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DOKKEN – The lost songs: 1978-1981

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USA, hard rock (Silver lining, 2020)

Dokken… ah, Dokken et les guerres incessantes entre Don Dokken, chanteur et fondateur du groupe et George Lynch, prodige de la six cordes. Ah, Dokken et son arrivée dans le monde discographique grâce au label français Carrère, séduit par le hard rock depuis qu’il a signé Saxon. Dokken et son indispensable triptique Tooth and nail (1984), Under lock and key (1985) et Back for the attack (1987)… Oui, mais Dokken a aussi eu une vie avant, même avant son premier album, Breaking the chains (1983). Le chanteur a remis la main sur de vieilles démos, les a finalisées tout en gardant le son d’époque, et nous les livre aujourd’hui pour que nous, ses fans, puissions aussi profiter des origines du combo grâce à ce The lost songs: 1978-1981. Euh, au fait, pas encore de Lynch ici, il s’agit vraiment d’enregistrements bruts, à l’exception des deux derniers titres, Liar et Prisoner, enregistrés en public. Alors voilà, au fil de mon écoute, je me pose une question simple: sachant que cette période m’a toujours fait vibrer, en me replongeant dans ces 80’s naissantes, aurai-je aimé Dokken? Cette version de Dokken, naturellement. Pas sûr. Le chant est encore timide et peu affirmé sur Step into the light, Day after day, les ballades trop nombreuses et sirupeuses (Day after day, Rainbows…). Les groupes de cette scène florissante se connaissaient, se croisaient, fréquentaient les mêmes clubs et se stimulaient, et l’on retrouve ici des traces de Mötley Crüe (certaines lignes de chant à la canard) ou Ratt (Juan Croucier a d’ailleurs co-écrit Hit and run) ou encore Great White (le son et le style de guitare sur le précité Hit and run) parmi d’autres. Si la fin propose un Dokken plus dur et rentre dedans (le rapide et furieux No answer ou le nerveux Back in the streets), l’en,semble reste assez classique. On se rend vite compte de ce que peu apporter une oreille extérieure, Felony en étant le meilleur exemple, seul titre que l’on retrouvera plus tard sur la première galette. Ne vous y trompez pas, le Prisoner ici présenté n’a rien de commun avec celui figurant sur Back for the attack. En résumé, ces « chansons perdues » ne marqueront pas vraiment l’histoire du metal ni celle du groupe. Un document qui ne s’adresse qu’aux fans ultimes, mais rien de plus.

BON JOVI: 2020

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Rock pop, USA (Island, 2020)

Un nouvel album de Bon Jovi est-il toujours une bonne nouvelle? Franchement, ce 2020 au titre peu inspiré risque de ne s’attirer que deux types de réactions: les fans ultimes qui vont encore partialement crier au chef d’oeuvre et les autres qui, comme moi, ne dirons rien de plus qu’un simple « oui, du Bon Jovi, sans surprises ». Car au bout de presque 40 ans de carrière, la recette continue de fonctionner: des ballades sirupeuses constituent une bonne moitié de l’album (American reckoning, au texte quelque peu engagé, Story of love, Lower the flag, Unbroken), l’autre se faisant plus « rock » mais typique de ce que le public attend. A une exception près,  cependant: Do what you can qui lorgne volontiers du côté du southern rock. Mais franchement, les choeurs qui  démarrent dès Limitless, et que l’on retrouve sur Beautiful drug (les deux ont la même base: une basse groovy mise en avant, un refrain facile et des « oh,oh, ooh » trop racoleurs) n’ont pour seul objectif que de faire participer le public en concert. Ok, Blood in the water se démarque mais rapidement se pose le sentiment que le titre se veut un nouveau Dry county. Et ce titre là, il est sacré… Mais aussi, cette voix, qu’en penser? J’ai dû rater quelques épisodes, mais Jon Bon Jovi semble vouloir prendre un accent bad guy, un peu vulgaire par instants et aussi, plus éraillée que jadis, sans doute le résultat de trop de clopes. Moins séduisante à mes oreilles, en vérité. 2020 est un album gentiment plaisant mais qui laisse l’auditeur que je suis sur sa faim. Trop facile, trop entendu, trop mou. Une aventure qui pour moi s’est arrêtée avec These days. Dommage… Vivement 2021 qu’on passe à autre chose.

Interview: Tyler BRYANT AND THE SHAKEDOWN

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Interview TYLER BRYANT AND THE SHAKEDOWN : entretien avec Tyler Bryant (chant, guitare) Propos recueillis via Zoom, le 9 octobre 2020

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Metal-Eyes : Tyler, vous avez un rythme d’enregistrement d’albums comme personne. 2015, 2016, 2017, le dernier il y a à peine 18 mois, et le prochain sort le 16 octobre. Vous trouvez où, cette inspiration ?

Tyler Bryant : J’adore écrire des chansons, c’est une des choses qui me rendent heureux. Cette année, notre tournée a été annulée, et la décision la plus évidente a été de composer de nouvelles choses. Je n’ai pas encore eu de « syndrome de la page blanche » dans ma carrière, même si je sais que ça arrivera ! Il y a tant de choses dont on peut s’inspirer, surtout en ce moment. Les gens traversent tant d’épreuves en ce moment, c’est pour ça qu’on a appelé cet album Pressure. C’est un album dans lequel nous mettons tous nos espoirs et notre énergie et espérons pouvoir tirer quelque chose de positif d’une situation affreuse. Nous avons ressenti comme un devoir de partager cela avec notre public.

 

Metal-Eyes : Tu dirais que le Covid a eu un impact « positif » sur le processus d’écriture ?

Tyler Bryant : Ouais… C’est difficile de dire que le Covid a quoique ce soir de positif… Mais j’ai écrit plus de chanson positives, comme un exutoire de tout ce qui est négatif actuellement. Des chansons comme Crazy days ou Coastin’ sont parmi les plus positives de ce que j’ai jamais écrit. C’est sans doute le résultat de mon cœur me dictant « ok, mec, plus de choses négatives, sois positif ! »

 

Metal-Eyes : Comment analyserais-tu l’évolution du groupe entre Pressure et Truth and lies, vos deux derniers albums ?

Tyler Bryant : Mmh… On a beaucoup tourné, on est des chiens de la route… On donne 200 concerts par an, ou plus, et plus tu joues, meilleur tu es. On a donné des concerts dans des stades avec des groupes comme Guns’n’Roses et dans des clubs dans des villes où nous n’avions jamais mis les pieds avant… Chaque concert te permet de voir ce qui fonctionne ou pas. Il y a des chansons qui fonctionnent dans des stades et d’autres, plus intimes, tu aurais envie que le public soit là, assis dans la pièce avec toi. Je crois que nous commençons à tirer profit de toutes ces expériences que nous vivons depuis des années.

 

Metal-Eyes : Avec tous ces groupes avec qui vous avez partagé l’affiches, gigantesques ou plus petits…

Tyler Bryant : Oui, absolument. Et aussi… Nous avons enregistré cet album dans mon home studio. Si tu veux survivre aujourd’hui, surtout en tant que groupe de rock, tu dois prendre les rênes et faire les choses toi-même. Personne n’a envie de sortir, et nous n’avons pas envie de sortir, voir des gens ! On a déjà pris des risques en enregistrant cet album en plein confinement, nous sommes censés ne voir personne ! Nous avons passé un pacte disant que nous ne verrions personne d’autre, ne rien faire d’autre que des allers-retours entre chez nous et le studio. J’ai la chance d’avoir un studio chez moi, où nous avons enregistré. J’aime le fait de complètement pouvoir m’immerger dans le processus comme nous l’avons fait.

 

Metal-Eyes : Mais tu aimes aussi être sur la route, comme tu l’as dit. Le chien de la route que tu as décrit il y a quelques instants doit être frustré en ce moment…

Tyler Bryant : Oui, à 100%. C’est un peu impressionnant de sortir un album sans aucune date pour le promouvoir…

 

Metal-Eyes : Oui, mais la musique doit continuer de vivre.

Tyler Bryant : Si je ne fais pas de musique, je suis malheureux. Faire ce disque était un moyen pour moi de rester sain, et c’est pareil pour mes compagnons de jeu. On a pris notre pied à réaliser cet album !

 

Metal-Eyes : Il y a une variété de rythmes, de feelings sur cet album. Pressure, le titre d’ouverture est très heavy, il y a des morceaux plus intimistes et sentimentaux. Qu’avez-vous mis dans ce disque ?

Tyler Bryant : Une chanson comme Pressure a été composée avant la pandémie, mais je crois que ce sentiment de se sentir submergé par la pression est ressentie par les gens depuis la nuit des temps. Nous avons eu le sentiment que ça devait être notre point de départ pour ce disque, parce que chaque membre du groupe en parlait. Je ressens de la pression : celle de ne pas avoir de travail, de vouloir réussir, d’avoir quelque chose à faire, parce que je m’ennuie, que je me sens piégé… Toutes ces choses que chacun peut ressentir… C’est pour cette raison que nous avons choisi de placer l’aguille de la pochette dans le rouge, parce que c’est ce que nous ressentons actuellement. Mais nous ne pouvions nous arrêter là, nous devions explorer d’autres sentiments pour voir le bout du tunnel. C’est la raison pour laquelle l’album se termine avec Coastin’, une chanson pleine d’espoir, et positive.

 

Metal-Eyes : Tu viens de parler de « pression pour réussir » … Vous avez joué en ouverture de groupes gigantesques, avez sorti une demi-douzaine d’albums… Que manque-t-il pour vous faire passer au stade supérieur ?

Tyler Bryant : J’en sais rien… Je crois que nous avons rencontré notre public. Nous ne sommes pas un groupe mainstream, nous jouons du rock bluesy sans prétention. Tu me vois assis avec cette Resonator (ndmp : une guitare Gretsch à caisse métallique notamment popularisée par Dire Straits) des années 30… Je ne suis en aucune manière une pop star et je me sens vraiment chanceux que nous ayons pu donner des concerts dans des stades. Mais… donner un concert devant 300 personnes, fans et passionnés par la musique de The Shakedown, est tout aussi gratifiant. A mes yeux, en tout cas ! Le succès à grande échelle n’a jamais été le but de ce groupe, notre objectif est de créer la musique que nous adorons. Continuer sur cette voie, comme les artistes que je respecte, c’est ce que je souhaite : faire le plus de disque jusqu’à ce que je ne le puisse plus.

 

Metal-Eyes : Vous n’avez presque jamais changé de line-up…

Tyler Bryant : Oui, à l’exception de notre bassiste qui a quitté le groupe après 8 ans. Nous nous sommes quittés en très bons termes et nous nous parlons encore… Il commencé en tant que batteur, et il a pris la basse en entrant dans le groupe. Mais il avait cette envie brûlante de rejouer de la batterie, alors il a suivi son chemin.

 

Metal-Eyes : Comment expliques-tu l’union qu’il y a entre vous tous ?

Tyler Bryant : Nous sommes des frères, simplement ! Aussi proches que nous pouvons l’être sans lien de sang. Nous avons partagé tant de choses… Nous nous sommes battus les uns pour les autres, nous sommes soutenus.

 

Metal-Eyes : Sur Oui ! (il ouvre sa veste et dévoile un T-shirt avec sa photo) C’est elle ! Elle sort son nouveau single aujourd’hui, alors j’assure sa promotion ! Il y a quelques chansons sur ce disque où je pensais que ce serait bien d’avoir du chant féminin. Elle nous a fait le plaisir de partager sa voix avec nous sur ces chansons…

 

Metal-Eyes : Il y a aussi la participation de Charlie Starr…

Tyler Bryant : De Blackberry Smoke, oui !

 

Metal-Eyes : Vous jouez le même style de musique… Depuis combien de temps vous connaissez-vous ?

Tyler Bryant : Je connais Charlie depuis longtemps… Je ne sais plus combien de temps, mais The Shakedown a tourné avec Blackberry Smoke et Charlie et moi sommes devenus de bons amis. Je le considère comme un ami proche. Au-delà du fait que nous soyons amis, je suis un grand fan de son groupe ! C’est un de mes chanteurs préférés et c’est un honneur pour moi qu’il chante sur ce nouvel album.

 

Metal-Eyes : Si tu devais ne retenir qu’un titre de Pressure poru expliquer ce qu’est aujourd’hui Tyler Bryant and The Shakedown, quelle chanson serait-ce ? Et je sais que j’ai dit il y a quelques instants que c’est un album très varié…

Tyler Bryant : Pfiou… Oui, c’est un album varié… Je dirai Holding my breath. C’est une bonne représentation de qui nous sommes aujourd’hui.

 

Metal-Eyes : C’est le seul titre qui dépasse les 4’…

Tyler Bryant : Vraiment ? Je ne le savais pas !

 

Metal-Eyes : C’est volontairement que vous écrivez des chansons courtes ?

Tyler Bryant : Non… Tu sais, si tu viens à un concert des Shakedown, tu auras du mal à trouver une chanson de moins de 4’. Nous adorons jammer, improviser, ça nous inspire. Ce moment où tu laisses parler ton instinct en concert. En studio, nous préférons aller à l’essentiel, laisser une chanson parler d’elle-même, sans ajouter de guitares héroïques ou de fioritures… Nous préférons que la guitare serve la chanson plutôt que de frimer avec…

 

Metal-Eyes : J’ai écouté l’album le 6 octobre. Ecouter The old me alors que nous venions d’apprendre la mort d’Eddie Van Halen, ça m’a vraiment ému. Comment as-tu vécu cette disparition ?

Tyler Bryant : Oh, man… Eddie Van Halen était un de mes héros. Ma première guitare électrique était un clone de sa Frankenstrat… C’était une guitare pour enfant et lorsque je l’ai eue, je ne savais même pas qui était Eddie Van Halen, je n’étais qu’un gamin. Oui, c’est une perte immense pour le rock, et pour la musique en général. Mais je me sens chanceux d’avoir pu vivre dans le même monde que lui, c’était un génie absolu…

 

Metal-Eyes : Une inspiration aussi ?

Tyler Bryant : Oh, oui, une grande source d’inspiration ! J’ai posté une chanson sur mon compte Instagram hier, une sorte d’hommage… J’aurai voulu le rencontrer, mais…

 

Metal-Eyes : Est-ce que le père de Graham vous apporte son avis sur votre musique ?

Tyler Bryant : Non… Il fait son truc, et je crois que Graham apprécie de faire aussi son truc. Il préfère faire écouter un album à son père une fois enregistré, mixé et finalisé. Il ne va pas lui demander son avis…

 

Metal-Eyes : Mais Brad vous le donnerait s’il pouvait écouter votre musique avant que vous ne l’enregistriez ?

Tyler Bryant : Il l’a fait une fois, une seule fois. Il est venu en studio en 2011, ça remonte. Il nous a dit « ça sonne vraiment bien. Ce serait bien si les backing vocals sonnaient comme ça ! » Et il s’est barré… Il a toujours soutenu le groupe.  Quand nous avons terminé le premier album, nous sommes allés chez Brad, lui avons fait écouté l’album et il nous a dit « ça craint ! Vous voulez écouter le dernier album d’Aerosmith ? » et on a vraiment passé un bon moment. Il est plus un ami qu’autre chose. Il est juste le père de Graham…

 

Metal-Eyes : Tu auras remarqué que je n’ai pas prononcé son nom de famille… (Graham Whitford est le fils de Brad, guitariste d’Aerosmith)

Tyler Bryant : Oui, oui, j’ai remarqué…

 

Metal-Eyes : Quelle pourrait-être la devise du groupe aujourd’hui, quelque chose que vous imprimeriez sur votre futur album ?

Tyler Bryant : Oh, mince… Une chose que (il rit) je prononce toujours avant de monter sur scène c’est « Pas de prisonniers ! » L’idée c’est que quand les Shakedown donnent un concert, j’ai envie d’attraper le public à la gorge et de le secouer ! Je sais, ça sonne assez violent, je ne veux blesser personne, bien sûr ! C’est plus dans l’idée d’embarquer le public avec nous.

 

Metal-Eyes : Ces dernières années, vous avez changé votre manière de composer ?

Tyler Bryant : J’ai toujours fait les choses de manière instinctives. Ce que ressens est ce que je vais écrire. J’attrape une guitare et je joue. Un riff ? Un rythme de batterie ? Un titre ? Je n’ai jamais eu une méthode précise… Je ne sais jamais par où je vais commencer, et lorsque je planifie les choses, en général, le résultat… ça craint !

 

Metal-Eyes : Quel est l’apport des autres ? S’agit-il d’un travail personnel que tu proposes aux autres ou d’un effort collectif.

Tyler Bryant : Un peu des deux… Ils apportent beaucoup plus que simplement jouer leur partie. Un titre comme The old me, je l’ai écrit seul. Je me suis assis avec une guitare, j’ai eu une idée de riff et 15 minutes plus tard, des mots sont arrivés. D’où, je n’en sais rien, mais ils étaient là. J’ai joué le morceau aux autres et ils ont simplement amélioré la chanson, en ajoutant du piano, ce que nous n’avions jamais fait. Parfois, Graham m’envoie un titre et nous le développons, un vrai travail collaboratif. Il y a beaucoup de choses sur cet album qui n’auraient pas vu le jour sans ce travail commun.

 

Metal-Eyes : Donc c’est un groupe démocratique…

Tyler Bryant : Nous ne faisons rien sans que chacun ne donne son accord, c’est sûr !

 

 

Concerts from home: AEROSMITH – Live! Bootleg

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C’est désormais une habitude… Toujours privés de concerts, Metal Eyes continue de de revisiter certains albums live au travers de la rubrique nouvelle rubrique « Concerts from home ». Cette semaine, un nouveau grand classique vous est proposé.

Pour ce nouveau volet, restons aux USA. Plus précisément dans le Massachusetts dont la capitale, Boston, a vu naître un des plus gigantesques groupe de tous les temps avec Aerosmith. Revenons alors sur leur premier album live, le mythique Live! Bootleg

AEROSMITH – Live Bootleg ! (Columbia, 1978)

En 1978, alors que le groupe se noie dans la dope et l’égo, Aerosmith (son label et son management aussi) décide qu’il est temps de sortir son premier album live. Le groupe de Boston a déjà 5 disques à son actif, le dernier en date, très justement ou ironiquement nommé Draw the line (1977) n’ayant pas rencontré le même succès (double platine aux USA, quand même) que ses deux prédécesseurs, les remarquables Toys in the attic et Rocks (1975 et 1976) qui ont transformé Aerosmith en un monstre sacré du rock made in USA. Steven Tyler (chant), Joe Perry et Brad Whitford (guitares), Tom Hamilton (basse) et Joey Kramer (batterie), soit la version idéale –idéalisée ? – du groupe, s’embarquent alors dans une tournée qui démarre le 27 juin 1977 à Fort Worth, à côté de Dallas, au Texas. Elle prendra fin une centaine de dates plus tard, le 23 juillet 1978, lors du Day on the green festival d’Oakland en Californie. Aerosmith aura principalement sillonné le territoire américain, malgré une rapide escapade en Europe (2 semaines en août 1977 qui, après l’Allemagne et la Belgique, se concluent au festival de Reading le 27 août) et quelques dates en décembre de cette même année au Canada. Mais le reste du monde ? Le succès du groupe est cependant tel que de nombreux albums « pirate » viennent polluer le marché, ce qui pousse les 5 à publier ce Live ! Bootleg à la pochette épurée et tenter de lutter contre ce marché parallèle, qui, sans doute, leur ôte de précieux deniers qui, plus encore que de payer leurs factures, pourraient bien mieux les alimenter en substances prohibées (les Toxic twins, ça vous dit quelque chose ?). 16 titres sur 4 faces composent ce premier live dont les chansons ont été enregistrées en divers lieux au cours de la tournée Draw the line, à l’exception, cependant des reprises I ain’t got you (Calvin Carter) et Mother popcorn (James Brown), qui, elles, remontent à 1973. Le son des clubs est particulièrement notable sur la reprise de Brown, étonnamment couplée sur le tracklisting à Draw the line qui, lui, fut enregistré 5 ans plus tard, en mars 78 à Philadelphie… Plus étonnant encore, ce dernier n’est même pas mentionné sur la pochette (originale ou réédition). L’album, une nouvelle fois produit par Jack Douglas, véritable 6ème membre, surprend par son intensité et la variété des publics. Clairement, le groupe est, sinon en forme, plein de gnaque et de tensions. C’est palpable par instanst, tant le groupe semble parfois en roue libre sur certains de ses titres emblématiques (la version de Dream on peut étonner). Mais ces tensions se traduisent bien souvent par une énergie sans pareille – la quasi séance d’impro sur Lords of the things est impressionnante – Tyler s’égosillant au point que l’on peut se demander comment il a pu préserver sa voix tout au long de la tournée… Euh, en fait, non, certaines substances l’y ont sans doute aidé! Et que penser de cette « baston » que se livrent Tyler et Perry sur l’explosive version de Walk this way ? Si Aerosmith implose quasiment en pleine gloire en 79 avec le départ de Joe Perry (après l’enregistrement de l’album suivant, Night in the ruts), ce live, publié à sa sortie par Columbia aux USA et par CBS en Europe s’inscrit bientôt parmi les classiques du genre, les indispensables de toute discothèque qui se respecte. S’il fut naturellement réédité en format CD (simple), le disque –vinyle et CD – propose son lot de photos en divers lieux, d’infos et d’affiches qui occupent le lecteur autant, ou presque, que les 75 minutes de ce rock explosif et entraînant. Certains préfèrent les Classics live parus plus tard ? Qu’importe ! En 1977/78 Aerosmith en impose, point. Dream on ? Non, rock on !

Concerts from home: VAN HALEN

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Eddie Van Halen, guitariste de génie, vient de nous quitter. Puisque nous sommes encore privés de concerts, et que, c’est désormais certain, Van Halen ne sera plus jamais tête d’affiche où que ce soit, replongeons nous dans ce premier live du quatuor US. RIP, Eddie.

VAN HALEN – Live : right here, right now. (Warner, 1993)

6 octobre 2020, la nouvelle tombe : Eddie Van Halen vient de mourir. Nouvelle victime de ce cancer qu’on n’ose pas appeler autrement que « une longue maladie ». Il n’avait que 65 ans. Pour autant, l’héritage musical et guitaristique qu’il laisse derrière lui est immense. Mais il existe malheureusement peu de témoignages des performances live du quatuor. Après la scission d’avec Diamond Dave, le groupe se réinvente avec le Red Rocker (qui, visiblement, a mis ce dada coloré de côté), Sammy Hagar avec qui les 2 premiers albums – 5150 et OU812 – font sensation mais seulement pour un temps. Le suivant, For Unlawful Carnal Knowledge replace VH parmi les groupes les plus importants de son époque. Il est grand temps, sans doute, de proposer un live aux fans, chose aisée puisque Van Halen n’a de cesse de tourner. Ou presque… Pour l’occasion, le quatuor sillonne son pays de long en large. La tournée F.U.C.K. démarre le 16 août 1991 à Atlanta, en Géorgie, et s’étire jusqu’au 24 mai 1992 avec deux date à Mexico city, avant de reprendre, l’année suivante, juste après la sortie de ce Live : right here right now qui parait le 23 février 1993 et qui donne son nom à ce nouveau segment. Puisque le groupe a décidé de tourner en soutien à son album live, le public connait par avance la setlist, sans surprise véritable…C’est toutefois, pour Van Halen, une bonne occasion de se refaire un nom sur le vieux continent. C’est le 30 mars 1993 (après un concert de reprise au Whisky a Gogo de LA le 3 mars) que, sous le nom de Right here right now tour, Van Halen retourne en Europe pour une quinzaine de dates, démarrant à Munich, en Allemagne, et se terminant en Angleterre par un Wembley arena de Londres le 29 avril. Le groupe retrouve sa terre natale qu’il revisite jusqu’au 28 août 1993. Mais revenons en arrière, sur la première partie de cette tournée…En 1992, le quatuor fait une halte de deux jours à Fresno, en Californie, et investit le Selland arena les, 14 et 15 mai. Construite en 1966, et depuis agrandie, la salle est, pour un groupe de l’envergure de VH, de capacité moyenne puisqu’elle peut accueillir, dans sa configuration « concerts », 11.000 spectateurs. A l’extérieur, se trouve un studio mobile, le Westwood one manipulé par Biff Dawes. La salle est comble, le public, qu’on devine légèrement retravaillé au mixage, chaud. Et le groupe se donne autant que possible, principalement, c’est dommage, sur l’ère Hagar, le chanteur étant plus que mis en avant. Hell ! il y a même certains de ses morceaux (One way to rock et Give to live). De l’ère David Lee Roth ? Impossible de faire l’impasse sur Panama ou Jump, issus de 1984 ou de Ain’t talkin’ bout love et de la reprise des Kinks, You really got me, des débuts du groupe. Van Halen surprend également en jouant When it’s love, semblant de ballade aux quelques relents enjoués, en guise de troisième morceau… A peine on chauffe la foule qu’il faut ralentir le tempo ? Etonnant choix… Cependant, chacun des musiciens a droit à son moment, Eddie, naturellement, avec ses envolées sans pareil, joue les maîtres de cérémonies, même si l’on souhaiterait parfois un peu plus de risque, de pêche aussi. Son frère Alex est à la fête avec un solo de batterie tel que seul lui sait (savait) les concocter – d’ailleurs, pourquoi n’y a-t-il pas une seule photo correcte de lui dans le livret ? – et Michael Anthony nous offre un moment d’Ultra bass. Répartis sur deux CD (avec respectivement 13 et 11 titres), l’album a clairement été réarrangé, réorganisé. Les setlists qui circulent sur le net de ces deux soirées n’ont pas le même ordonnancement. Que penser, dès lors ? Que comme tant d’autres formations, Van Halen veut se montrer sous son meilleur jour, et cela, c’est le résultat du travail commun réalisé entre le groupe et son producteur Andy Johns (décédé en 2013), qui a notamment travaillé sur le F.U.C.K de VH ainsi qu’avec les Rolling Stones, Led Zeppelin, Chickenfoot (tiens, un autre projet de Sammy H.) et, chez nous, Trust. Bref, un CV long comme le bras mais voilà… Sans doute, certainement, pas assez axé sur la première période de Van Halen (DLR, donc) le disque peine à vraiment trouver son public. Pas que Sammy ne plaise pas, au contraire, il a même parfaitement su trouver sa place, mais il manque cette petite flamme qui transforme un concert en un moment mémorable et magique. Il reste un musicien sérieux, là où David Lee Roth, même en solo, a toujours laissé exploser plus qu’un brin de folie. Right here right now est certes un album plaisant qui se laisse facilement écouter mais, ne serait-ce la flamboyance de Monsieur Eddie, il ne se démarque guère d’autres productions. D’autant plus qu’en 1991 la concurrence est rude, et le deviendra plus encore, discographiquement, en 1993 : Metallica a sorti son Black album et, décidé à conquérir le monde, n’a aucune pitié pour les anciens. Van Halen, en 1992/1993 n’a simplement plus cette même aura séductrice qui a émaillé ses jeunes années. Eddie Van Halen fait simplement désormais parties des légendes, des fondateurs, des incontournables pour tout amateur de rock et, plus encore, pour tout musiciens. Son héritage est immense, rien de moins.

ROBERT JON & THE WRECK: Last light on the highway

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Rock sudiste, USA (autoproduction, 2020)

Le rock sudiste a cette force de savoir être un genre transgénérationnel. Pour peu que l’on aime le rock, le blues, la soul, alors il est aisé de se laisser emporter par des riffs simples et vraies. Robert Jon & The Wreck (RJTW) viennent encore nous le prouver avec Last light on the highway, leur Xème album. Voici encore une formation obscure connue des seuls initiés et qui mérite vraiment de trouver un plus large public… Mais ces mecs en veulent! Ce nouvel album sort un an à peine après leur dernier effort, Take me higher. Les 11 titres évoquent toute l’histoire du Southern rock surprennent par instants en évoquant Phil Collins ou John Cougar Mellencamp. Tant dans le chant que musicalement, d’ailleurs, le groupe puisant dans le royaume du bon gout populaire, entraînant, rythmé et joyeux. Avec ses inspiration soul, rock et pop, ses guitares qui craquent ici et se font légères, ses chœurs chaleureux, ses claviers discrets et sa rythmique directe et efficaces, RJTW va plus loin que le simple rock sudiste et s’adresse à un large public avec l’envie de le faire bouger. Impossible de rester de marbre… Un album sans autre prétention que de se faire et de faire plaisir, Last light on the highway s’écoute au volant sur une longue route et aide à faire défiler les paysage. Un disque pour s’évader.

ALCATRAZZ: Born innocent

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USA, Hard rock (Silver Lining, 2020)

Lorsqu’on évoque Alcatrazz, on pense soit à la prison d’où « on ne s’évade pas », une île à quelques encablures de San Francisco – mais suffisamment éloignée des terres et cernée de courants forts et contraires pour décourager les meilleurs nageurs – une prison désormais devenue lieu de visites touristiques, soit au groupe fondé au début des années 1980 par Graham Bonnet, chanteur passé au sein du Rainbow de Richie Blackmore ou du MSG de Michael Schenker. La première mouture du groupe avait accueilli un jeune Yngwie Malmsteen, prodige de la guitare devenu référence de nombreux six cordistes, amateurs ou professionnels. Mais avec un line-up instable, et malgré 3 albums de qualité, jamais Alcatrazz ne réussit à franchir le cap des challengers. Aujourd’hui, à plus de 70 ans, Graham Bonnet reprend son micro et s’entoure d’une équipe efficace avec laquelle il propose, 34 ans après le dernier album studio, Born innocent, un album qui fleure bon le bon vieux temps. Celui où les manches de guitares déversaient un flot de notes et de mélodies, où le chant signifiait quelque chose, où l’efficacité et l’attitude primaient sur le reste. Les 13 titres de ce nouvel album renouent avec ce passé lointain mais pourtant si familier et proche. C’est sans doute la seule faiblesse de ce disque varié, à la production irréprochable: être trop nostalgique, proposer une musique quelque peu datée. Mais la voix de Bonnet est bluffante, tout comme le jeu de Joe Stump, un guitariste à suivre de près. La mélodie omni présente et le refrain qui fait mouche parviennent aisément à faire de cet album « sans prétention » un moment de plaisir simple et intense. Ne vous attendez pas à une révolution, Born innocent entre simplement dans la catégorie des albums rafraichissants. A l’image du sourire que Bonnet affiche dans le livret intérieur.

PEARL JAM: Gigaton

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Rock, USA (Monkeyrench, 2020) – sorti le 27 mars.

Sept ans après son dernier album, Pearl Jam revient faire un petit coucou. Sorti alors que la France est en plein confinement, ce Gigaton aura, comme nous, dû patienter. Pas le meilleur moment pour une résurrection mais il n’est jamais trop tard pour se rattraper. Eddie Vedder et sa bande s’éloignent encore et toujours de cette vague grunge à laquelle ils ont si souvent été affiliés. Pearl Jam est plus que ça. Groovy et rythmé à souhait, les 12 nouvelles chansons lorgnent du côté des 70’s et d’une partie des 80’s new wave, du The Police, du Springsteen,du U2 aussi mais pas que. Si les dernières productions pouvaient – et ont – laissé certains fans perplexe, Pearl Jam rassurent quant à ses capacités créatives. Le feeling des guitares de Mike McCready et Stone Gossard, la voix envoûtante d’Eddie Vedder, la basse entraînante de Jeff Ament (la base inamovible du groupe qui n’a jamais que changé de batteur) et la sensibilité des baguettes de Matt Cameron font de cet album une exploration de sons et d’ambiances. L’ensemble est varié, doux, engagé, puissant et entrainant. Toujours inspirés par l’humain et la planète, le groupe nous offre sans doute un de ses meilleurs albums. Paix intérieure retrouvée? Une seule déception, pourtant: rares sur scène, on attendait Pearl Jam au festival Lollapalooza… Annulé, comme tant d’autres événements. Délectons nous alors de ces tableaux que nous peignent les Américains en espérant un retour scénique. Gigaton est simplement une grande réussite.

Interview: ONE LIFE ALL IN

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Interview ONE LIFE ALL IN: entretien avec Clem (guitare). Propos recueillis par téléphone, le 24 avril 2020

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Metal-Eyes : Peux-tu commencer par raconter l’histoire du groupe qui est né de votre rencontre avec Don Fosse, chanteur de Spudmonsters, et qui a participé à un titre de ton groupe, Seekers Of The Truth en 2015 ? Vous l’avez par la suite sollicité pour participer à ce nouveau projet qu’est One Life All In.

Clem : Exactement. Au tout début, Franck et moi jouions avec Seekers Of The Truth. On a fait une date avec les Spudmonsters, l’ancien groupe de Don, sur Lyon en 2014. Ca s’est très bien passé, on a un peu échangé durant la soirée et quelques jours plus tard, Franck l’a recroisé au Hellfest puisque les Spudmonsters y jouaient aussi. Ils ont passé pas mal de temps ensemble, Don et lui, et tout s’est super bien passé. Quand on a enregistré l’album de Seekers, on voulait faire un morceau avec un featuring et on a tout de suite pensé à Don qui a accepté d’enregistrer un titre avec nous. Il l’a fait à distance, de chez lui à Cleveland, nous a tout envoyé et nous, on a remis ça au studio à Lyon. On a gardé contact, continué d’échanger. Pour moi, ça en restait là, mais pas dans la tête de Franck qui avait des morceaux en tête. On était encore avec Seekers à l’époque et il m’a demandé de lui donner un coup de main avec l’ordinateur. Il avait les idées mais il ne savait pas forcément faire. Au début, je pensais que c’était des morceaux pour Seekers, mais un peu plus tard, il m’a dit que c’était pour un autre projet, sans trop savoir qui il y aurait comme batteur, comme chanteur mais il m’a demandé de continuer de l’aider à enregistrer.

 

Metal-Eyes : A la base, c’est donc vous deux, Franco et toi ?

Clem : A la base, oui. Quand on a fini d’enregistrer les 6 premiers morceaux, on a demandé à Don si ça l’interssait de chanter dessus. On lui a envoyé les démos, ça lui a plu, il a enregistré son chant sur les 6 titres et nous les a renvoyés. On était super contents.

 

Metal-Eyes : C’est donc ce qui a donné votre premier Ep, The A7 session ?

Clem : Oui, c’est ça. On a ensuite demandé à Kevin (Foley, ex Benighted) s’il voulait nous rejoindre, il a accepté, est rentré en studio et a très rapidement enregistré la batterie. Don est venu en France pour enregistrer ses parties en studio. On a profité des quelques jours de sa présence pour enregistrer un clip.

 

Metal-Eyes : Comment avez-vous fait la connaissance de Kevin ?

Clem : Il assiste à beaucoup de concert, et on se croise régulièrement. Là, c’est Franck qui a pris contact avec lui, par l’intermédiaire d’un autre ami commun. C’est arrivé à un moment où Kevin avait envie de faire autre chose que du metal extrême. Il a joué dans beaucoup de groupes, dont le plus gros est Sepultura. Dernièrement, il a joué avec Lofofora, Black Bomb A et il y en aura certainement d’autres !

 

Metal-Eyes : C’est le syndrome du batteur d’aller taper un peu partout ! Comment définirais-tu la musique de One Life All In, sachant que sur votre bio vous vous définissez déjà comme un groupe de hardcore positif. Vous entendez quoi par là ?

Clem : Je la définirais de punk hardcore, et « positif » par rapport à l’attitude et surtout aux paroles. On n’est pas du genre à dire qu’on est les meilleurs, les plus tatoués… Ce n’est pas notre nature…

 

Metal-Eyes : Vous n’êtes pas un groupe grande gueule, quoi…

Clem : Non, c’est pas notre genre, humainement, et ce n’est pas ce qu’on veut faire de notre musique, assez ouverte. Et on essaie d’avoir une attitude qui va avec notre caractère.

 

Metal-Eyes : C’est quelque chose qu’on retrouve au sein de ton précédent groupe, Seekers of The Truth, qui avait un discours très positif…

Clem : Oui. Oui, c’est quelque chose d’important. Surtout dans le style de hardcore qu’on voit maintenant, qui est beatdown, très revendicatif…

 

Metal-Eyes : Justement : il y a des thèmes que vous privilégiez dans vos paroles ?

Clem : Pas vraiment. C’est Don qui écrit les paroles, il y a beaucoup d’expériences personnelles. Il y a quelque chose qui ressort beaucoup de ses paroles, c’est quelqu’un de très positif, qui essaie toujours de voir le bon côté des choses, même quand il y a quelque chose de négatif au premier abord, il cherche à en tirer quelque chose de positif. Ce qui nous apporte beaucoup, nous pousse à tenter des choses. De toutes façons, si on n’essaie pas on ne saura jamais…

 

Metal-Eyes : Et y a-il des choses que vous préférez ne pas aborder, qui ne font pas partie de votre univers ?

Clem : Je dirais tout ce qui est négatif, politique. Musicalement, ce n’est pas un aspect qu’on aborde. On a des convictions, mais on n’en parle pas.

 

Metal-Eyes : Vous évitez tout ce qui peut être clivant pour vous concentrer sur les aspects positifs de la vie.

Clem : Oui, c’est mon ressenti. Don te dirait peut-être autre chose, il a pris le parti d’écrire des paroles plus personnelles, ce qui n’était pas le cas avec les Spudmonsters, où il pointait du doigt des choses comme la pauvreté. Je pense qu’il est peut-être dans une période de sa vie où il a besoin d’exprimer des choses plus personnelles.

 

Metal-Eyes : Vous continuez de travailler à distance, j’imagine ?

Clem : Oui, même si on a modifié certaines choses : on lui envoie la musique et lui peut corriger des passages, les raccourcir, modifier une mélodie qui ne l’accroche pas trop, qui prend trop de place. On compose de notre côté, on envoie, on modifie, déplace, enlève certains arrangements…

 

Metal-Eyes : Est-il possible que Don vous envoie des lignes de chants et que vous travaillez la musique ensuite ?

Clem : Ça pourrait arriver. Ça ne s’est pas encore produit mais, on en avait parlé, c’est quelque chose que j’aimerai bien faire : pouvoir composer un morceau en fonction d’une mélodie de chant.

 

Metal-Eyes : Eh bien voilà un projet pour le troisième CD !

Clem : Voilà !

 

Metal-Eyes : Quelle est la signification du nom du groupe, One Life All In ?

Clem : C’est un peu le… « carpe diem ». Faire en sorte de faire plein de choses et être bien avec ce que l’on fait. Remplir sa vie avec les meilleurs éléments possibles.

 

Metal-Eyes : Votre esprit est positif. Votre nouveau disque s’appelle Letter of forgiveness – Lettre de pardon. Vous voulez pardonner quoi et à qui ?

Clem : C’est un titre que Don a écrit… Il en parlerait mieux que moi, mais je vais tenter : il a fait certaines choses dans sa vie dont il n’est pas fier, il a des regrets, des remords. Il a eu besoin d’écrire ce titre pour lui, pour accepter de n’avoir pas fait les bons choix aux bons moments. « Excusez-moi pour le mal que j’ai pu faire, parce que j’en ai fait », c’est son message…

 

Metal-Eyes :  Tu peux parler un peu de la pochette aussi ? Une princesse un peu tribale avec cette couronne de fleurs et de fer…

Clem : Moi, ce que j’aime, c’est le côté un peu ambivalent : un visage un peu fermé, qui contraste beaucoup avec les fleurs du dessus…

 

Metal-Eyes : Elle a un regard très mélancolique, je trouve…

Clem : En plus, oui, exactement. Une courrone et des fleurs, c’est pas quelque chose qu’on trouve souvent, en tout cas, pas dans mon esprit, et j’aime bien ce paradoxe. Au départ, c’est une illustration qu’a faite Dave Pickel, un tatoueur américain ami de Don. Don avait ce visuel dans un coin, dans son ordinateur, je sais pas où mais il l’avait ! Il nous l’a proposé, on a dit OK, il a demandé à Dave si on pouvait l’utiliser, et il a accepté mais a demandé à retoucher, peaufiner certaines choses. La pochette du CD, c’est lui, le reste de l’artwork, c’est Sylvain, de Seekers, qui est aussi graphiste. Je trouve cette pochette, le contraste qu’il peut y avoir avec l’imagerie habituelle du hardcore. Ça va bien avec notre esprit et ce qu’on veut transmettre.

 

Metal-Eyes : Il y a aussi ce contraste avec votre premier CD sur lequel il n’y avait que le nom. Comment analyses-tu l’évolution de One Life All In entre vos deux disques ?

Clem : On pourrait presque croire qu’il s’agit de deux groupes différents… Sur le premier, les morceaux étaient assez basiques, directs, sans fioritures. Pour le second, on a beaucoup travaillé les mélodies, on a ajouté une seconde guitare qui apporte pas mal de choses. Au niveau de la structure des morceaux, on sort du schéma couplet-refrain. Au niveau des sonorités on a ajouté des choses un peu plus punk, sur certains morceaux, on s’est même amusés à changer de tonalités, ce que je n’avais jamais fait avec les autres groupes, avant.

 

Metal-Eyes : Vous vous connaissez mieux aussi, vous avez plus de repères communs (il acquièsce). Il y a un mot qui ressort quand j’écoute Letter of forgiveness, c’est que je le trouve plus tribal. Es-tu d’accord avec ce terme ?

Clem : Tu entends quoi par tribal ?

 

Metal-Eyes : Dans les rythmiques, surtout, que je trouve assez sèches, parfois martiales…

Clem : D’accord, ce n’est pas forcément faux.

 

Metal-Eyes : Si tu devais ne retenir qu’un titre de Letter of forgiveness pour présenter à quelqu’un qui ne vous connait pas ce qu’est One Life All In, ce serait lequel ?

Clem : Je pense que ce serait 83rd dream, la reprise de The Cult. Je pense qu’elle reprend tout l’esprit du groupe. Une intro assez épurée, puis une partie un peu plus mélodique, une autre assez rentre dedans, et une fin assez metal, à la Lamb Of God. Oui, c’est un morceau qui reprend tout ce qu’on aime.

 

Metal-Eyes : Pour terminer : quelle pourrait être la devise de One Life All In, sans parler de confinement, Bien sûr !

Clem : Il y a une chose qu’on se dit souvent avec Franck : « on continue la mission ». On va continuer, l’album qui est en préparation, alors on continue et on se fait plaisir.

 

Metal-Eyes : As-tu une dernière chose à ajouter ?

Clem : Oui, je voudrai en profiter pour vous remercier, vous, webzines, de partager cette passion, en rédigeant des chroniques, en faisant des interviews. En relayant l’information et en faisant vivre la musique. Je pense aussi, surtout en ce moment, aux magazines qui vivent des moments difficiles et qu’il faut soutenir, surtout en ce moment, comme les organisateurs de concerts… C’est important aussi de se déplacer à un concert, local ou pas, c’est ce qui fait vivre la scène, toute la scène. D’acheter des CD, des T Shirts, c’est aussi ça qui fait vivre les groupes.