HEAVY WEEK END: report du dimanche 8 juin 2025

@Heavy Week End 2025

Par sa programmation, cette troisième journée s’annonce quelque peu plus brutale que les deux précédentes. Mais la météo reste quelque peu incertaine… La matinée est d’ailleurs assez pluvieuse gâchant, malheureusement, les visites locales que nous avions prévues (le château d’Haroué et la reconstitution historique dans le village de Tantonville), mais pour le coup, on a prévu ce qu’il fallait: des épaisseurs à rajouter si la chaleur estivale décide de rester absente!

Nous n’avons pas besoin d’arriver sur le site pour comprendre que le public a répondu présent en ce dimanche. Une longue file de voitures s’étend bien avant d’arriver au Zénith, avançant tranquillement et dans le calme jusqu’à être orientée par les bénévoles présents. Une fois garés, nous voyons une autre longue file, de spectateurs cette fois, s’étirer en arc de cercle sur la totalité du parking PMR/médias alors qu’il n’est encore que 16h. Le public arrive par grappes entières, prenant place dans ce serpent qui louvoie joyeusement. Félicitons ici l’organisation car la foule avance rapidement et n’attend guère – une vingtaine de minutes tout au plus, contrôles de sécurités inclus – avant de pouvoir entrer sur le site.

La fosse et les gradins sont plus que bien fournis – on parle là de plus de 16.000 préventes pour ce dimanche – spectateurs qui, dans un esprit bon enfant, vont et viennent tout au long de la soirée, navigant de la scène aux bars dans un joyeux désordre paradoxalement très organisé. Une marée humaine joyeuse et joviale, déguisée pour nombre de festivaliers à l’image de la tête d’affiche du jour. On ne peut s’y méprendre, Slipknot est dans la place… Sur ce seul nom, le Heavy Week End a réussi son pari, car avant le premier groupe, on retrouve cette ambiance festive de gens heureux de vivre typique d’un festival. Oui, la journée promet d’être belle, d’autant plus que les nuages décident enfin de céder la place au soleil. Pas à la chaleur, mais au soleil. c’est déjà ça!

Du côté médias, on sent aussi une plus grande affluence, notamment du côté des photographes dont le nombre a augmenté d’un bon quart, passant de 30 les deux premiers jours à une bonne quarantaine. Si certains espéraient pouvoir simplement shooter Slipknot – et passer outre le reste du festival – il en seront pour leur frais, la tête d’affiche ayant fait le choix de strictement limiter le nombre de photographes témoins de sa prestation. Ce ne seront finalement qu’une petite demi-douzaine de médias qui seront sélectionnés. Tant pis, nous profiterons ainsi de la totalité du concert en famille.

Nothing More @Heavy Week End 2025

Une intro country résonne, annonçant l’arrivée des Texans de Nothing More. Quand bien même le groupe formé en 2003 a-t-il une bonne demi douzaine d’albums à son compteur, je n’ai rien entendu ou lu d’autre que le nom du groupe. C’est donc une découverte pour moi, et, même si le neo metal/metal n’est pas mon truc, on ne peut que saluer l’énergie développée par le chanteur Jonny Hawkins, torse nu, pectoraux et abdos seulement voilés par le maquillage noir et or qui orne partiellement son corps. Son chant est varié, se faisant aussi brutal et rageur qu’il peut être modulé, doux ou encore haut perché.

Nothing More @Heavy Week End 2025

La foule en prend plein les yeux et commence à slammer. La sécu est à pied d’oeuvre et le sait, l’un des agents me glissant à l’oreille que « ça y est, c’est parti… on va bosser aujourd’hui! » Si une bonne partie du public n’a d’yeux que pour le chanteur, les autres musiciens – bien couverts, quant à eux – grimpent sur les plateformes, allant chercher le public autant que possible. Pas un centimètre carré de la scène n’est laissé sans piétinement, et face à une foule au moins aussi importante que la veille, un parterre et des gradins plus que correctement remplis, Nothing More marque ici nombre d’esprits.

Nothing More @Heavy Week End 2025

Le groupe termine son set, principalement axé sur son dernier album, Carnal, de 2024, en descendant dans la fosse. Jonny s’empare de 2 toms de batterie que les premiers rangs portent tandis qu’ils frappe les peaux entourées de mains levées. Un premier set simplement explosif et prometteur.

Nothing More @Heavy Week End 2025
Rise Of The North Star @Heavy Week End 2025

La scène est installée, avec un gigantesque backdrop et un kit de batterie ornée d’un cerisier du Japon. Le public s’impatiente et… doit patienter encore un peu, un problème technique faisant craquer et crisser les amplis. Le temps de trouver le problème, de le réparer, voici les mangaka de Rise Of The North Star qui déboulent tranquillement pour prendre aussi rapidement que possible le public à la gorge.

Rise Of The North Star @Heavy Week End 2025

Qui a déjà vu ROTHS live le sait: Vithia, son chanteur, casquette vissée sur la tête, et ses deux compères guitaristes (Air One Menez et Evangelion B Gauthier) ne laissent aucune place au répit. Qu’on aime ou pas le style du groupe, une fusion brutalement furieuse de metal rugueux et de hip-hop énervé, on ne peut que reconnaitre que ça tabasse sévèrement.

Rise Of The North Star @Heavy Week End 2025

Le public se fait entendre et joue le rôle de sixième membre du groupe tant il soutient, s’agite et slame à l’envi. Quelle ambiance de feu! Vithia harangue la foule sans relâche, sa gestuelle rapée et sa rage vocale faisant mouche, d’autant plus lorsqu’il fait au public ce petit cadeau toujours apprécié, en l’occurrence Neo Paris, morceau titre du nouvel album éponyme, interprété ici pour la première fois en live. Une bonne dizaine de morceaux auront en une petite heure fait monter la température corporelle d’un bon cran. Une prestation explosive, ni plus ni moins.

Rise Of The North Star @Heavy Week End 2025
Mass Hysteria @Heavy Week End 2025

Un M et un H de chaque côté de la batterie, une foule qui se masse dans la fosse, un appel lancé dans la sono demandant si « les furieux, les furieuses, êtes-vous prêts pour Mass Hysteria? », et la folie s’empare du public. L’orga a prévenu es photographes, il va y avoir encore de la pyro, « alors restez bien derrière cette ligne sur le troisième titre, la sécu vous le rappellera ». Oui, mais la sécu, justement, en rajoute une petite couche (« approchez vous de la scène, on va vraiment avoir besoin de place« ). Tout se passera de manière finalement, naturellement organisée.

Mass Hysteria @Heavy Week End 2025

La fureur de Mass veritas, premier extrait de son dernier album en date (si l’on considère les deux parties de Tenace comme un seul album) voit, déjà, une nuée de slammers surfer sur cette foule immense. Mouss annonce rapidement l’incontournable Positif à bloc et l’on sent déjà l’ensemble des musiciens, Yann, Fred, Jamie et Rapha, très chauds et très en forme. La frappe de Rapha est magistrale et impressionnante, et, désormais parfaitement intégré à Mass Hysteria, Jamie ne rate pas une occasion de s’adresser à la foule, l’incitant à s’exprimer comme elle le souhaite.

Mass Hysteria @Heavy Week End 2025

Mouss annonce que le groupe fête cette année son trentième anniversaire. Il n’en faut pas plus pour que les premiers rangs entonnent un « joyeux anniversaire » repris en chœur par toute la fosse et va même jusqu’à impressionner les musiciens, émus, Jamie s’emparant de sa caméra pour immortaliser l’instant. Puis arrive Chien de la casse, et le public se voit incité par le vocaliste à se lancer dans des circles pits et répétant ses « Tournez, tournez en rond » (il faudra un jour que Mouss apprenne que « tourner », c’est forcément en rond…).

Mass Hysteria @Heavy Week End 2025

Il faudra aussi qu’il nous explique sa logique, celle d’avant L’inversion des pôles où il explique au furieux et aux furieuses que « on va parler de complot. Qui dit complot, dit apéro, qui dit apéro dit (…)« . Pas tout compris mais le public ne le rate pas dès qu’il s’empare d’une bière en hurlant « cul sec, cul sec » ce que le chanteur fait rajoutant même « comme ça, maintenant, on boit au travail ?« . Il se re-prêtera à l’exercice un peu plus tard pour le plus grand bonheur de tous.

Mass Hysteria @Heavy Week End 2025

De tous, même d’un Yann qui vient lui chuchoter que c’est sans doute jusque là le meilleur concert de la tournée. Un mouss aussi qui annonce avoir « une érection pileuse » rajoutant « pour les enfants, une érection c’est…ah! demandez à vos parents ». La set list est parfaite, Nerf de boeuf, Se brûler sûrement (« toute la fosse saute! » lance Mouss), Arômes complexes, Reprendre mes esprits, tout y passe, et le public continue de faire monter pression et température. On a même droit ici, comme au Hellfest, à un fauteuil roulant porté par une nuée de bras.

Mass Hysteria @Heavy Week End 2025

Incontournable hymne désormais systématiquement joué à la mémoire des victimes des attaques terroristes de 2015, L’enfer des dieux est repris en chœur par la foule et est, judicieusement, suivi d’un Tenace explicite. Puis après Contradiction, Jamie annonce le dernier morceau et demande un nouveau wall of death. Le public s’exécute avec plaisir et Mass termine de l’achever avec Plus que du metal. Achever? Non, the best is sans doute yet to come… Ce soir, toutefois, Mass Hysteria a donné un de ses concerts les plus explosifs qu’il m’ait été donné de les voir jouer. La journée est montée en puissance et en pression et Mass a brillamment enfoncé le clou. Pas étonnant que MH soit aujourd’hui l’une des formations phares du metal français, toutes catégoreis confondues. Une énergie brute jamais mise en défaut doublée d’une réel et visible plaisir de jouer. Mass Hysteria a tout bonnement retourné le Zénith de Nancy. Superbe concert!

Mass Hysteria @Heavy Week End 2025

Pas de rideau pour cacher la scène, les techniciens de Slipknot s’affairent face au public, installant le décor, sobre, et les deux set de percussion. Le public s’impatiente, attendant ce moment libérateur. Les 16.000 fans présents savent qu’ils vont vivre un moment d’exception. non seulement parce qu’un concert de Slipknot est toujours du grand spectacle, mais aussi parce que cette date en clôture du Heavy Week End est la seule date française de la tournée.

Il est 22h pétantes quand des lumières rouges balayent la scène sur fond de générique de la série K-2000. Une intro un peu longue suivie d’une interminable répétition de « time is generous » avant de voir, enfin, près de 10′ plus tard, les psychopathes masqués débouler sur scène. La guerre est déclarée et les Américains ne feront aucun cadeau au public tout au long des 90′ qui suivent, dotées d’un light show aussi puissant et intense que l’ambiance de ce soir.

Démarrant avec (sic), Slipknot surprend très tôt avec l’incontournable People=shit repris en chœur et avec force par un public déjà déchainé qui saute, hurle et slamme plus fort encore. Corey Taylor est très en voix et il s’adresse souvent et avec bienveillance au public, annonçant que « visiblement, il manque quelqu’un… Clown n’a pas pu être présent, il a dû rester à la maison pour s’occuper de sa famille » Son kit de percussions est en effet vide, utilisé par le petit diable incontrôlable, #3. Mais on ne peut que se poser des questions, Clown étant déjà absent, pour les mêmes raisons à Clisson en 2023…

Il n’empêche, la fureur de Slipknot se traduit par des morceaux ultra efficaces, mélangeant cette brutalité crasse à des passages à chanter en choeur, et le public se fait bien entendre. Psychosocial, The devil in I, un solo de claviers/DJ set qui transforme la fosse en dance floor techno, wall of death… Il y en a pour tout le monde.

Corey Taylor évoque ses souvenirs, rappelant que « Slipknot est venu pour la première fois en France il y a 26 ans et que depuis, à chaque fois, c’est une expérience qui a changé notre vie« . En faut-il plus pour enflammer encore plus le public ? Non, et Slipknot achève ce dernier avec Spit it out, Surfacing et Scissors au cours d’un rappel énorme. Si Mass Hysteria a retourné le Zénith, Slipknot a tout remis en place ! Un concert exceptionnel qui vient clore une journée simplement dantesque.

GDP l’a bien senti, d’ailleurs, puisque les écrans diffusent les dates de la prochaine édition. Celle-ci se tiendra en ce même Zénith de Nancy le premier week-end de juin, soit du 5 au 7 juin 2026. « Petit » festival deviendra grand. Nous serons là, quelle que soit l’affiche!

Le bilan? Si cette seconde édition a eu du mal à se lancer, si l’affiche a mis du temps, trop de temps, à être dévoilée, si la fréquentation est stable par rapport à 2024 (La Charente Libre annonçait un total de 35.000 personnes sur les trois jours), ce Heavy Week End 2025 fut une totale réussite tant d’un point de vue artistique qu’organisationnel. Si des points WC ont été multipliés, on ne peut que constater un réel manque de cabines le dimanche, soit la journée la plus chargée. Egalement, il sera nécessaire de penser à des points d’eau en nombre car même si ce week end fut frais, voire froid, ce ne sera pas toujours le cas début juin. D’autan plus que Nancy étant dans une cuvette, quand il fait chaud, il n’y a pas de vent! Enfin, sans doute surtout, GDP pourrait, comme on le voit ailleurs, organiser des rondes de bénévoles afin de distribuer aux enfants des bouchons d’oreilles. Combien de gamins ai-je vus sans aucune protection auditives? On ne connait que trop bien les dangers d’une longue exposition au bruit pour ne pas avoir conscience des risques que l’on fait subir aux plus jeunes…

Merci à toute l’équipe de GDP (Matthieu Drouot, Nicolas le Bouedec, Oona Rudowski, Anne-Lyse Rieu), à Olivier Garnier, à la sécurité et à tous les bénévoles d’avoir rendu ce week end possible et plus que mémorable.

Interview : TRANK

Interview TRANK. Entretien le 30 mai 2025 avec Michel André Jouveaux (chant)

Après une première rencontre avec le quatuor au complet pour parler de la sortie de The ropes, le premier album de Trank, puis un entretien avec Johann, leur batteur, fin 2021pour échanger au sujet de la version deluxe dudit album, c’est aujourd’hui avec Michel, l’intarrissable chanteur, que nous parlons (entres autres sujets) du second album, The maze, et de sa sortie en version vinyle. Il en a des choses à raconter!

The ropes remonte à fin 2020. Depuis, The maze est sorti fin 2024 ; quels retours en avez-vous eus ?

Les chroniques ont été très flatteuses jusqu’ici, toutes… Après, j’imagine qu’il y a des gens qui ont écouté cet album, l’ont trouvé tellement nul qu’ils n’ont pas voulu écrire à son sujet, mais on a eu des chroniques extraordinaires, et les chansons de l’album passent très bien sur scène, ce qui est un bon test pour nous. On passe beaucoup de temps à les peaufiner en studio – on est légèrement maniaques du son, de la production, on veut sortir des chansons dont on pense qu’elles sont les meilleures possible. Mais le but, c’est de les jouer sur scène. Les chroniques et l’accueil des chansons sur scène sont incroyablement positifs.

Si on se parle aujourd’hui, c’est parce que vous sortez maintenant une version vinyle de cet album. Déjà, pour The ropes, vous aviez sorti quelques mois plus tard, une version double de l’album avec un second CD de vos titres réarrangés par d’autres. Y a-t-il, avec cet album, des choses particulières ou doit-on arrêter maintenant cette interview ?

(Il explose de rire) C’est un vrai rêve de gosses pour nous ! Deux d’entre-nous sommes très fans du format vinyle… On aurait déjà voulu le faire pour The ropes, mais c’était un peu compliqué pour plein de raisons, pour la supervision… The ropes, c’est un album de 52’, qui est une durée batarde. Si on met plus de 44, 45’ sur un vinyle, la qualité du son s’en ressent vraiment. Au-delà de 50’, la dynamique est bâclée, le volume général est assez bas…

Et c’est trop court pour faire un double…

Voilà, et faire un double, ça coute deux fois plus cher. Ou alors, il fallait qu’on retire une chanson ou deux mais c’est comme te demander lequel de tes enfants tu veux mettre sur EBay ! A l’époque, on avait discuté et la sortie du vinyle n’était pas une priorité. Il y a beaucoup d’artistes, d’ingé sons… qui sont venus nous voir en nous disant qu’ils voudraient bien remixer tel ou tel morceau, en faire autre chose, de l’électro, de l’indus. On a priorisé ça et on a laissé tomber le vinyle, ce qui pour moi était un crève-cœur, mais il faut faire des choix. Du coup, quand on a attaqué ce nouvel album, je leur ai dit : « Ok, les mecs, mais on fait 44’ maximum ! Comme ça, on pourra faire le vinyle ! » (rires) Ça a entrainé un processus de sélection d’autant plus brutal pour savoir quels titres se retrouveraient sur l’album mais ça nous a permis de le sortir en vinyle. On en est très contents, d’autant plus qu’on a été très bien entourés pour la sortie de cet album, en particulier par Andy Van deck qui a fait le mastering. Il travaille à New York, il est très réputé en matière de mastering – il s’occupait notamment de celui de Porcupine Tree avant que ce soit Steven Wilson qu’i s’en occupe lui-même. Il est aussi réputé pour la qualité de ses mastering pour des albums vinyles, et quand il a masterisé l’album, il l’a fait en plusieurs versions : une version CD, une version plus haut débit pour le numérique, et une version pour le vinyle. La raison pour laquelle le vinyle sort un peu plus tard que le CD, c’est qu’on voulait aussi qu’il soit pressé dans une usine où on avait une garantie de qualité sur le résultat final. Les usines capables de très bien presser, il n’y en a que deux en Europe. Elles ont des listes d’attente assez longues, mais on espère que quand les gens vont écouter l’album, ils se diront que ça valait vraiment le coup d’attendre.

Encore faut-il avoir le matériel pour écouter le vinyle dans de bonnes conditions…              

C’est vrai, il vaut mieux avoir une bonne platine… L’intérêt du vinyle, il est là, sans passer par une numérisation du son qui ruine tout. Brancher un vinyle sur une enceinte connectée, non, ça marche pas, c’est un peu comme mettre un moteur de deux chevaux dans une Ferrari…

On n’avait pas eu l’occasion de discuter à la sortie de The maze, alors comment décrirais-tu la musique de Trank à quelqu’un qui ne vous connais pas encore ?

Oh, c’est la question la plus difficile… On a déjà du mal à la décrire nous-mêmes…

Je me rappelle que dans votre communiqué de presse de The ropes, vous aviez mentionné le fait que Deep Purple disait que s’ils se formait aujourd’hui, ils sonneraient comme Trank…

C’est vrai, ils avaient dit ça, c’est extraordinairement flatteur. Après… Je ne suis pas trop certain de savoir ce qu’ils voulaient dire par là (rires), mais ça nous a fait très plaisir. Du coup, ça nous a aussi mis la pression parce que dans le même communiqué, ils disaient à leur public de venir à l’heure, « on les a choisis, ils sont bien ». Donc, on s’est pointés, et là où d’habitude, en tant que première partie, tu commence à jouer avec une salle à moitié vide qui se remplit quand tu joues, on est monté sur scène à la Riga Arena, et la salle était blindée avec 16.000 personnes ! Des gens qui étaient là, les bras croisés, genre « vas-y, montre-moi ce que tu fais, on est venus pour ça… » Heureusement, ça s’est bien passé mais ils nous avaient bien mis la pression quand même (rires).

Revenons à ma question : comment tu décrirais la musique de Trank ?

La plaisanterie qu’on faisait au début, c’est de dire que c’est un peu comme si Soundgarden et Depeche Mode faisaient un bébé. Mais c’est un peu ça, il y a une base hard rock assez typée 90’s qu’on trouve dans la plupart des morceaux, avec une colonne vertébrale axée sur un gros riff, et des choses plus proche du rock alternatif, façon Muse des grandes années. Il y a cette base qui se mélange avec une influence post punk. Je suis le plus grand fan de Depeche Mode parmi les gens que je connais, et, forcément, ça s’entend, dans la façon d’utiliser l’électronique, par exemple. Là où les deux références se retrouvent, c’est dans ce qu’on trouve intéressant chez eux, cette capacité à composer de la musique avec une certaine noirceur et un côté très accrocheur et entrainant qui fait que tu rentre dedans immédiatement. Et ça, ça nous parle. A l’époque de The ropes, un chroniqueur avait commencé sa chronique en écrivant « gros son et émotions fortes », et ça nous va complètement. On ne fait pas de la musique extrême, avec du bruit non stop et des hurlements continus, on aime l’idée de susciter de l’émotion chez les gens. Le travail sur le son aussi est important. Mélanger des parties de guitares qui alternent entre une forme de puissance et une richesse de textures, d’ampleur d’atmosphère, avec de l’électronique va amplifier le côté « cinématographique » de la musique. Le fait d’avoir une rythmique basse batterie apporte aussi cette puissance et ces nuances. Johann, notre batteur, c’est le fan ultime de Toto, et a priori, tu ne va pas trouver cette référence chez la plupart des batteurs de metal ou de hard rock, souvent plus dans un style « tape-dur ». Cette étiquette de « gros son émotions fortes », ça nous va bien. Quand tu lis les chroniques de l’album, on cite un nombre de références incroyable. Certains ont parlé de A Perfect Circle, Nine Inch Nails, Disturbed, dont on avait aussi fait la première partie… Tout un tas de noms très flatteur, et ce que tous ces noms ont en commun, c’est une certaine façon de combiner une énergie intense avec une mélodie tout de suite accrocheuse. L’identité de Trank, c’est un peu ça.

On est d’accord que Trank ne se contente pas d’un style et puise dans de nombreuses références (il acquiesce). Si tu devais ne retenir qu’un seul titre de The maze pour définir ce que Trank est aujourd’hui, ce serait lequel ?

C’est une très bonne question ! Comme ça, au débotté, je te dirais Miracle cure qui est une chanson qui résume pas mal la personnalité du groupe. Pour moi, c’est peut-être celle qui nous résume le mieux, d’abord parce qu’elle a ce côté accrocheur et sombre, elle est sur un mid tempo assez lourd et elle mélange des moments de très forte intensité au niveau guitare et voix – on se rapproche du metal, souvent – avec des moments qui relèvent beaucoup plus d’une forme d’électro planante. Et puis, il y a un passage inattendu, qui marche très bien sur scène, c’est quasiment du rap. C’est plus de la parole rythmée que du chant. Le résultat donne quelque chose de très cohérent et qui, pour nous, sonne comme un mini film de 4 ou 5’. Il résume assez bien tous les contraste qu’on peut trouver dans notre musique.

Je reviens sur ce mot de « contrastes ». C’est quelque chose qu’on retrouve sur les deux versions de votre premier album (l’original est blanc, la seconde édition rouge et noire) que sur The maze avec ce labyrinthe sombre traversé par ce couloir de lumière.

La notion de contraste et de paradoxe dans la musique et dans l’image est très intéressante pour nous. J’aime beaucoup l’idée d’écrire des chansons qui vont traiter de sujets par définition assez lourds, mais de chercher transformer ce matériau en quelque chose qui permette d’établir une connexion avec les gens. Il y a un côté « alchimie » dans la musique que j’aime beaucoup. Même si on n’est pas tous angoissé au même niveau dans le groupe, àA un moment ou un autre, tu vas forcément plonger au tréfonds de ton estomac, ressortir une espèce de nappe de goudron a=et toutes les saloperies – la peur, la colère, l’angoisse, l’anxiété – et tu en ressors quelque chose de particulier, surtout dans le chant. Je me trouve très privilégié dans la mesure où je peux faire ça. Tu transformes, tu transmutes tes propres angoisses en quelque chose de positif, et c’est quelque chose que les gens ressentent, ce qui crée une connexion entre eux et toi. Ce contraste est au centre de tout. De manière générale, dans le contraste on trouve les nuances. On aurait tous 22 ans, on ferait la musique qui correspond à l’âge, on serait peut-être plus monolithique, monocorde ou monocouche. On est tous passés par là, et on recherche maintenant cette notion de contraste. Oui, elle est au cœur de tout ce qu’on fait.

On sait aujourd’hui qu’un groupe de rock, qui plus est français, ne vit pas, ou très difficilement de sa musique. Quelles sont vos métiers autres ?

On a des métiers très variés : David, qui est un gros costaud, fait de la sécurité privée, Johann fait du marketing dans une grosse société, ce qui était aussi mon cas jusqu’à il y a une dizaine d’’années, maintenant je suis indépendant, consultant en stratégie le jour et musicien la nuit, et j’ai aussi une boite de musique de pubs, ce qui fait que j’ai trois métiers ! Pas toujours facile à gérer… Emma, notre manageuse, travaille pour une concession automobile à Genève. Arnaud est informaticien et Nico est financier. On a tous des métiers, et des familles, et on considère Trank comme un métier… qui nous coûte de l’argent et qui est financé avec nos autres métiers ! On fait Trank par passion. La dernière chose qu’on veut entendre c’est « si voulez que ça se vende, que votre clip soit diffusé, il faut faire ci et ça ». on a la chance de pouvoir faire les choses comme on le veut sans avoir à se demander si ça va se vendre ou pas.

On en a vu des artistes qui se sont fourvoyés parce que leur management ou label leur disait quoi faire et le public n’a pas répondu présent… Trank c’est un groupe de rock. Le rock, c’est aussi la scène. A quoi faut-il s’attendre avec Trank en concert ? Va-t-on pouvoir vous voir un peu partout en France ?

Oui… On aime beaucoup jouer dans les festivals, on vient d’en enchainer trois d’affilée, et il y en a quelques-uns qui arrivent cet été. On y croise des gens qui sont exactement comme nous, des mordus qui font ça par passion, pas pour s’enrichir. On se retrouve à jouer pour des gens très demandeurs de musique. On aime beaucoup jouer dans ce contexte-là aussi parce que les gens qui organisent ces trucs deviennent rapidement des potes. On a le même virus, et ça crée des liens.

Mais en dehors des festivals, vous allez visiter les villes de France ? Il y a des gens qui se déplacent aussi en clubs…

Alors laisse-moi dire ceci : appel aux bookers et aux tourneurs ! Nous, on va là où on nous demande, la seule contrainte, c’est que maintenant, on est 6 sur scène. L’album, on l’a fait à trois, puisqu’on a eu un gros changement de line-up puisque Julien (guitare), avec qui j’avais cofondé le groupe a décidé de se consacrer à sa vie perso, le rythme de Trank n’était plus compatible avec sa vie. Il a participé à trois chansons sur l’album, mais on l’a fini sans lui. Mais maintenant, sur scène, on est six : Emma, notre manageuse, joue des claviers et s’occupe des samples, Arnaud, notre nouveau bassiste qui nous a été recommandé et qui partage à la fois notre éthique de travail, notre niveau d’exigence et notre sens de l’humour de débiles… et on a un second guitariste, Nico, qui était avec moi dans un groupe de reprise. On voulait un son plus étoffé sur scène, ce qui implique d’avoir deux guitares. Lui et David se répartissent les guitares, on n’a pas de lead ou de soliste, chacun joue en fonction de ce qui lui correspond le mieux. Donc on est six, et la logistique est forcément plus compliquée. Et on met un point d’honneur à essayer de répondre positivement à toutes les demandes, mais ce n’est pas toujours possible… Après, à quoi s’attendre ? Sur scène, la formule est proche de ce que tu trouves sur album, l’esprit musical ne change pas. Si sur album l’équilibre entre noirceur et lumière est de 60/40, sur scène, c’est l’inverse, l’intensité est là mais on communique beaucoup avec le public, on fait beaucoup participer les gens.

On parle de contraste, mais il y a aussi un point commun à vos deux albums qui entraine une question sur le prochain : ils commencent par l’article « The » (il rit). Le prochain va aussi commencer ainsi ?

C’est vrai ! Je ne sais pas… J’ai plaisanté l’autre jour en disant que le prochain s’appellera The end, comme ça il y aura « The » dedans et on aura encore une lettre en moins – cinq, quatre puis trois ! En fait, le titre de chaque album est venu du lien thématique qui unit la presque totalité des chansons. Un lien pas intentionnel, à la base. C’est moi qui écris les paroles, et je les écris à la fin. On travail un instrumental ensemble, que je laisse, comme en cuisine, « je réserve », quelques semaines ou jusqu’à 5 ans… A un moment, je ressors le morceau et je cherche dans mon bloc note l’idée qui pourrait coller, sur la rythmique ou autre. A partir de là, le texte et la mélodie vocale s’écrivent autour de ce thème. Pour les deux albums, au bout de cinq ou six chansons écrites, je me suis rendu compte qu’elles étaient liées par un thème commun. Dans The maze, c’est la quête de l’identité. C’est un thème qu’on retrouve partout, il y a une obsession identitaire, tant dans les discours de la gauche que de la droite, d’ailleurs, qui n’a jamais été aussi forte et, paradoxalement, il n’a jamais été aussi difficile de trouver sa propre identité et de l’affirmer. On reçoit tellement d’injonctions contradictoires qu’on ne sait plus où aller… on vit une époque où les gens doivent, ils ne sont pas encourager, ils sont forcés de se définir non pas en fonction de ce qu’ils font ou accomplissent, ce qu’ils créent, mais en fonction de qui ils sont, que ce soit une origine ethnique, réelle ou supposée, une appartenance religieuse, réelle ou supposée, un propos qui suffit à les définir « entièrement » et à les réduire dans l’esprit de gens qui sont les premiers à les juger et les condamner… Tu dois naviguer en permanence dans cette espèce de tir de barrage d’injonctions contradictoires sans vraiment jamais savoir ce qui va passer ou pas dans l’affirmation de ton identité. En plus de la pression naturelle imposée aux enfants et aux ados… The maze, c’est ça, ce labyrinthe intérieur et extérieur dans lequel on se trouve aujourd’hui avant de pouvoir répondre à cette question fondamentale : « qui suis-je ? » Elle est beaucoup plus complexe que cette vision simpliste, manichéenne, binaire – le mot qui tue ! – on met les gens dans des cases d’une manière simpliste, c’est effarant !

Quelle pourrait aujourd’hui être la devise de Trank ?

C’est une question, un exercice que j’aime bien qui m’évoque Depeche Mode qui, à une certaine époque prenait une phrase tirée de son contexte, issue d’une chanson et qui était imprimée en bas de la pochette et qui résumait un peu l’album… une devise pour Trank ? Il y en a plein de possible, celle qui me vient à l’esprit tournerait autour de – allez, je vais faire le vieux con – je vais citer Yoda : « fait ou ne fait pas ». On est très jusqu’au-boutistes dans le groupe, on est très exigeant sur notre façon de faire les choses. Être passionné c’est en soi une bonne chose. On vit dans un monde où il y a une sorte de fénéantise, d’apathie, un monde post téléréalité qui depuis 20 ans te montre que le meilleur truc à faire c’est de reste assis en espérant qu’une équipe de télé débarque pour démontrer à quel point tu es extraordinaire ! Pour nous, nous sommes tous des passionnés, l’idée c’est de faire ce que tu fais à fond.

As-tu quelque chose à rajouter avant de terminer ?

Oui, on parlait de la sortie de l’album en vinyle. S’il y a des gens intéressés, le meilleur moyen de se le procurer, c’est d’aller directement sur le site trankmusic.com. Je crois qu’il reste aussi quelques copies du premier album, plus beaucoup, mais il en reste. On parlait de passion il y a deux minutes, et je crois que, ce qu’i y a de plus gratifiant pour nous, en studio ou sur scène, c’est qu’on rencontre des gens aussi mordus que nous. La musique n’est plus le phénomène de masse culturel que c’était quand on était gosses, et ça fait d’autant plus plaisir de connecter avec des gens qui écoutent notre musique. C’est une des choses les plus incroyables et on a vraiment le privilège de faire ce qu’on fait !

PRAETOR: The spiral of addiction

France/Luxembourg, Thrash (Metal East, 2025)

En 2023, Praetor avait frappé très fort avec son premier album auto nommé. Un thrash furieux du genre qui fait mouche. Alors la sortie de The spiral of addiction est forcément source d’impatience. Dès le morceau titre, après une intro douce et rassurante, le quatuor rentre dans le vif du sujet. Le ton rageur de Hugo Centeno (chant et guitare) est parfaitement soutenu par la furie, déjà remarquée, de sa co-six cordiste Noémie Bourgois qui sait ce que lier vélocité et précision signifie. Ca speede avec une remarquable efficacité. Et quand Praetor décide – enfin? – d’appuyer sur l’accélérateur, ça donne Carefully selected, aussi épuisant de vitesse et de brutalité qu’apaisant dans ses breaks lourds au tempo ralenti – cette rythmique déterminée concoctée par le batteur Alex Guignard et le bassiste Sébastien Gouttes, simplement impeccable! Les grands anciens ne sont certes jamais loin (cette intro à la Slayer sur People pleaser qui s’enfonce dans l’univers de Testament et de Death Angel) et, pour autant, les franco-luxembourgeois posent leur propre identité sonore. Titre après titre, Praetor donne cette furieuse envie de headbanger et de pogoter, même sur le plus « lent » Wicked tongue, un semblant de respiration judicieusement placé à mi-parcours. Explosif de bout en bout, brutal et sans concession, The spiral of addiction pourrait sans doute concourir pour la claque thrash de cette première moitié de 2025. En tout cas, se faire une jolie place sur le podium. A suivre de très près.

DOORSHAN: +side

France, Metal indus/électro (M&O, 2025)

Un peu de folie electro metal made in chez nous, on y est désormais habitués. Les groupes ne manquent en effet pas, de Herrschaft à Shaârghot et d’autres encore. Doorshan tape pile dans cette catégorie, un discours féministe en plus, un visuel décalé car plus sobre en moins. Bien que défenseur du Girl power, le groupe est composé de trois gars et une fille. Mais c’est elle qu’on entend le plus! Les 7 morceaux de ce +Side (un titre qui aurait besoin de quelques explications, tout comme la pochette, d’ailleurs!) taillent dans le gras sur fond de metal puissant grandement teinté d’électro. Si on ne comprend pas toujours les paroles en anglais de Burnie (également aux keys), le mix avec la langue de Molière proposé par le chant de Sebb est efficace. Doorshan joue sur le terrain des 6:33, Wargasm ou autre Nova Twins, c’est évident. Et il est impossible de ne pas se dandiner, au bas mot, sur les Dans mes ears, Crack, Lights in the dark ou, titre que ne peut qu’approuver Steel Panther (ok, humour scabreux, je sors…) More women on stage. Doorshan signe, avec ce +side, une très encourageante carte de visite qui donne envie d’en entendre plus. A suivre.

MAINKIND: Fool’s game

Hard rock, France (Autoproduction, 2025)

Ca fait un petit bout de temps qu’ils trainent, Mainkind. Amoureux du bon gros son hard rock vintage, celui toujours mélodique des 80’s avec ces riffs entêtants et ses airs à chanter en voiture, celui simple et, parfois, quelque peu maladroit, le groupe formé par le batteur Tony Treynel et le chanteur Terry Grumiaux est en effet loin d’être néophyte en matière de rock. « Titi » s’était fait remarquer notamment avec Factor Hate et son show digne d’un Alice Cooper débutant, tandis que Tony a donné la mesure à différents projets dont, si je ne me trompe pas, une des dernières incarnations de Dygitals. Pas étonnant, Hervé, le chanteur de ces derniers n’étant autre que le frangin du batteur. On n’est donc pas non plus surpris d’entendre Hervé donner de la voix sur un bon nombre de titres – il est même chanteur lead sur Paradise. Musicalement, on repart quelques décennies en arrière, avec un certain bonheur. Après une intro de casino, on entre dans le vif du sujet avec un Feelin’ free enjoué. On retrouve le son et l’envie des guitares d’alors (ici tenues par Vince Lawry et Bucky Tannen – un clin d’œil à la famille de roublards et molosses de Retour vers le futur?) et de la partie rythmique (la basse de Nicko Kalifornia, bonjour aussi les pseudos !) qui parfois explorent les univers de l’ouest américain (la ballade I am a man) ainsi que l’esprit du rock US qui fait mouche (cette intro à la batterie sur Right here, right now est digne d’un Alex Van Halen). Toujours rock, parfois heavy (Hang on suzy), ou simplement speedé (Take down easy, Hot girl, bad boy). Les thèmes abordés sont classiques – l’amour, la vie, le rock – et sans surprise. Loin d’être nostalgique, Fool’s game nous replonge sans équivoque dans un lointain passé, avec une envie réelle doublé de ces charmantes maladresses (dont un chant joliment éraillé mais parfois un peu poussif, et certainement sous produit). Mainkind ne réinvente rien, bien au contraire, mais, et c’est là le principal, se fait plaisir de bout en bout et, surtout, a tous les atouts pour faire s’agiter les foules en concert, véritable lieu d’expression de ce genre musical.

Interview: STRATAGEME

Interview STRATAGEME. Entretien le 5 avril 2025 avec Butcho (chant) et Gérard (basse)

Stratagème 2025

Butcho, tu es le « petit nouveau du groupe » puisque tu es le dernier arrivé. Qu’est-ce qui t’a amené à intégrer Stratagème ?

B : C’est eux qui m’ont contacté. Je n’avais plus de groupe, et je connaissais Stratagème de nom, mais je n’avais pas vraiment écouté ce qu’ils font. Je me suis un peu penché sur leur discographie et j’ai trouvé ça vraiment super. Je ne comprends pas comment j’ai pu passer à côté… Super solos de guitares, super mélodies… Je me suis dit « waow, je veux faire partie de ce groupe ! »

Stratagème a été formé en 1970, a une courte discographie, seulement trois albums dont le premier est sorti en 2013…

G : C’est ça, mais ce n’est pas tout à fait exact. Le groupe est né en 1970 mais pendant plusieurs années, on avait un chanteur de folk/variété. Au départ, j’étais chanteur de Stratagème, pas bassiste. On était deux chanteurs : il y avait Robert Belmonte, le chanteur d’Océan, et moi. Au bout d’un an, Robert a souhaité faire une autre carrière qu’avec Stratagème. Moi, j’ai rencontré une personne, Patrick Abrial, en 1975…

Un lien avec Thibault ?

G : Voilà. Avec lui, on a fait deux albums : Abrial Stratagème group, chez Sonopress, et un second, au château d’Hérouville, en 1979. Il y a eu un troisième album, avec Thibault Abrial à la guitare avant qu’il ne joue pour Halliday.

Ce n’était donc pas encore tout à fait Stratagème…

G : C’était Abrial Stratagème, pas tout à fait Stratagème, mais il avait une certaine notoriété et c’était normal qu’on mette son nom en avant. Le dernier album date de 1982, chez CBS.

Il y a un très long gap entre 19882 et votre retour au début des années 2010…

G : Oui. J’ai arrêté Stratagème parce que, en 1984/85, on avait de grosses conditions de travail avec CBS derrière nous. Grosse tournée avec tout ce qu’il fallait, mais finalement Patrick a souhaité arrêter. Donc, en 1985, j’ai mis Stratagème au repos, parce qu’il fallait bien gagner sa croûte. J’ai fait un autre métier en parallèle. J’ai repris la musique en 2007/2008. Entre 85 et 2008, il s’est passé pas loin de 25 ans, j’ai passé un brevet d’État de coach sportif. En 2008, l’ancien guitariste de Stratagème est venu me voir, me proposant de refaire Stratagème, « comme ça, pour se marrer ». Le problème, c’est que quand tu remets le doigt là-dedans… Lui n’a pas pu continuer pour des problèmes de santé, alors j’ai pris Philippe Kalfon comme guitariste, et avec lui on a un peu parcouru la France pendant onze années. On a arrêté juste avant le Covid. J’ai eu des problèmes de santé qui nous ont poussés à arrêter…

Butcho, tu es arrivé quand ?

B : Il y a un an et demi.

Comment est-ce que, l’un et l’autre, vous décrirez la musique de Stratagème à quelqu’un qui ne connait pas le groupe ?

B : Je dirai que c’est du hard rock classique, avec des mélodies, des guitares. On n’a rien inventé mais on le fait avec cœur. Je me mets toujours à la place des spectateurs qui viennent en concert : qu’est-ce qu’ils voudraient entendre et que chanter pour les faire chanter ? Le plus important, c’est de faire participer le public, et c’est ce qu’on fait !

G : Je rejoins ce qu’a dit Butcho… Ce qui est intéressant dans ce nouveau Stratagème, avec Butcho mais aussi avec les deux guitaristes qui sont beaucoup plus jeunes, c’est qu’ils amènent ce côté un peu moderne, metal dans une musique traditionnelle « hard rock années 80 ». L’avantage, aussi, c’est d’avoir une personne comme Butcho – je ne le dis pas parce qu’il est là – c’est quelqu’un qui échange beaucoup avec le public, le fait participer, et je trouve que c’est vraiment intéressant.

B : C’est ça, en fait… Quand je vois des groupes qui sont scène en mode stress, derrière leurs instruments ou qui se prennent un peu trop au sérieux, ça me fait rire parce que ce n’est que de la musique, c’est un partage. Je me sens privilégié de faire de la musique parce que la musique, ça appartient à tout le monde. Une fois qu’on a créé les morceaux, ils ne nous appartiennent plus, c’est à tout le monde. C’est pour ça que j’aime communiquer, qu’il y ait un véritable échange, et les gens le ressentent quand je suis sur scène… Je m’éclate vraiment, tout le monde s’éclate, je ne me prends pas au sérieux. Même à l’époque de mon ancien groupe, Watcha, je ne me suis jamais pris au sérieux, je me suis toujours amusé. Je ne me prends jamais au sérieux, ce n’est que de la musique. La musique, c’est de l’amour, du partage…

Ce soir, avec Stratagème sur scène, il faut s’attendre à quoi ?

B : Nous, on a fait des concerts dans des conditions vraiment difficile, avec très peu de gens mais on s’est vraiment amusés. Ça ne fait pas de différence, qu’il y ait une personne ou 10.000, c’est pareil, on se donne à fond, avec cœur, et on s’éclate ! On va pas faire la gueule pour les gens qui ne sont pas venus, on s’en fout, ils ne sont pas là !

G : Ce qui est paradoxal, c’est qu’on a fait en septembre le festival de Mennecy. On est passés en milieu d’après-midi, et Butcho, et Stratagème, s’est mis le public dans la poche, malgré la présence de groupes comme ADX.

ADX connait souvent un regain de jeunesse avec ses changements de line-up…

B : Oui, ils ne sont que deux d’origine, dans ADX, le chanteur et le batteur…

Le public metal peut être très exclusif, mais il est aussi très ouvert.

B : Très ouvert, et tu sais quoi, dans le dernier Ep, on a fait une reprise de Celebration de Kool and the Gang en version metal. On voyait tous ces mecs avec des t-shirts de death metal ou de thrash chanter Celebration avec le sourire en plus !

Ça ne marche pas toujours… on se souvient d’un certain Metallica reprenant L’aventurier d’Indochine, le public a chanté mais ce n’était pas ça…

B : Oui, maintenant Indochine n’a rien à prouver. Je voudrais bien avoir leur public, qui est le meilleur public au monde. Je suis allé les voir deux ou trois fois, le public est fidèle, ils sont toujours là, que ça aille bien ou mal, le public est là. Je dis au public d’Indochine : « Respect »… Vraiment. Après on peut critiquer Indochine…

Si on revenait à Stratagème, plutôt ? Parlons de votre discographie : L’avant dernier album est sorti en 2017, c’est ça ?

G : Alors, c’est un peu particulier. Oui… Non… En 2013, il y a eu notre album du retour, en 2018, Memories, comme le Covid est arrivé, il n’y a pas eu de promo sur cet album toujours avec Philippe Kalfon (note de MP : il doit y avoir une confusion sur les dates, la crise sanitaire ayant débuté en 2020…). Un troisième album est sorti, Never stop, avec le batteur d’origine de Stratagème, c’est lui qui avait créé Stratagème, Michel Laplanche, qui fait partie de FTF music et qui s’occupe un peu de Stratagème maintenant. Il m’avait dit que ce serait bien de sortir un dernier album, et avec mon ami Jean-Pierre Paulet, on avait déjà quelques titres de prêts. On lui a dit qu’on avait du matériel, tout ce qu’il faut, qu’on pouvait sortir un album et que ce n’est jamais fini. Moi, je voulais arrêter parce que, bon… Problèmes de santé, je tiens plus debout, je vois plus rien… Il y a des choses qui ne me convenaient pas : le batteur était trop vieux, le guitariste, ça n’allait pas, le chanteur habitait dans les Ardennes… C’était compliqué. Quand j’ai rencontré Pat Cazu, l’actuel batteur, il m’a dit connaitre un guitariste avec qui il avait joué pendant 10 ans, Marc de Lajoncquière. Il nous a présentés, et je suis tombé sur le cul. Il nous en a présenté un second, Sébastien, et pareil…C’est des pointures, un excellent niveau !

Et comment as-tu rencontré Butcho ?

G : Oh, Butcho, je l’ai rencontré plusieurs fois, on se croisait dans les concerts, on en a fait quelques-uns ensemble… Je le connaissais… Pas intimement, mais…

Après, intimement ou pas, ça vous regarde ! (rire général)

G : Ouais… Après, il est rentré dans Last Temptation, avec Farid Medjane – il faut savoir que j’ai joué deux ans avec Farid dans un groupe qui s’appelle TNT. Un jour, alors qu’ils étaient en tournée avec Scorpions, il m’appelle, ils étaient dans le car et il me dit que Butcho est avec lui. Il me l’a passé, on a discuté, et finalement… Je lui avais déjà proposé de rejoindre Stratagème, il ne pouvait pas et un jour, je le rappelle, je lui redemande et il me dit « oui, pourquoi pas, on essaye ». Tout arrive au bon moment.

Comment, en dehors de tous ces changements de line-up, est ce que l’un et l’autre vous analyseriez l’évolution de Stratagème entre ses deux derniers disques ?

B : En travaille sur le mini Lp, je voulais quand même qu’il y ait les racines des deux albums post Abrial. Qu’on garde l’esprit hard rock mais avec une touche moderne – tout le monde veut apporter son petit quelque chose dans les compositions. Chacun met sa patte, ca ne sera jamais comme « l’ancien » Stratagème, mais on en garde l’esprit.

G : On veut garder les racines de Stratagème, mais on a l’apport de ces deux guitaristes. L’un d’eux est fan de Megadeth, et, naturellement, ça change énormément de choses dans la couleur de notre musique. Le second est beaucoup plus bluesy. C’est un grand musicien, il est premier basson dans le plus grand orchestre philarmonique de Paris. Le hard rock, c’est son kiff ! Il amène ce côté très blues, très bizarre !

B : Je dirai qu’il apporte ses influences, très Guns ‘n’Roses, Myles Kennedy, ce genre de chose…

Butcho, toi, je t’ai toujours connu avec plein de projets, que ce soit Showtime, groupe de reprise des années 80, Last Temptation plus récemment et tout à l’heure, tu me parlais de ton groupe tribute à Scorpions. Il s’appelle comment ?

B : Il s’appelle Scorpians, avec un A.

Qu’a-t-il de particulier, ce groupe ?

B : On voulait faire un vrai tribute à l’américaine, avec les mêmes instruments, les mêmes fringues… On s’est vraiment fait cheir à faire les fringues nous-mêmes, mais on voulait vraiment restituer dans le détail la tournée de 1985. D’ailleurs, on reprend les mêmes structures que sur World Wide Live, on reprend jusqu’aux chorégraphies…

Même les pyramides humaines ?

B : Les pyramides et le reste, il y aura tout !

On a des chances de vous voir tourner un peu partout ?

B : Pour l’instant, non, pas partout. On cherche un bon booker, et la première date sera à Mazingarbe, dans le Nord, le 20 juin. Ce sera ne date test, la première de Scorpians. C’est vraiment pour le fun, on fait en sorte de le faire bien.

Comment avez-vous été invités à ce concert,ce soir ?

G : C’est quand FTF a publié la dernière video de Stratagème… Chris Danacker (président de l’asso Crick for Zik et organisateur du Crick Fest) l’a vue, il a appelé FTF et il leur a dit qu’il voulait absolument Stratagème pour cette édition. Tout simplement… J’avais entendu parler du festival, Sortilège, que je connais bien, avait fait salle comble l’année dernière. Je me suis dit que si Sortilège avait joué ici, ça devrait le faire. On a quelques projets avec Chris, j’apprécie beaucoup sa façon de travailler et de penser…

Interview HEADCHARGER

Interview HEADCHARGER : entretien avec Romain Neveu (basse) le 8 mai 2025

Headcharger 2025

Juste avant qu’on ne parle de votre actualité, je voudrais que l’on revienne quelques années en arrière. Comme tout le monde, vous avez subi la crise sanitaire, Hexagram était sorti en 2017 et, en 2021, est arrivé Rise from the ashes. Avez-vous utilisé la période de crise sanitaire, d’enfermement et de restrictions pour peaufiner cet avant dernier album.

C’est exactement l’idée… De plus, juste avant la crise sanitaire, notre batteur a préféré arrêter, et notre guitariste aussi. Ce n’est pas évident de gérer la vie de musicien et la vie de famille… Sont ensuite arrivés Antoine (Cadot) à la batterie et David (Vallée) à la guitare – un autre David, c’est le prénom de nos deux guitaristes…

C’est un critère aujourd’hui ?

(Rires) De s’appeler David ? C’est très important, oui, il faut s’appeler David à la guitare ! On avait commencé à bosser et là, pouf, le couperet tombe. On sait que ça va être difficile de bosser sur les concerts, etc, mais finalement, on l’a plutôt pas mal vécu parce que, malgré ce petit mois où on a tous été bloqués, on a eu des dérogations grâce à notre tourneur pour pouvoir répéter. Finalement, pendant ce mois et demi, on s’est envoyés beaucoup de fichiers, ce que la technologie permet aujourd’hui, et Rise from the ashes est né comme ça. On a beaucoup bossé les morceaux en amont, on avait le temps. La seule chose qui est dommage, même si on avait des dérogations pour pouvoir répéter, c’est que c’est un album qui a plutôt été fait sur internet et assez peu en live. Ce qui fait qu’on n’a pas pu vraiment bien se connaitre musicalement, même si on se connait depuis très longtemps, jouer ensemble c’est autre chose : il fallait trouver les bons réflexes et des trucs comme ça.

C’est aussi une autre façon d’aborder votre travail…

Oui, c’est sûr. Après on travaille beaucoup dans l’optique du live, on se retrouve dans notre petit local de 15m² et on joue beaucoup là-dessus pour se préparer. Là, on n’a pas eu le choix, mais ça a bien marché, c’est un album dont on est super contents même si on n’a pas pu le défendre sur scène. La reprise a été longue, mais à côté de ça, la période a été super productive. On était chez nous, qu’est-ce qu’on avait à faire ? Nous occuper de nos enfants, de nos familles, mais on avait du temps pour la musique. L’interaction du live nous a manqué mais globalement, ça n’a pas été une mauvaise période.

Le titre de l’album était pensé avant ? Rise from the ashes fait évidemment penser au phénix qui renait de ses cendres…

Exactement, c’était ça l’idée. Globalement, on a composé les morceaux et avant la sortie on s’est demandé comment l’appeler, cet album. Il y avait un morceau, Rise from the ashes, qui a la base ne s’appelait pas du tout comme ça mais dont les paroles coïncidaient avec ces choses – tomber très bas puis remonter. C’est David, « Babou », le guitariste d’origine du groupe qui l’a suggéré, et, en fait, ça tombe bien. L’idée collait vraiment avec la période, et les paroles sont liées au fait que Sébastien, notre chanteur, avait eu pas mal de soucis dans sa vie personnelle et c’était une manière de remonter. Ce n’était pas qu’un clin d’œil.

Un an après, je vous ai vus au Hellfest sur la Mainstage 1, en plein jour. Quels souvenirs gardes-tu de ce concert ?

C’était complètement incroyable… On l’avait déjà fait en 2011… Le seul truc c’est qu’à chaque fois qu’on est invités au Hellfest, c’est en dernière minute, en remplacement de quelqu’un… Mais ça fait super plaisir quand tu reçois un message de Ben Barbaud qui te dis que tel groupe a annulé, « ça vous dit de jouer sur la main à telle heure ? », tu ne dis pas non parce que c’est une telle opportunité. Et c’est un concert de plus… avec un peu plus de monde qu’en temps normal… C’était une expérience de oufs.

Moi, je vous ai trouvés un petit peu perdu sur cette grande scène… Je n’ai pas senti un Headcharger au top de sa forme…

Je te dirai qu’on s’est donné comme on le fait à chaque concert, mais c’est vrai que la scène est gigantesque, que le snakepit n’était pas très fun… Là où d’habitude tu as 3 ou 4 mètres qui te séparent du public, avec les crash, là on est beaucoup plus loin. Mais on l’a vécu comme une belle date. Evidemment, devant 30.000 personnes, ça change la donne, sur une scène de plus de 20 mètres… C’est aussi pour ça qu’on a joué serrés, comme dans une sorte de club.

Mais ce n’est ni un club ni tout à fait le Hellfest de 2011…

Non, mais on aime jouer. Tout le stress était la journée d’avant. Quand on est arrivés sur scène pour les balances, on a fait ce qu’on sait faire : du rock. On a joué comme on le fait toujours, que ce soit devant 50 personnes, 300 ou 6000.

Après, ce sont aussi des impressions différentes liées au point de vue : vous êtes sur scène, je suis devant, vous jouez, je fais des photos…

Evidemment. Là, on avait fait venir toute l’équipe technique qui nous suit depuis toujours, notre éclairagiste, notre sondier de face, celui des retours… En plein jour, c’est pas évident, on a quelques lumières qui scintillent, ça fait un peu plat… On aurait joué en pleine nuit, le ressenti aurait été différent, mais c’était un moment plaisant, vraiment !

Parlons maintenant de votre actualité : Sway, votre dernier album, est sorti en septembre 2024. Quels sont les retours que vous en avez eus ?

Ecoute, on a eu plein de bons retours ! Et même nous, on a eu le temps de se redécouvrir en tant que groupe pendant cette période, et ça, c’est hyper cool parce qu’on a beaucoup plus répété ensemble, on a pu travailler les arrangements. En répète, il se passe des choses, quand tu es devant un ordi, c’est différent…

Déjà, il y a l’interaction humaine.

Absolument, après, c’est bien, aussi, d’avoir déjà une base de morceaux que tu as travaillés pour la jouer en live. Si tu n’as rien, tu as un peu « ah, tiens… on compose aujourd’hui ? Euh… comment on fait ? », alors que là, on a déjà quelque chose. Ce qui a été vachement bien perçu, c’est qu’on a pu en quelques sortes synthétiser nos 20 ans de vie du groupe, depuis les prémices en 2005 (avec Doggystyle) qui étaient très hardcore à aujourd’hui, plus rock. Petite info, le prochain album… On commence à en parler et il y aura du hardcore, du scream, aussi, le côté un peu rock, on va encore essayer de faire cette petite sauce. Mais du coup, Sway a été bien reçu, là où on a peut-être pu dérouter certaines personnes avec Rise from the ashes sur lequel on est sans doute un peu trop allés dans le rock. Le stoner a toujours été plus ou moins là, et là, on a réussi à remixer le tout…

Il y a autre chose, une grande différence que les amateurs ont pu noter : dans le chant de Sébastien, il y avait du scream, de la rage, qui a disparu sur Hexagram…

… Sur Hexagram, il y avait zéro scream, et quasiment pas sur Black diamond snake.

Et là, ça revient. Qu’est-ce qui vous donné envie de revenir à ce côté plus hardcore ?

En fait, c’est marrant : c’est les deux nouveaux, Antoine et Dav’. Ceux qui écoute du hardcore, c’est beaucoup moi, je suis même plutôt le seul, mais david aussi, post hardcore… Mais Antoine, lui, écoute peu de metal, il est plutôt dans des styles « classic rock » et des choses complètement différentes. Mais les deux nous ont dit que Headcharger, c’est aussi ça, ce rouleau compresseur enragé. Ils ont été les premiers à inciter Seb à regueuler, parce que c’est aussi ça, l’essence du groupe. Pour ceux qui nous connaissent depuis avant Hexagram, ils le savent que c’est nous…

On sentait déjà le changement venir avec Slow motion disease…

Ouais, Slow motion avait effectivement pas mal entamé ça. Je ne vais pas te dire qu’on s’est perdus, mais ce coté chanté et screamé, ce côté lourd avec de gros riffs, ce côté planant, c’est l’esprit de Headcharger. Donc pour le prochain, on s’est dit qu’il nous fallait quelque chose de bien burné mais pas que. Si c’est trop burné tout le temps, ça te lasse. Il faut varier les plaisirs, tu le verras ce soir, il y a des moments speeds, d’autres lourds, plus calmes. C’est ce qu’on aime.

Comment analyses-tu l’évolutions de Headcharger entre Rise from the ashes et Sway ? Il y a déjà deux choses dont tu as parlé, le fait que vous avez pu travailler ensemble et mieux vous connaitre humainement…

Oui, en tant que musiciens…

Et le côté qu’on vient d’aborder sur le retour des parties plus gueulées. Mais en dehors de ça, en quoi Headcharger a-t-il évolué ?

Déjà, on a évolué parce qu’on devient de meilleurs musiciens au fil des albums. On sait ce qui va marcher ou pas, et je pense que c’est la base d’un groupe. A la base, on est des copains, et on a grandi ensemble, du coup, on découvre ensemble quelles sont les limites, comment on peut aller plus loin. Entre ces deux albums, on a deux personnes qui « sont encore fraiches », qu’on connait depuis toujours et il y a de l’émulation, on a envie de faire de nouveaux trucs. Tu parlais de Slow motion disease, si on avait eu un peu plus de temps pour le faire, on aurait pu pousser certaines choses. Black diamoind snake a été un poil trop vite fait, aussi. Il le fallait, il y avait des demandes du label à l’époque. Mais ce qu’on apprécie toujours, c’est qu’on avance toujours. On ne se pose pas de limites : le fait d’avoir deux nouvelles personnes apporte de nouvelles idées, d’autres influences, de la fraicheur… et c’est comme ça qu’on a évolué. Il ya quelque chose de plus naturel sur Sway et Rise from the ashes, on a trouvé une autre manière de fonctionner. Et notre autre « routine » – qui n’en est pas une – c’est qu’on expérimente d’autres choses. On sait qu’il y a une sorte de cahier des charges Headcharger, mais on expérimente. Sur Sway, le morceau le plus calme, Against the storm fait très années 90 – le côté grunge, c’est ce qui nous lie – et ce morceau monte en puissance. Le dernier morceau, Obsessed, commence comme une comptine. On voulait quelque chose qui commence gentiment. A la base, quand je l’ai composé, il été vénère du début à la fin, mais on a rajouté cette guitare acoustique, un peu de chant enfantin et à la fin, c’est une grosse dévastation sonore ! Souvent quand on compose, on se laisse porter : j’ai une idée, les gars en ont d’autres et on voit ce que ça donne. On a toujours fonctionné comme ça.

Et on arrive au consensus…

C’est ça, et chez nous, la notion de consensus est hyper importante. On dépend les uns des autres…

Justement, un album c’est un travail d’équipe où chacun apporte sa personnalité. Qu’y a-t-il de toi dans Sway ?

Ce qu’il y a de moi dans Sway ? Eh ben… beaucoup de chose, parce qu’il n’y a pas que la musique, il y a aussi l’investissement, pour que le groupe continue à vivre. Mais si on parle de musique… C’est tout, on s’investit tous et chacun a un domaine où il excelle… Je ne suis pas le plus aguerri des musiciens, les plus aguerris…

Je parle de toi, pas des autres !

Moi, ce que j’y ai mis, c’est des compos. Comme je viens du hardcore, je fais des trucs assez basiques, après, c’est avec Babou qu’on rebosse, il remanie tout avec une oreille de guitariste. Je ramène une partie des morceaux, de la passion, je suis peut-être le mec le plus positif de la planète ! Globalement, j’ai tendance à … J’ai commencé à 14 ans avec Seb, après j’ai fait du booking et d’autres choses, mais j’ai envie que le projet continue parce qu’il y a toujours des trucs cools. Mais on l’amène tous cette passion, sinon on aurait arrêté depuis longtemps…

Headcharger aujourd’hui, ne vit pas de sa musique. Quelles sont vos activités annexes ?

On ne vit pas de notre musique mais on vit de la musique. Il faut que les gens comprennent que tu as beau faire 40 dates par an, ce qui n’est pas énorme, ça ne suffit pas pour faire une intermittence. On est tous intermittents du spectacle, les autres ne font que de la musique, ils ont d’autres projets musicaux qui leur permettent de tourner l’été. Les « anciens », on est aussi techniciens à côté, on bosse en théâtre, en festoches, dans des Zénith, on est techniciens plateau, backliner…

Vous travaillez tous autour du spectacle donc.

Oui, on ne pourrait pas faire tout ça autrement. On a fait le choix de l’intermittence, et, il faut le souligner : en France, on a la chance d’avoir ça – pourvu que ça dure ! On est peut-être encore plus dans la technique que dans la musique, mais on arrive maintenant à avoir des cachets à chaque concert qu’on fait. On n’est pas milliardaires, je le précise…

Il y a aussi une différence entre milliardaire et millionnaire…

Oui, c’est ça (rires). On n’est pas « dix millaires », si je peu dire ça. On arrive à s’en sortir, on a cette chance. On arrive quand même à faire pas mal de dates et bosser comme il faut.

Si tu devais ne retenir qu’un titre de Sway pour expliquer au public ce qu’est l’esprit de Headcharger aujourd’hui, ce serait lequel ?

Sur Sway… Je dirais peut-être Against the storm. Il a beau être le morceau le plus calme, il démarre calmement et il monte en puissance. Headcharger, c’est ça, on aime bien jouer sur les nuances, envoyer le boulet tout d’un coup, mais on aime aussi quand ça retombe. Against the storm, c’est un peu cet esprit, c’est un morceau assez typique de Headcharger. Un concert de Headcharger, c’est ça : des morceaux qui t’en mettent plein la gueule, et après, on te réécrase avec un morceau plus lourd, plus posé.

Si aujourd’hui tu devais – « devais », pas « pouvais » – réenregistrer un album de Headcharger avec le line-up actuel, ce serait quel album ?

Certainement Black diamond snake, qui était une sorte de transition un peu rock un peu stoner, et qui avait encore une base de Headcharger. Mais il manque des choses. Je pense que ce serait celui-là, oui.

Quelle pourrait être la devise de Headcharger aujourd’hui ?

Se faire plaisir ! S’il n’y a pas de plaisir, on n’est plus là… La musique c’est ça : continuer à faire de la musique et se faire plaisir. Être connu ? On s’en bat la rate, ça fait 20 ans qu’on fait ça, et on va continuer. Si les gens sont là, tant mieux, sinon, tant pis, nous on continuera de se faire plaisir !

As-tu quelque chose à rajouter ? On se retrouve de toutes façons pour le concert tout à l’heure…

Simplement merci à toi, merci de nous suivre depuis toutes ces années, merci aux gens qui nous suivent et nous soutiennent. On est un groupe qui aime bien remercier (rires). C’est une belle histoire de vie !

PADDANG: Lost in Lizardland

France, Stoner (Le Cèpe Records, 2025)

Voilà une intrigante étrangeté… Paddang, trio formé à Toulouse en 2020, déboule avec un second album, Lost in Lizardland, barré de bout en bout (le premier, Chasing ghosts date de 2023). Clairement, il faut les suivre les gars! Ils nous entrainent sur les trace de Moros, sorte d’involontaire héroïne qui se réveille dans un monde radicalement différent de celui que l’on connait et qui se met en quête de quoi exactement? Les 8 titres puisent autant dans le psychédélisme des années « acide et amphèts » chères à Hawkwind ou King Crimson que dans les plus récentes périodes aujourd’hui nommées stoner. Les sonorités spatiales – et spéciales – côtoient quelques fulgurances audacieuses. Le résultat est un ensemble varié qui étonne toujours. Lost in Lizardland nécessite plusieurs écoutes pour être totalement digéré, mais s’écoute en une traite avec plaisir. une jolie découverte.

SUN: Krystal metal

France, Brutal pop (Autoproduction, 2025)

En 2022, nous avions été assez séduits par Brutal pop 2, l’Ep/démo de Sun qui nous permettait de découvrir une artiste versatile et quelque peu touche à tout. Sun revient aujourd’hui avec Krystal metal, un album complet d’une originalité et d’une efficacité remarquables. La jeune femme a parfaitement intégré l’ensemble de ses influences qui vont d’une pop énergique et mélodique à du metal bien burné. Dès Free your soul, on sait où on met les pieds. En tout cas, on croit le savoir tant la virulence de ses growls est puissante. Cependant, c’est pour mieux revenir à un chant doux et à des mélodies immédiatement mémorisables. Car c’est là la grande force de Sun: proposer des titres enjoués et entrainants sur fond de guitares rageuses et de mélodies efficaces, l’ensemble allant rencontrer aveuglément une brutalité soudaine. Il y a tout au long de cet album un mélange de pop et de metal enragé, virevoltant et saccadé. Les guitares sont déterminées et colériques, et les lignes vocales joyeuses, accompagnant avec bonheur des « Ohohoh » que le public chantera en concert balançant ses bras levés de gauche à droite (faisant, parions le, cette connerie de « coeur-avec-doigts » sur Warrior riot grrrl). Le morceau titre se fait martial et hypnotique, puisant autant dans l’esprit de Metallica que dans la folie d’Avatar tandis que Sirius love figurerait parfaitement au générique d’un film pour ados. Sun est douée, très douée même, son ouverture et ses inspirations musicales ont tout pour séduire un public varié. Alors, oui, plongez-vous dans ce Krystal metal, lumineux, attirant et séduisant comme le plus pur des cristaux et dur comme l’acier. Bravo.

LISATYD: Still

France, Stoner (Ep autproduit, 2025)

Après une intro planante, Loop, le morceau d’ouverture de Still, le nouvel album des Français de Lisatyd (acronyme de Life Is Shit And Then You Die, titre du premier Ep) s’enfonce dans les méandres éthérés d’un heavy stoner et psychédélique avec des sonorités extra terrestres. D’impros contrôlées en délires noisy, les six titres de ce nouvel Ep entraine l’auditeur dans un univers hors du temps. Grungy et crunchy, certes, souvent hypnotique et jamais dépourvu de mélodies, le quatuor sait lier efficacité, rugosité et densité. On remarquera l’évolution naturelle du groupe qu’on avait pu découvrir avec un première production en 2023. Si Lisatyd pouvait alors dérouter, il interpelait, aussi. On appréciait déjà, en effet, le côté décalé et planant de ses créations, deux paramètres à prendre une nouvelle fois en compte, la maturité du travail en commun en plus. Simon Garette (chant et guitare), John Babkine (guitare), Clément Verhaeghe (basse) et Angela Dufin (batterie) mettent chacun en commun leurs expériences acquises au sein d’autres formations d’univers variés. Etonnant et réussi.