Titan propose un heavy metal brut et thrashisant qui séduit de bout en bout. Le Calvez est en voix, on sent une formation complice et heureuse de profiter du temps présent quelque peu béni. Et si le public n’a pas encore entièrement assimilé ce dernier album, il reprend en chœur l’hymne L’Irlande au coeur. Et dans quelques semaines, avec quelques milliers de personnes, je dirai sans trop m’avancer que « frissons garantis ». Oh, oui, vivement le HF même s’il sera très tôt!

Trust, la légende, la fierté nationale qui a révolutionné le hard français est le groupe qui joue le plus longtemps. Une heure quinze allouée aux Parisiens et j’ai envie de dire: pour ça? Déjà, Trust est le seul groupe à n’avoir pas proposé de merch. Pourquoi? Mais plus encore, le groupe se contente, hormis Antisocial, de ne jouer que des titres de ses deux derniers albums en date, Dans le même sang (2018) et Fils de lutte (2019), deux albums pourtant de très bonne facture, sans véritable enthousiasme. Trust offre un concert… ennuyeux.

Bernie, d’ordinaire si engagé et harangueur, ne s’adresse au public qu’en donneur de leçons (« C’est bien d’accueillir les réfugiés ukrainiens, mais quand il s’agit des Syriens ou des Afghans, c’est une autre histoire… Ouais, ils sont blonds aux yeux bleus, ça fait un peu raciste, non? ») mais guère plus. Au nom de la rage? Elle est finalement loin. même sur Fils de pute, tête de liste, pourtant d’actualité, rien. On fait participer le public, un peu, mais la rage n’est pas là ce soir. David Jacob et Izo Diop, en dehors d’un moment sautillant, font de la figuration et Nono… le concert démarrant avec des problèmes de guitare, qu’il doit changer, a-t-il eu une influence sur le renfrognement général? Reste que le bulldozer est en panne. On se contente aujourd’hui de peluches posée en observatrices sur les amplis personnalisés. Décevant.

Phil Campbell and the Bastard Sons investissent la scène vers minuit. Le public est bien présent, se massant devant les planche pour voir l’ex-guitariste de Motörhead. Mais le Gallois est là pour son groupe et bien que des titres de son ancienne formations soient un passage obligatoire, les deux tiers du set voient le quintette proposer du matériel original et bigrement efficace. C’est simple, le bougon laisse place au sourire à plus d’une reprise, et ça fait du bien à voir.

Le rock, le vrai, un peu hard, un peu punk, direct et crasseux, c’est ça. inutile d’en faire des tonnes, les gars connaissent leur boulot et retournent rapidement la salle. Neil Starr (le seul qui ne soit pas un des ses fils mais en a une putain d’attitude!) se met le public dans la poche en un temps record, ne le ressortant que pour mieux le tenir dans sa main.

On pourra s’étonner que la première reprise de Motörhead fut un titre de l’époque de Fast Eddie, Iron Fist, mais on ne boude pas son plaisir. Quelle que soit la formule – originale ou passée – ça joue grave et ça regarde devant. Et, devinez quoi? devant, c’est un nouveau hellfest à ne pas manquer. Phil Campbell fait aisément oublié le concert d’avant et le public peut s’en retourner heureux. Bravo!

Metal Eyes ne fut pas présent pour les deux autres journées. Charge aux amis de United Rock Nation et de Live And Tracks – punaise, ça fait du bien de vous retrouver les gars! – de vous conter la suite des évènements.

A l’année prochaine, si tout va bien. Car sans soutien du public, ces initiatives sont amenées à disparaitre, alors, bougeons-nous, bougez-vous! Des concerts, fest et conventions pullulent, allez-y!

NOTHING BUT REAL: lost in the world

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France, Metal (M&O music, 2021)

Un riff rock et entrainant introduit ce Lost in the world, second album des Français de Nothing But Real, déjà auteur d’un premier essai éponyme paru en 2020. Une arrivée sur Terre qui va explorer ses divers horizons musicaux. Le groupe propose avant tout un mélange de rock traditionnel (est-ce volontaire? On entend même des guitare à la Qu’on me laisse le temps d’Océan en intro de Snake eyes, un morceau soft qui monte moins en puissance cependant – il y a plein de références au rock des 80’s et après), de fusion, d’alternatif, dans esprit souvent jazzy, prog et légèrement heavy qui laisse de la place à chaque instrument. Mais voilà, je ne peux que déplorer de ne pas comprendre un mot (ou très peu, si peu, « m’enfin!« …) du chant anglais, chant pourtant agréable et puissant.  Le groove est toujours présent, la formation aime d’ailleurs présenter sa musique comme « du rock alternatifs avec des mangas ». Tout un programme qui passe donc de la douceur à l’énervement tribal (Untold), alliant rock et électro sans hésiter (Scars and burden) et dont certains visuels laissent entrevoir une certaine attirance pour le monde de Hollywood Undead. Cet album a tout de visuel, d’ailleurs, de la pochette aux paroles, puisqu’il raconte l’histoire de Sakar qui débarque sur Terre et croit arriver dans un monde amical. Que nenni, et il va aller de découvertes en déceptions… Lost in this world est un album entrainant et joyeux, qui s’écoute tranquillement sans jamais se ou nous prendre la tête.

DISCONNECTED: We are disconnected

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France, Metal (Autoproduction, 2022)

2018. Disconnected apparait dans le paysage metallique français avec un premier album de très haut niveau, White colossus. 2019, Paris, 27 janvier. Disconnected ouvre pour un Judas Priest au top de sa forme sur la toute première date de l’année du groupe. Une opportunité que le gang d’Adrien Martinot, guitariste fondateur, saisit à bras le corps et qui l’expose au grand public. Certains ne s’en remettent toujours pas, comme le raconte Romain Laure, le bassiste avec qui Metal-Eyes a pu échanger: « date mythique! C’est jusqu’ici notre plus gros show, et ouvrir pour des légendes comme Priest, c’est une sacrée expérience. » Disconnected revient aujourd’hui avec un second disque, simplement intitulé We are Disconnected. Quatre années se sont écoulées, la crise sanitaire est aussi passée par là. « L’album devait initialement sortir en 2020, deux ans après le premier, ce qui, en effet, est beaucoup plus cohérent. Mais avec le Covid, on voulait attendre le bon moment, d’autant plus que c’est le premier avec le line-up stable actuel, qui est en place depuis 2019. Ce qui donne une identité complètement différente au groupe comparé à White colossus. Les titres qui devaient sortir en 2020, on les a retravaillés. On a pris le temps de profiter de quelque chose d’assez négatif pour peaufiner ces titres et sortir le meilleur produit possible, maintenant, en 2022. »

Ce nouvel album comporte huit titres forgés dans un metal brut et direct. Avec deux « nouveaux » musiciens (le guitariste Florian Mérindol et le batteur Jelly Cardarelli) et avec cette opportunité que fut la crise sanitaire, comment Romain analyse-t-il l’évolution de Disconnected entre ces deux albums? « Rien que le processus de création est différent. Sur White colossus, c’est Adrian qui écrivait ces morceaux dans leur globalité. Nous n’étions, Ivan (Pavlakovic, chant), les autres et moi, que les musiciens. Là, c’est le groupe qui a composé. On a tous créé, on a chacun participé à l’écriture, d’où, aussi, ce titre We are Disconnected: « voilà, ça c’est Disconnected ». Cet album nous ressemble vraiment. C’est une unité. » La musique de Disconnected, si elle est brute, est varié. La décrire n’est pas évident: « C’est du metal moderne, on a des choses djent et du rock, du hard rock… Mais c’est difficile de mettre une étiquette sur le style. Mes influences? Il y a autant de Meshugah que de metal classique comme Iron Maiden, tandis qu’Adrian, lui, il est à fond dans le metal des années 80. Avec ce genre de contraste, il y a de quoi créer des choses sympa« .

On remarquera naturellement le premier morceau, Life will always find it’s way. Même si le lien avec l’ami Covid peut sembler évident, rappelons nous que l’album a été composé avant l’arrivée de ce virus. Le chant d’Ivan se révèle, comme sur l’album précédent, varié, se faisant ici agressif et rageur, là plus clair et passe partout. Le vocaliste propose une vaste palette qui colle parfaitement au genre développé par cette entité qu’est aujourd’hui Disconnected. Un album d’une brutale efficacité qui saura séduire un large public, tant en France qu’ailleurs.

Le plus gros show arrive, puisque Disconnected ouvrira le HF 2 sur la mainstage 2 le vendredi 24 juin (le groupe est également à l’affiche du WOA et du Rockfest de Barcelone). Si les 5 auront plus de temps pour se préparer qu’en ouverture de Priest (et faire imprimer un backdrop un peu plus grand, aussi…) nul doute que Disconnected sera l’une des sensation de cette nouvelle édition du Hellfest. Un grand groupe est en marche!

Propos recueillis au téléphone le 31 mars.

JACK AND THE BEARDED FISHERMEN: Playful winds

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Rock Punk Noisy, France (Autoproduction 2022)

Dificile de classer ce quintette aunom aussi barré que sa musique. Jack and the Bearded Fishermen nous propose Playful winds, son 4ème album. Mais également son premier depuis 2014. un nouveau départ? En tout cas, les pêcheurs barbus naviguent sur plusieurs eaux, allant de l’énergique au plus calme. Si tous les morceaux sont basés sur des guitares saturées et l’énergie, les inspiration puisent autant dans le metal que dans le punk. Parfois simplement grunge, à d’autres moments noisy, Jack And The Bearded Fishermen nous convient à un voyage en eaux pas si troubles et s’amusent à voguer entre calme (Périscope) et orages (Beware of birds, From above, Lips as martyr) se transformant parfois en tempête (Season, Playful winds). Il n’est ici pas forcément besoin d’avoir le pied marin pour jouer les moussaillons et se laisser entrainer au creux des vagues. Même si, marin d’eau douce comme moi, vous avez le mal de mer sur un pédalo, le capitaine Jack et ses marins barbus sauront prendre soin de vos sens.

KOZH DALL: Deaf mute

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France, Metal (Autoproduction, 2022)

Les amateurs de metal français auront sans doute eu connaissance de ce « groupe » quelque peu ovni de la scène extrême hexagonal qu’était Kozh Dall Division. On retrouve aujourd’hui ce même projet amputé de sa division. Pour quelle raison est-il devenu simplement Kozh Dall? Laurent Plainchamps, fondateur de ce projet et ancien membre d’Arsenic, Kristendom et même No Return qu’il a dépanné sur une dizaine de dates, s’en explique: « sur les deux premiers albums, il y avait beaucoup d’invités et le terme « division » impliquait le fait d’être plusieurs aux manettes, plusieurs musiciens de divers groupes et univers musicaux. En fait, le terme « division » ne me plaisait qu’à moitié. J’ai aussi changé le logo, et ce n’est pas tout à fait le même projet. » Ce projet est donc un ovni musical. Laurent en décrit simplement sa musique en précisant n’avoir « rien inventé. C’est un peu toutes les tendances du metal, des années 80, 2000, qui mixe du thrash, du death, du gothique, voire un peu de doom. Les voix sont variées, de claires, à death, thrash ou heavy, ce que j’adore faire. » C’est d’ailleurs une des particularités de cet album, ce chant varié, et Laurent s’occupe de toutes les voix, aussi bien rageuses que fluettes et « même presque féminines« . Intitulé Deaf mute, « sourd muet », traite du handicap sous diverses formes. « Oui, et ce pauvre gars n’a pas grand chose pour lui puisque Kozh Dall ça veut dire « vieil aveugle » en breton« . D’où cette pochette qui montre un visage saigner de ces trois sens… « Ca reflète aussi la difficulté d’exprimer son mal-être, pas seulement avec des mots, des textes ou un dialecte. C’est de la colère, de la tristesse, des émotions. Tout cela suffit à l’auditeur pour créer sa propre histoire« . En effet, on trouve beaucoup de choses dans cette musique: au cœur d’un titre thrash peuvent se trouver larsen et tapping. Laurent explique que « la musique, c’est des émotions qui viennent. Il y a a beaucoup d’improvisation, j’enregistre ce qui vient, et je laisse parler mes émotions. J’ai voulu enregistrer mes émotions sur le moment, ce n’est pas une interprétation, je ne pouvais pas faire autre chose à ce moment là« . En d’autre termes, cet enregistrement « one shot » a été très instinctif et organique. Les dix titres (de 1 à 10, titres simples au possible) reflètent cet état d’esprit. Les numéroter ainsi? « Il y a très peu de texte, en fait, donc c’était difficile de trouver un titre, j’ai laissé les émotions s’exprimer… Après, ça a été un peu compliqué pour la SDRM qui n’a pas compris que le titre 1 s’intitulait 1 et ainsi de suite (rires)! » Si Laurent devait n’en faire écouter qu’un pour nous convaincre de découvrir le reste il retiendrait « 6, par ce qu’il met un peu en avant ma voix et qu’il est assez facile d’écoute. c’est aussi l’un des deux clips. c’est un titre sur lesquels il y a un petit passage agressif mais aussi, j’ai réussi à faire des voix plus claires, presque cristallines. » Les amateurs de sensations fortes sauront trouver leur bonheur dans la variétés proposée par ce Deaf mute, brutal et introspectif dont la devise, conclut Laurent, pourrait être « les paroles ne sont que mensonge« . Un univers intrigant dans lequel l’auditeur pourrait aisément se noyer.

 

 

Entretien avec Laurent Plainchamps – propos recueillis le 1er avril 2022

BREATH FROM THE VOID

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France, Metalcore (M&O, 2022)

Formé en 2020, Breath From The Void déboule aujourd’hui avec un premier Ep – presque un album en réalité – éponyme. Proposant 7 chansons, le groupe navigue entre groove metal et metalcore. Après une intro soft (Immersion), le groupe crache sa rage avec un Discomfort bien nommé. Une rage et une énergie qui se révèlent tout au long de ce premier essai. Dès lors, le ton est donné. Les cinq ont grandi et ont été éduqué au son des Gojira, Lamb of God ou, dans un autre registre, Hypno5e. BFTV cherche à varier les ambiances et les plaisirs (cette intro sabbathienne et doom et cette ambiance presque mélancolique de Ocean eyes valent le détour), alternant entre chant clair puissant et colère peu contenue. Loin de bourriner à tout va, Breath Frolm The Void sait faire respirer son propos. Les guitares qui charcutent et cisaillent cherchent également une forme de mélodie en se faisant par instant plus aériennes tandis que des rythmes répétitifs et quelque peu hypnotiques parsèment ce premier essai qui s’adresse clairement aux amateurs de puissance, vélocité et breakdowns mêlées à une certaine recherche de mélodies.

PRIMAL RAGE: Awakening the masses

par

France, Thrash/Hardcore (M&O, 2021)

On ne va pas passer par 4 chemins: Awakening the masses, le premier album de Primal Rage depuis deux décennies, est un de ces putains de crochets qui te mettent genoux à terre en moins d’un round. Le groupe Savoyard a décidé de refaire parler la poudre et nous propose un album coup de maitre. Le thrash hardcore que propose le groupe est simplement redoutable. L’efficacité réside, au delà de la qualité des composition, dans les refrains et les chœurs qui présentent un groupe à l’unisson, une formation avec pour objectif commun d’entrainer l’auditeur et/ou le spectateur dans cette tempête de rage contrôlée. Putain, ces mec ont leur place à la Warzone direct! Zou, allez me faire des circle pits et des wall of death! Ca bastonne et ça dézingue à tout va! On pourrait faire l’analyse de chaque titre qu’on en reviendrait à la même chose: de Repression au morceau éponyme en passant par FFF (un rapport avec le groupe? mais non…) Racial hate, No cure for hate ou… bref, une conclusion s’impose: « ça le fait grave et sévère ». C’est certes brutal mais c’est également, surtout, salvateur. Alors, simplement, tout simplement, laissez-vous tenter et entrez dans cette massez que Primal Rage veut réveiller. Espérons simplement qu’il ne faille pas une nouvelle double décennie pour un nouvel album, mais laissons celui-ci vivre pleinement sa vie!

 

Interview: KNUCKLE HEAD

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Knuckle Head, c’est facile comme groupe. Ils sont deux. Pour cette interview, ma première question est de savoir auquel j’ai à faire, le beau ou le sympa? « Ben, c’est facile, je suis Jock Alva, le batteur, le tatoué« . Ok, un cogneur. Donc j’arrête mes vannes. Quoique…

Holsters and rituals est le second album du groupe. Sachant que le premier album s’intitulait 2, que le duo a également sorti un Ep faisant de ce nouvel album son troisième enregistrement… Faut vous suivre sur ce coup-là, dis… « Euh… oui, si t’a envie (rire)… Tu sais, tu es le dernier alors là je me lâche« . Aussi légère que puisse être cette interview, interroger Jock (ou joke?) se révèle simplement léger et plus que sympathique. Alors, commençons par le « simple » Knuckle Head, c’est quoi? « C’est un duo, gratte, batterie. Epuré au maximum. C’est du dark country… Te définir ce que c’est, c’est difficile. Tu écoutes et tu vas avoir du stoner, du sludge, du doom, du hard rock, de la country, du metal, du ard blues, du rock, du soft rock… C’est un énorme mélange et tu mixes tout. Tu rajoute, cerise sur le gâteau, un peu d’occulte, et tu sert ça avec un bon dessert et ça te donne Knuckle Head« . Le point commun entre tous ces style, c’est le côté US de la musique, très connotée west américain, avec les grandes étendues, le sable et le désert… « Absolument. On essaye vraiment, aussi, de mettre notre personnalité dedans« . Et c’est plutôt réussi.

« On a travaillé 3 ans sur cet album« , déclare Jock. Oui, mais il y a eu le Covid pour ça. « Ben justement… Il est très bien tombé, parce qu’on a vraiment pu prendre le temps de se concentrer à 200% sur ce disque. On sait que le mot Country touche à l’Amérique, mais on voulait mettre aussi le côté européen. Le côté château, un peu occulte des rituels, des forêts, sans compter que nous venons d’Alsace, là où ont été formées les sorcières… On voulait que cette country mette en valeur le côté européen. Il n’y a que les Américains qui puissent faire de la vraie country« . Country, oui, mais on reste très loin de Dolly Parton, heureusement… Le groupe a donc pu tirer profit de la crise sanitaire. En quoi le Covid a-t-il servi le duo? « On a pu prendre du temps, simplement. On a pu tout faire… On fait tout nou smême, de la gestion des réseaux sociaux à l’envoi des colis pour les commandes. Si tu dois tourner en même temps, aller en studio, sachant qu’à côté j’ai une entreprise de tatouage… Même si la musique reste au dessus de tout, tout ça prend énormément de temps, donc oui, bien sûr que le Covid nous a servis à beaucoup moins stresser, à travailler encore mieux l’album. Je penses aussi que l’expérience du temps nous a servis à nous trouver. Il y a plus d’harmonie. Je pense que Knuckle Head suivra cette voie sombre et lumineuse« .

L’album s’intitule Holsters and rituals. La pochette évoque ces derniers, à commencer par le côté sombre, le logo en cercle du groupe, les gens qui prient ces statues… Quels sont donc les rituels de Jock et Jack? « Je ne sais pas comment t’expliquer ça… En fait, l’artwork de l’album représente 2 statues qui, entourées de deux vitraux est exactement ce qu’on a reproduit sur scène. On a ces deux vitraux de 2 X 1 m sur scène qui sont une forme de bienvenue quand tu viens en concert. Quand tu nous vois sur scène, on te dit « bienvenu », et le chemin t’amène vers cette montagne, ce ciel, qui sont une invitation à une sorte d’évacuation totale« . mais eux, Johnson et Johnson, pardon, Jack et Jock, en ont-ils, des rituels, avant de monter sur scène, d’enregistrer? « Non, pas du tout. on n’est pas une religion, mais on prêche une forme de quelque chose. Ok, c’est une forme de rituel, mais quand tu rentre dans cet endroit, cette salle de concerts, c’est fait pour que tu oublies, que tu vives beaucoup mieux ce qu’il se passe autour de toi« . Donc, Knuckle Head apporte des ondes positives… « Exactement. Même si certains pourraient penser l’inverse en voyant la pochette« .

Tatouage, justement, Jock est tatoué partout. Que reste-il d’espace sur son corps qui ne le soit pas? « Euh… la voute plantaire (rires). Il me reste encore un peu de place« . Donc, pour Jock, le tatouage est un rituel. « C’est un rituel, oui, mais pas autant que la musique. C’est d’ailleurs, maintenant, le moyen que je préfère pour aller me vider la tête. Avant, ça passait par le tatouage qui est pour moi très personnel comme acte. c’est soit un moment très triste, sombre, ou très heureux. Je ne me marque que pour ça, pas pour l’art. C’est ma façon de m’exprimer, et maintenant, cette expression passe par la musique qui est mon exutoire. »

Kncuckle Head c’est également un groupe de rock, qui vit pour la scène. Le duo vient de retrouver le plaisir des salles qu’il vit, on l’imagine volontiers, comme une libération. « Oui, avec beaucoup de stress. Le peu de dates qu’on a eues, le Covid est arrivé. Là tout reprend à la normal, avec en plus la sortie de l’album. Il n’a en plus rien à voir avec l’album 2, qui est plus coloré, celui ci est beaucoup plus sombre. On s’est dit qu’on allait perdre une partie de notre fanbase. Peut-être pour en gagner une autre, mais en perdre une partie. Et en fait, pas du tout! C’est incroyable les retours qu’on a depuis trois jours, depuis le début de cette tournée. Des fans et de vous tous, au cours des interviews. On vous remercie plus que tout pour cette bonne ambiance, cette appréciation de ce nouvel album. On est vraiment très flattés par tout ça« .

Si Jock devait ne écouter qu’un seul titre de cet album pour expliquer ce qu’est Knckle Head, il retiendrait « le dernier, The sword. C’est pour moi l’aboutissement parfait d’une sonorité dark country. il y a cette sonorité d’énergie country un peu bizarre, on dirait qu’on a donné du Red B*** à la country et d’un coup tu passes sur ce riff stoner doom vraiment lourd, et cet énorme larsen de 30″ qui laisse place à cette espèce de pogo qui te fait headbanguer. Oui, c’est l’aboutissement de cet album. A écouter dans l’ordre! »

Pour conclure, pour Jock, la devise de Knuckle Head pourrait être « Ne jamais rien lâcher. Jamais abandonner« . En attendant, il tient à rajouter « profitez de chaque jour comme si c’était le dernier. Avec tout ce qu’il se passe, essayez de garder le sourire, d’être gentil avec les autres comme ça vous aurez un bon karma! »

Entretien téléphonique avec Jock Alva (batterie). Propos recueillis le 28 mars 2022

DECASIA: An endless feast for hyenas

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France, Psyché (Heavy psych sounds, 2022)

Decasia est un trio formé au début des années 2010 à Nantes. Après deux Ep, un éponyme en 2014 et The lord is gone en 2017, Decasia nous propose aujourd’hui son premier album, An endless feast for hyenas. Loin de vouloir inventer ou réinventer un genre, le trio nous propose un album puisant aux tréfonds du rock psychédélique de la fin des années 60/début des années 70. Il y a dans ces dix titres la folie des Doors, la puissance de Motörhead, la fumette de Hawkwind, le heavy de Black Sabbath, le tout enrobé, visuellement et musicalement, d’influences indiennes (souvenez-vous les pèlerinages sur les chemins de Katmandou, on y est). Les guitares saturées et ronflantes, la puissance sonore, le côté perché de ces compositions nous replonge dans un passé que d’aucuns tentent de faire revivre. Pas question ici du revival southern rock, non, mais bien de l’univers déjanté du rock psychédélique. Le chant – peu intelligible – rappelle  Ozzy Osbourne ou Jim Morrison, les guitares évoquent un meeting entre Fast Eddie et Tony Iommy, les soli les envolées barrées des musiciens d’antan sous acide. Pas forcément très actuel, moins dansant qu’un Blues Pills, l’ensemble reste cependant intriguant et quelque peu attirant bien et peut s’apprivoiser petit bout par petit bout. Un saut dans le temps.