Interview: DREADFUL HIPPIES

Interview DREADFUL HIPPIES : entretien avec Nico (chant) et Stéphane (basse). Propos recueillis à Paris, le 4 mars 2020

Metal-Eyes : Dreadful Hippies est né en 2015, a sorti un Ep en 2016 et vient de publier Rover, son premier album. Mais l’histoire du groupe, c’est quoi ?

Nico : Dreadful Hippies est un groupe qui est né avec le guitariste, Eric Lorsey, et moi-même, et une bassiste qui n’est plus dans la formation, Tara. C’était l’idée de recréer un projet dont la base était de faire un rock simple. Ensuite, il a évolué. Il a évolué en Heavy Rock Simple et Efficace (il rit)

 

Metal-Eyes : Donc vous êtes les inventeurs du courant HRSE, qui est comme tu l’as précisé, un style à part entière. Ça va les chevilles ?

Nico : Ouais, ça va très bien. Parce que c’est vraiment simple et efficace, (il se marre) on a produit ce qu’on a créé, donc ça va.

 

Metal-Eyes : Le côté « simple », vous n’avez pas peur que ce soit un peu trop réducteur ?

Nico : L’idée c’est que c’est un peu un piège, parce que c’est pas si simple que ça !

 

Metal-Eyes : Alors vas-y ! Explique-nous !

Nico : Le côté simple du HRSE, ou en tout cas de la musique de Dreadful Hippies c’est la structure des morceaux. On est presque que sur du couplet-refrain-couplet-interlude- couplet-refrain-outro. C’est ça, le côté « simple ».  Mais dans les compositions, c’est beaucoup plus recherché.

 

Metal-Eyes : Comment définiriez-vous l’un et l’autre, la musique de Dreadful Hippies pour quelqu’un qui ne vous connais pas ? En dehors de Heavy Rock Simple et Efficace…

Stéphane : On a été cherché des sonorités assez rock des années 90. C’est surtout ça. En cherchant à… être simples et efficaces surtout (rires) ! Tu m’as tendu la perche…

Nico : Oh, ça va être dur… très très dur comme interview ! Alors, je confirme effectivement cette recherche de son, l’idée c’était d’apporter cette touche qui nous tient à cœur dans le rock, au sens large du terme. On a travaillé là-dessus pour arriver au son qui est le nôtre aujourd’hui.

 

 

Metal-Eyes : Quelles sont vos influences respectives ?  

Nico : Moi, des influences très variées. Mon père était guitariste, il jouait dans un groupe de blues à l’époque sur Marseille. Mais on a toujours été éclectiques à la maison, mes origines antillaises. Donc la musique créole, du jazz, du reggae, du jazz, du classique… On a toujours tout écouté, c’est ce qui me définit dans mon approche musicale.

Stéphane : Dans mes projets, j’aime bien travailler différentes choses : dans la chanson, avec Dreadful Hippies, beaucoup plus metal rock, et c’est pareil pour la musique que j’écoute, peu importe le style.

 

Metal-Eyes : Le plus important, c’est que vous preniez votre pied…

Nico : Et que les gens prennent leur pied aussi.

Stéphane : Il faut que ça marche dans les deux sens. J’ai pas de style favori… j’écoute beaucoup de metal plus jeune, après j’ai découvert le jazz, et d’autres choses

Nico : Ah, si, je suis fan d’opéra aussi !

 

Metal-Eyes : Vous avez donc sorti un Ep en 2016, et vous revenez aujourd’hui avec Rover, un album. Qu’a-t-il de particulier ? Vendez-le moi…

Nico : En fait, Rover c’est la continuité du Ep, qui s’appelle Burn it, qui définissait le style. On tentait de voir quel type de musique on voulait faire. Quand on a commencé à donner des concerts et qu’on a vu que les gens accrochaient, on s’est dit qu’on allait rester dans ce style. Rover est sorti en gardant les mêmes ingrédients et le même esprit que l’Ep.

Stéphane : Moi j’y vois un truc assez énergique qui est lié aux répétitions et aux concerts qu’on a pu donner. Quand j’écoute l’album, c’est le côté énergique qui ressort.

 

Metal-Eyes : Vous l’avez enregistré comment cet album ? En conditions live ou vous avez profité à plein des outils technologiques à votre disposition ?

Nico : Pour la production même de l’album, on a fait ça en studio, piste par piste. Une fois qu’on a eu toute les pistes, on a tenté de faire un produit de qualité. L’album a été co-produit avec Izakar, l’ancien guitariste de Dagoba et actuel Blazing War Machine. Il a son propre studio. Il est ingé son de formation. Pour le mastering, on a travaillé avec un studio de Montpelier.

 

Metal-Eyes : Votre mascotte, c’est quoi ?

Nico : C’est un monstre. Un vagabond, « rover » en anglais. Ce vagabond cherche à se libérer de ses fardeaux. C’est l’image de sa chute, de la chute de tout le poids qu’il porte. L’un monte et l’autre tombe…

 

Metal-Eyes : Y a-t-il un thème de prédilection dans ce que vous chantez ?

Nico : Comme dans l’Ep, l’approche d’écriture c’est le voyage onirique de ce vagabond. C’était déjà le cas dans le Ep, même s’il ne sortait pas dans le nom du disque. L’idée, c’était d’avoir ce héros que l’on suit dans des aventures humaines, à travers d’émotions, par rapport à son environnement : de l’introspection, mais aussi par rapport à son environnement extérieur. Le but, c’est qu’on puisse tous se retrouver dans les textes. On a tous traversé des épreuves, amoureuses, sociales, conflictuelles, même politiques puisqu’il y a des morceaux qui sont assez engagés, et de se dire qu’il faut avancer dans la vie. D’où l’idée de la montagne. Que je perde tout ce poids et que je me libère.

 

Metal-Eyes : Quels thèmes politiques abordez-vous ? Quand on regarde les temps troubles partout dans le monde…

Nico : Ce qui est bizarre, c’est qu’entre l’écriture des deux disques, un an ou deux, ce sont toujours des sujets abordés et d’actualité : des politiques sociales en démocratie, en occident où on est censés être en démocratie mais on n’y est pas vraiment. Elle existe, mais elle est très limitée. Ces textes-là disent que, nous, on est tout petits mais que tous ensemble on peut être plus grands. The other 99, c’est l’idée du 1% qui a tout et 99% qui triment. Nous, les 99%, si on est tous ensemble, on peut vous faire plier.

 

Metal-Eyes : Y a-t-il au contraire des thèmes que vous ne souhaitez pas aborder ?

Nico : Pas du tout, il n’y a pas de tabous.

Stéphane : Au niveau des textes…

Nico : Ah, pardon ! Des thèmes musicaux ? Je croyais que tu parlais de questions ! (il éclate de rire). Maintenant, les thèmes abordés dans le hip hop moderne ne nous intéressent pas du tout… Bling-bling, l’argent et tout ça, non… Ce qui est bien avec notre projet, c’est la simplicité, le fait de prendre du plaisir. Si on prend le morceau Dreadful Hippies, c’est juste une communion, tous ensemble. On est juste des hippies lamentables, on est là, libres et on partage ensemble.

 

Metal-Eyes : Justement, votre album est très festif, très rock. Qu’avez-vous voulu mettre dans cet album ? Quelle en était la ligne directrice ?

Nico : C’était ça : avoir une structure de morceaux simple, essayer d’y apporter toutes les essences, les sonorités qui nous plaisent dans ces styles musicaux. Il y a des morceaux bien stoner, ou d’autres très planants avec une rythmique qui nous permet d’être bercés, des choses plus brutes, et des choses au milieu, un peu plus expérimentales.

Stéphane : Je pense que, vous trois, en écrivant les morceaux, vous avez voulu vous faire plaisir avec des rythmiques, des chorus… Basse-batterie, c’est un peu plus basique, dans le sens où c’est pas forcément facile à jouer, mais ça ne part pas dans tous les sens. Eric va s’éclater un peu plus à la guitare.

Nico : Ce que tu pointes est vrai, car avec Eric, on a un projet annexe, de rock progressif à la King Crimson. Là on parle de structures compliquées, de rythmiques changeantes en permanence. Peut-être, effectivement que quand on s’est dit qu’il fallait qu’on ait un projet rock, simple… et efficace, notre but était d’arriver à s’éclater tout en étant efficace…

 

Metal-Eyes : Si vous deviez l’un et l’autre ne retenir qu’un titre de Rover pour expliquer ce qu’est Dreadful Hippies à quelqu’un qui ne vous connait pas, ce serait lequel, et pour quelle raison ?

Nico : Dreadful hippies. Au-delà du nom qui est venu naturellement, c’est ces ingrédients d’énergie et de… C’est une ligne droite : de la première seconde à la dernière, tu sais où tu vas et tu ne quittes pas la route.

Stéphane : Un morceau comme Untitled, aussi, qui est à l’opposé. Il y a du groove… C’est difficile de définir l’album avec un seul morceau…

Nico : Faites-vous votre propre idée en écoutant l’album !

Stéphane : C’est vrai que le plus représentatif serait Dreadful Hippies, mais il ne représente pas non plus tout l’album.

Nico : C’est vrai que c’est celui-là qu’on fait en général écouter en premier aux amoureux du rock. Ceux qui aiment un peu moins le rock, on leur fait écouter Untitled.

 

Metal-Eyes : Quelle pourrait être la devise de Dreadfull Hippies en 2020 ?

Nico : Euh… Se faire plaisir, sachant que je connais beaucoup de groupes depuis longtemps qui ont des hauts et des bas. On en a eu, on en aura, mais c’est important de garder cette énergie commune pour avancer.

Stéphane : Laisse-moi réfléchir… En 2020 ? « Dreadful Hippies sur la route », ça peut le faire ?

 

Metal-Eyes : ça peut (note : quoique, avec le recul, le confinement ayant commencé moins de deux semaines après cette interiew…) Il n’y en a pas un qui ait dit « HRSE forever », mais bon… (ils explosent de rire)

Nico : Non, ça, on a les T-shirts !

 

 

Interview: PORN

Interview PORN: entretien avec Philippe alias Mr Strangler (chant). Propos recueillis au Black Dog à Paris, le 4 mars 2020 – Interview réalisée en commun avec Pierre Arnaud du webzine Seigneurs Du Metal (questions marquées d’un *)

Metal-Eyes * : Cet album conclue la trilogie de Mr Strangler. La trilogie est terminée ; n’es-tu pas un peu triste d’arriver à la fin ?

Philippe : Un peu triste, et content, parce que, du coup, je regarde le taff qui a été fait et je suis content d’avoir réussi à mener à terme cette trilogie qu’on a bouclée en 3 ans. Il y a toujours un peu de tristesse à se séparer d’un personnage, qui nous a aussi beaucoup apporté puisque beaucoup de choses se sont passées dans Porn grâce à cette trilogie. Mais c’est aussi bien d’en finir et pouvoir passer à autre chose, ne pas être esclaves, asservis à ce personnage et être obligés de rester dans le truc pour pouvoir continuer. Moi, je suis super content de cette trilogie, on boucle ces trois albums et on passe à autre chose.

 

Metal-Eyes : Justement, je m’adresse au chanteur, pas à Mr Strangler : on arrive effectivement à la fin d’une trilogie, mais… Il se fait prendre comment ce psychopathe ?

Philippe : Euh… Eh, bien, ça, on le découvre dans le clip à venir. Quand on suit les clips, on voit qu’il est déjà plus ou moins emprisonné – dans les derniers, notamment Some happy moments où il discute avec une psychiatre –  mais il s’avère qu’il réussit à s’évader. Dans le dernier clip, il se fait attraper – c’est un clip un peu plus d’action – et on le voit après être amené à la chaise électrique. Il y a une scène avec un assaut de police venu pour l’arrêter

 

Metal-Eyes * : Dans cet album, il est en prison ?

Philippe : Oui, il est en prison, ou il s’apprête à y aller. Mais, en gros, l’idée c’était : il est en prison, il s’évade et il se fait rattraper à la fin. Mais la thématique principale, c’est l’enfermement.

 

Metal-Eyes * : Ce que j’ai trouvé intéressant et intriguant dans l’album c’est que, alors qu’il est en prison et condamné à mort, il va se faire exécuter. Il se fait exécuter ou pas ?

Philippe : Il est exécuté.

 

Metal-Eyes : Il y a la chaise électrique sur la pochette qui est explicite…

Philippe : Et dans le clip, il finit sur cette chaise électrique. C’est exactement la même.

 

Metal-Eyes * : Musicalement, je trouve l’album moins sombre que les deux précédent alors qu’il attend la mort. Je trouve l’album très mélancolique.

Philippe : L’idée, c’était de créer une ambiance où il se montre à la fois apaisé, résigne, par ce que quand on est en prison, ben… il faut l’accepter, sinon tu vas passer un mauvais moment… Pour que ça se passe bien en prison, il faut l’accepter. Il y a ce côté « résignation » où il accepte la chose, ce côté mélancolique, parce qu’il sait qu’il va faire face à sa mort imminente puisqu’il va passer à la chaise électrique, et il y a ce petit soubresaut d’espoir, comme dans Lovely day, ou beaucoup plus sombre comme Love winter hope où, là, il est au bout du bout. Mais, oui, en effet, il est un peu plus mélancolique. On voulait un truc un peu plus éthéré, un peu plus soyeux, comme s’il était à l’article de la mort et finalement, comme s’il ne l’était plus… Il y a un peu de ça.

 

Metal-Eyes : Musicalement, on trouve effectivement différentes ambiances, ce qu’on ne trouve pas visuellement puisque les pochettes de chacun des actes sont dans des tons similaires, marron. Il y a une vraie continuité également…

Philippe : Oui, idem dans les artworks des singles qui sont tous très sombres. Par exemple, le single de A lovely day, alors que le titre est plutôt joyeux, l’artwork c’est un chiotte tout pourrave, pour Some happy moments, on a des menottes ensanglantées attachées à un radiateur… On reste dans quelque chose de très sombre parce que c’est la fin, mais on a travaillé sur des sonorités un peu différentes des précédents albums, on a incorporé de la guitare acoustique aussi, ce qui crée un truc un peu plus éthéré. Mais les thématiques restent globalement plus sombres…

 

Metal-Eyes * : D’ailleurs, musicalement – et je sais que tu adores la new wave – il est encore plus new wave, je trouve. 

Philippe : Au final, oui, mais pas tant dans la composition, où il est plus rock. Il y a ce côté un peu plus… oui, new wave que sur les autres…

 

Metal-Eyes : Lorsque nous nous étions rencontrés il y a un an, tu définissais The ogre inside comme un album « sombre », le second volet, The darkest of human desires, comme plus « exalté ». Comment définirais-tu ce dernier acte ?

Philippe : Un peu comme on a dit là : plus éthéré, plus mélancolique. Peut-être aussi un peu plus rock. J’écoutais beaucoup à ce moment l), quand on était en phase de fin de composition, de mixage, j’écoutais beaucoup Pink Floyd, Wish you were here et The wall. Pour moi, le dernier album est assez particulier et j’ai un peu de mal à le définir…

 

Metal-Eyes : Je voudrais revenir sur un symbole que l’on trouve sur cet album que sont les clés. J’en dénombre 8, or, il y a plus de 10 titres… Ont-elles un rapport avec son internement ?

Philippe : C’est surtout David qui nous avait lancés là-dessus, et j’ai trouvé ça intéressant : la symblique de l’enfermement, la clé, c’est l’ouverture des portes, la fermeture des portes. Et comme on est sur sa fin, sa mort imminente, il y a la clé de l’éternité. Il n’y a pas de symbolique particulière, juste ce rapport à l’enfermement, au fait de fermer la serrure derrière cet homme.

 

Metal-Eyes : Et donc de fermer la trilogie… Je termine avec la symbolique : avec cette trilogie, le logo de Porn a changé. Est-il amené à évoluer encore à la suite ?

Philippe : Je pense qu’il va changer. On est en train de travailler dessus. C’est une volonté sur la suite… On a une cohérence graphique sur cet album, on va tout rééditer sur un seul, un triple album pour lequel on a ce logo, mais on pense à le changer. Si on avait un label, il nous dirait de ne pas le Je trouve que c’est cohérent, ça montre qu’on passe à autre chose. Même si, dans la suite, il y a un peu de Strangler… Il n’a pas dit son dernier mot, même si ce n’est pas le personnage principal. Quelqu’un d’autre va prendre sa place, mais il y aura toujours un peu de Mister Stangler, on lui doit bien ça !

 

Metal-Eyes * : Et l’album, au niveau du son, en dehors du côté new wave dont je parlais… Il a été produit à Los Angeles, c’est ça ? Je trouve qu’il a un son très américain.

Philippe : Oui. Du coup, quand on a fait le choix de Brian Lucey, surtout quand il a accepté… Avant, on avait travaillé avec Tom Baker, qui est très ancré dans les années 2000. A la fin des années 90, il a fait tous les Marylin Manson, Nine Inch Nails, Ministry… Il a beaucoup de talent, il peut faire tout et n’importe quoi, mais l’avantage de Lucey, c’est que c’est quelqu’un qui est vraiment de son époque. Il a fait les deux dernier Manson, le Meliora de Ghost, le dernier Royal Blood. C’était intéressant de se tourner vers lui pour savoir ce qu’il pourrait faire de notre musique avec une approche totalement contemporaine. On a eu la chance que Brian Lucey ait le temps, qu’il accepte de travailler avec nous. D’entrée ça s’est passé super bien, ça a été vraiment cool, et un plaisir de travailler avec lui !

 

Metal-Eyes * : Je trouve le son de l’album nickel, impressionnant. C’est lui qui a apporté ce truc aussi majestueux ?

Philippe : Non, il a surtout finalisé. C’est moi qui ai mixé en grande partie et il a apporté la touche finale. Je pense que c’est aussi dû au fait qu’on a fait 3 albums en 3 ans, que on a tout enregistré avec le même matériel, ce qui fait une trentaine de morceaux. Donc, à moins d’être le dernier des abrutis, tu t’améliores toujours un peu. Et c’est là aussi que j’ai beaucoup appris en me demandant « mais comment faisaient tous ces groupes de l’époque pour sortir un album tous les ans ? » Le fait d’avoir enregistré tous ces morceaux nous a permis de faire des progrès. Je trouve que mes enregistrements de voix sont meilleurs sur cet album que sur le précédent, on a fait des progrès sur les guitares, même sur la composition, sur les arrangements… C’est comme quand tu fais du sport, que tu t’entraînes beaucoup : tu vas avoir de meilleurs résultats que si tu t’entraînes une fois par semaine. Je pense que c’est dû à ça et au fait d’avoir travaillé avec le même matériel. Quand tu changes de matériel trop souvent, tu redémarres à zéro sans t’en rendre compte. Tu penses que tu as emmagasiné de l’expérience, mais tu perds beaucoup de temps à redécouvrir le matériel, comment ça fonctionne… Comme avec un appareil photo, que tu fasses 500 ou 5000 photos avec le même appareil, jà la fin tu auras progressé. Je pense que ça y fait beaucoup : avoir travaillé sur un espace de temps court, bossé autant de morceaux, d’avoir mixé ces 30 morceaux là, d’avoir travaillé ce premier album seul de A à Z – on a bossé avec un tout petit studio de mastering à Lyon, après on passe avec Tom Baker… C’est de l’expérience, on n’a pas fait les mêmes erreurs qu’avec le premier. C’est pas parfait, loin de là, mais c’est ce qui nous a permis de gagner en expérience sur cet album…

 

Metal-Eyes : Je voudrais qu’on parle un peu de toi, maintenant, si tu le permets…

Philippe : C’est un beau sujet (il rit)…

 

Metal-Eyes : Oui, c’est un beau sujet. Enfin « beau », c’est un jugement de valeurs… Tu as travaillé pendant de nombreuses années avec ce personnage de Mr Strangler que tu incarnes. Vivre avec ce personnage doit laisser des traces. Alors qui est Philippe Deschemins aujourd’hui ?

Philippe : Je ne sais pas… Je dirais que… quand j’étais plus jeune, je lisais des interviews d’acteurs et je pensais qu’ils se la racontaient quand ils disaient « je me suis mis un peu trop dans le personnage, il a pris le dessus » etc, et en fait, sur The darkest of human desires, ça m’a un peu pris, j’étais à fond dans les trucs de tueurs en série, j’ai revu plein d’interview, relu plein de choses sur le sujet, et j’étais vraiment pris dans le truc. Plus que sur le dernier album où j’ai pris plus de distance. Pour répondre à ta question, je n’ai jamais été Mr Stranler, c’est une partie moi, évidemment, puisqu’on se nourrit toujours un peu de soi pour créer un personnage. Mais aussi, ce que j’ai essayé de faire, et je crois que le petit succès que nous avons avec ce personnage et cette trilogie c’est que… les gens s’approprient un peu ce personnage, ils le trouvent intéressant, parce qu’il leur rappelle un peu d’eux. Dans tous les romans, les BD qui fonctionnent bien, il y a une proximité, on trouve une proximité avec le personnage. Je pense que c’est ce qui fait que cette aventure musicale sur 3 albums a un peu de succès. Maintenant, je suis assez éloigné de Strangler mais je lui dois beaucoup. On n’a pas encore abordé la chose, mais il nous a ouvert beaucoup de portes. Qui s’ouvrent encore aujourd’hui, avec l’arrivée de ce nouvel opus, avec les nouvelles collaborations avec d’autres artistes, d’autres grands groupes, ce qu’on n’aurait pas pu faire sans Strangler. L’album va sortir, juste après, il y aura toute une série de remix qui vont sortir, qu’on a fait faire par des gars comme Orgy, Combichrist, Mindness Self Indulgence, plein de grands groupes avec qui on a pu bosser… Strangler nous a apporté ça dans une certaine mesure. On a déjà commencé ç travailler sur l’après trilogie.

 

Metal-Eyes : Juste pour finir là-dessus, l’an dernier tu me disais qu’il pouvait y avoir d’autres projets pour continuer de faire vivre Mr Strangler dont une adaptation en BD. C’est toujours d’actualité ?

Philippe : Oui, on avait commencé à bosser dessus, mais le dessinateur avec lequel on travaillait était un peu overbooké, donc on a laissé tomber pour le moment. C’est quelque chose que je voulais vraiment faire, et qu’on va faire… Strangler a encore beaucoup de choses à dire, ce sera soit sous la forme d’un comic book, ou d’un roman, d’une série de romans, ou de courtes nouvelles. J’aimerai bien aussi une série TV, il y a du potentiel pour ça…. Je pense qu’il aura de l’avenir, je pense aussi, en toute modestie, que cette trilogie fera date et qu’elle va vivre d’elle-même. On se rend compte avec le recul qu’on a réussi à faire quelque chose qui n’est pas commun, avec ses qualités et ses défauts. Mais qui interpelle et qui intéresse les gens. Je pense que ce truc aura sa propre vie. C’est un peu comme les enfants, tu acceptes qu’ils suivent leur propre chemin. Et il va apparaitre dans la suite ! Déjà, on va lui sortir son album de remixes qui sera là tout de suite après l’album. Ça s’appellera Mr Strangler’s last words, remixés par ces groupes que j’écoutais quand j’étais gamin. Jamais je n’aurais pensé que des membres de Nine Inch Nails pourraient me dire que ce que je fais est excellent et qu4on travaillerait ensemble sur des morceaux de Porn !

 

Metal-Eyes : Tu t’es aussi un peu extirpé de cette fascination pour les serial killers, tu connais tout de leurs vies, de leur univers. Tu ne l’as plus, cette fascination – enfin, « fascination », je ne sais pas si c’est le mot ?

Philippe : J’avais toujours trouvé ça intéressant parce que ce sont des marginaux par essence. Il n’y a pas plus marginal que ça. Même s’ils sont dans le monde, ils sont dans un « ailleurs ». J’ai beaucoup découvert, souvent, ce sont des pauvres types pas très intéressants, en réalité. Hormis quand on fait des Mr Strangler ou Hannibal Lecter, le plus souvent ce sont des personnages pas intéressants, miséreux et qui s’adonnent à des pratiques… Pas très cool. Tuer des gens, c’est pas très cool… pour les gens que tu tues… J’aime bien trouver quelqu’un qui est un peu plus « marrant », comme Richard Ramirez, qui assume jusqu’au bout. Il y a ceux, plus méprisable qui s’excusent pour manipuler les gens… Je ne l’ai pas eue beaucoup, cette fascination, j’étais surtout intéressé par les mécanismes et l’acceptation de soi quand on est un tueur ou un violeur en série. Parce que pour certains, le meurtre était plus… « accessoire », ils étaient plus intéressés par le viol, le fait de tuer la personne n’était pas la motivation première. Dans la suite, il y aura cette dimension de tueur, mais plus de tueur de masse et de secte plutôt que de tueur en série à proprement parler.

 

Metal-Eyes * : Justement, maintenant, la suite, tu as envie de faire quelque chose de complètement différent ?

Philippe : La suite traitera des marginalités. On part sur deux albums, je ne pense pas qu’on en fera trois. Je suis encore en train de travailler sur l’histoire pour la consolider. On est sur le thème de la marginalité autour d’un personnage un peu mystérieux qui est à la tête d’un genre de cirque caravane, et qui accueille des gens au sein de ce cirque itinérant, qui fait un peu office de secte. Ça questionne sur les marginalités, le fait de sortir des sociétés de consommation, comment les gens peuvent avoir envie d’être en dehors de la société. Alors je leur trouve des noms. Le titre de l’album est trouvé, les compositions pratiquement terminées et là, on entame les sessions d’enregistrement avec Chris Brena qui bosse sur le mix. Ce n’est pas moi qui mixerais cette fois, c’est lui. A la base, on voulait sortir du trip indus, donc les morceaux sont un peu plus rock, plus pop peut-être, et lui apporte une touche un peu rock indus, un peu plus dure dans les sonorités. C’est assez marrant, je ne pensais pas qu’on arriverait à ça, mais en fait, ça se passe bien, il est cool. On a fait un test sur un morceau, ça sonne super bien, il est adorable, donc il se charge de l’album qui sera prêt en juillet.

 

Metal-Eyes : Celui-ci fait partie d’une trilogie, donc d’un ensemble. Cependant, si tu devais ne retenir qu’un morceau de No monsters in God’s eyes pour définir ce qu’est Porn aujourd’hui, ce serait lequel ?

Philippe : Putain, c’est très difficile ça ! J’aurai tendance à te dire… soit Lovely day soit Dead in every eyes, parce que je trouve qu’il y a un peu de tout dans ces morceaux-là. Soit Love winter hope

 

Metal-Eyes : Là ça fait trois, je t’en ai demandé un seul !

Philippe : Dead in every eyes alors !

 

Metal-Eyes : C’est ce morceau que tu ferais écouter à quelqu’un en lui disant « tiens, écoute, c’est ce qu’on fait » ?

Philippe (il réfléchit longuement) : Non, ce serait plus Love winter hope alors, il y a de tout, un refrain… Alors que Dead, il n’y a pas de refrain.

 

Metal-Eyes : Love winter hope qui est aussi assez mélancolique…

Philippe : Oui, oui. C’est une composante qu’on retrouve dans toutes les trilogies quand même….

 

Metal-Eyes * : La mélancolie, elle est super forte, cet album est moins dur que les deux précédents. Il y a chez Porn un côté très metal, là, il n’y est presque pas

Philippe : Je pense que, même si beaucoup de gens ne le voient pas, la plus grande influence qu’il y a dans cette album c’est le Pink Floyd de Wish you were here, Dark side of the moon et The wall. Il y a des morceaux extrêmement mélancoliques dans Pink Floyd, mais ce n’est pas ce que les gens retiennent… Pourtant il y a des morceaux… Gilmour, quand il chante, c’est pas trop guilleret… Je pense que l’ombre de Pink Floyd plane sur ces albums.

 

Metal-Eyes * : Tu cites beaucoup Pink Floyd, mais la new wave aussi reste une influence…

Philippe : Oui, bien sûr. The Cure, ça a été l’une de mes plus grandes influences. Mais j’ai tellement écouté que, moi, ça me parait évident, je les cite moins. La patte de Cure a toujours été là, et sera toujours là. Et peut-être que la suite sonnera encore plus The Cure, parce que j’ai travaillé sur des mélanges acoustiques et des distorsions comme on trouve sur l’album The wish de The Cure. Je ne sais pas pourquoi, j’ai du mal à décrire cet album. J’ai beaucoup galéré sur le mix mais, au final, c’est sans doute le plus réussi, techniquement.

 

Metal-Eyes : Quelle pourrait être la devise de Porn en 2020 ?

Philippe : Euh… de profiter, de profiter au maximum parce que la vie, ce n’est qu’un aller simple, et le temps passe vite. Comme dans le morceau Time, de Pink Floyd. Oui, « profitez, et prenez le temps de prendre conscience de tous les instants ».

 

 

 

DELIVERANCE: Holocaust 26:1-46

France, Metal (Deadlight entertainement, 2020)

Lorsqu’un Memories Of A Dead Man (le chanteur Pierre Duneau) rencontre un Aqme (le guitariste Etienne Sarthou), les projets prennent vite forme. Ceux d’unir leurs forces pour pouvoir développer au sein de Deliverance une musique qui leur est propre, franchir toutes les frontières de genres et de codes. Ou plutôt ne s’en imposer aucune. Après un premier Ep et un album (Doosday, please! et Chrst), Deliverance revient avec Holocaust 26:1-46, un album de 6 longs titres qui avoisinent les 50′. Saturnine ouvre sur des accents trompeurs: lent, doom, le chant de Pierre, toutefois, rappelle ses origines extrêmes. L’ambiance est au plombage en règle, mais les amateurs de sensations fortes trouvent rapidement de quoi se mettre sous la dent avec God in furs (ah, ce titre! « Dieu en fourrures »… excellent) totalement black metal. Speedé, inquiétant, presque introspectif, le morceau fait mouche et bénéficie de quelques breaks bien heavy. Proposant un nouveau contre pied, The gyres démarre avec une simple guitare, légère et aérienne. Etienne montre sa facette la plus sensible, ainsi que Pierre, ici envoûtant. Le titre monte ensuite en puissance, sans être, hormis le chant, trop agressif. La variété des sonorités toujours heavy tend à démontrer que Deliverance reste à la fois torturé, explorant ses aspects qui pourraient passer pour malsains mais qui se révèlent, ne serait-ce qu’avec Sancte Iohannes, salvateurs et d’une redoutable efficacité.Le cadencement des corps et des cervicales est impeccable. Holocaust for the oblate lorgne vers le heavy doom – amis dépressifs ou confinés, ce titre qui alterne avec des passages plus mélancoliques est peut-être à éviter en ce moment… Makbenach conclue avec un riff hypnotique cet album qui semble définir la voie que souhaite suivre Déliverance. Attention, du lourd est de sortie! Ah, au fait… que cache ce titre d’album mystérieux? Sans doute un clin d’œil à la bible et son passage des Lévitiques disant que « Vous ne vous ferez pas de faux dieux, vous ne vous dresserez ni sculpture sacrée ni statue… » et plein d’autres choses un peu ratées dans toutes les religions…

SILENCE OF THE ABYSS: Unease & unfairness

Thrash, France (M&O music, 2020)

Après avoir publié, en 2017, un premier Ep, les Corses de Silence Of The Abyss nous proposent leur premier album, Unease & unfairness. Ce premier essai complet puise aux sources du heavy, carré, puissant et organique. Le son est gras et efficace, le chant est dans un anglais plus que correct. Ok, ça commence bien, d’autant que Amok alterne passages lourds, clames et plus saccadés. Dès ce premier morceau, Silence Of The Abyss met, avec coeur et efficacité beaucoup d’influences. De celles qui ne laissent pas de marbre. Le ton de Nothing at all fait penser à une marche forcée, marche alourdie par les chaines ou autres handicaps. Et c’est un trio qui parvient à ce résultat! Composé du chanteur Jean-Bernard Flores, du guitariste David Santucci et de la batteuse Diane Gianelli, le groupe corse explore le metal sous toutes ses formes, à la fois « traditionnelles » et modernes, visitant autant le heavy metal que le prog ou le thrash. See Arcturus, intermède aux accents plus organiques et orientaux, introduit My fair fury, rapide et enragé. Là aussi, une touche orientale dans le chant nous fait traverser la méditerranée. Matando est un autre intermède, plus hispanisant avant que le groupe ne reparte sur les chapeaux de roues avec The colour of walls, brutal et direct. La guitare cisaille et charcute, la batterie gronde, le break apporte un temps calme bienvenu.  God is dead le bien nommé, est plus heavy, et, malgré le chant parfois enragé, se rapproche d’un doom franc et oppressant. Weak!! relance la machine hypnotique, lourde, rythmée et martiale. Enfin,  Lunar, avec son intro plus légère,  distordue, monte en puissance. Étonnamment, Silence Of The Abyss a choisi cette longue épopée instrumentale, apocalyptique, qui évoque parfois Orion de Metallica. Pour autant, Silence Of The Abysse développe tout au long de Unease & unfairness une vraie personnalité, puissante, mélodique et rugueuse à la fois, et se place dans le peloton des formations prometteuse à suivre. Une belle promesse.

HAUMEA: Leaving

Hardcore, France (Kulpa, 2020)

Des guitares sans fioriture, un chant rapeux et enragé, nul doute: nous sommes en terres hardcore punk. Hauméa, groupe normand venant d’Alençon, ayant emprunté son nom à une planète naine transneptunienne,  propose son premier album, un Leaving bien nommé en ces temps de confinement général. Sept titres qui démarrent avec l’explosif Sick et ses éructations « destruction! » Rapidement, cependant, Hauméa montre une autre facette. Breath est plus aérien et insouciant, nous plongeant dans le rock des années 90. Pas forcément plus léger mais en tout cas un peu moins violent. Mais le naturel revient au galop, et la rage se fait de nouveau entendre. Le chant semble parfois inspiré par Rammstein, mais voilà… L’accent est souvent faiblard, trop frenchie pour être vraiment pris au sérieux à l’étranger. Hors ce « détail », les guitares d’Andy cisaillent, parfois punk, parfois thrash. Bones introduit une nouvelle et intéressante option, Niko chantant ses textes en anglais comme en français. Le mélange fait mouche et se répète sur I know them et Marbre. Ce Leaving est un bel effort, énergique et dynamique qui fait bouger les cheveux et taper du pied. Difficile de ne pas se laisser entraîner par ces sept chansons prometteuses.

HOW IT WORKS: Take it away

France, Crossover (How it prod, 2019)

Basé dans la région de Montpellier, How It Works a déjà publié un album en 2013, Just push the nail.  Sept années plus tard, avec un line-up stabilisé depuis deux ans autour de Renaud R. au chant enragé, Megadave C. (!) aux guitares, Phil S. à la basse et Manu S. (deux frangins?) à la batterie, How It Works nous propose une  nouvelle production, Take it away, brutale et efficace. Ok, l’accent est à revoir mais passe limite grâce à la puissance et la détermination vocales de Renaud. Bullshit discharge pose les bases de ce disque de 7 titres: hardcore meets punk. C’est direct (on dirait que la vie entière de Renaud est du bullshit!), brutal et mélodique à la fois. Les guitares, grasses à souhait, offrent des riffs simples et redoutablement efficace. La rythmique transporte l’auditeur dans un univers de headbang et de pogo. C’est viril presque de bout en bout. How It Works ralentissant par instant le tempo sans adoucir son propos. Si My choice my way est 100% punk, Parasite m’évoque dans son riff d’intro le Accept des 80’s. To the memory of doom vient conclure avec une remarquable ironie ce nouvel essai prometteur. La vitesse d’exécution n’a absolument rien de Doom. Bien vu! A découvrir sur scène et à soutenir d’urgence.

STONE OF A BITCH: IntimAlicious

France, Rock (Autoproduction, 2020)

J’avais quelque peu égratigné Stone Of A Bitch avec sa précédente production, pas à cause de la musique mais de l’accent anglais. Eh bien, il semble qu’un vrai travail ait été fait de ce côté car ce nouveau disque est compréhensible de bout en bout. Cela ne rend ce Intimalicious que plus agréable à écouter. Cinq chansons d’un rock léger et varié, inspiré de divers mouvements – new et cold wave, électro et metal indus parmi d’autres – composent ce Ep au son propre. Démarrant avec quelques coups donnés à la porte, Roses est léger, mystérieux, coquin et mélancolique. Une guitare saillante rappelle quand même qu’il s’agit d’un groupe de rock. Poison namaste est plus inspiré par la New wave et il semble exister une logique toute particulière à la musique de Stone Of A Bitch, quelque peu saccadée et décousue, mais fortement attirante. Bien plus entraînant et dansant, presque joyeux, Pulp me in se révèle rapidement le morceau le plus efficace et direct. Impossible de rester de marbre avec son refrain qui te lâche pas, tandis que Silk & silver, avec son riff obsessionnel et son chant langoureux, est une invitation à se lover sous la couette. A-twin et ses touches électro, sa guitare à la Rammstein, conclue joliment ce nouvel essais, au chant, je le répète, bien plus convainquant que précédemment.

Interview: SCARLEAN

Scarlean / Photo promo

 

Interview SCARLEAN : entretien avec Alex (chant). Propos recueillis par téléphone, le 27 mars 2020.

 

Metal-Eyes : Pour commencer Alex, comment se passe ton confinement ?

Alex : Bien… Comme tout le monde. On voudrait sortir un peu plus, mais, bon…

 

Metal-Eyes : Pour commencer, peux-tu me raconter l’histoire du groupe ?

Alex : On peut dater les débuts du groupe vers 2012. Geo nous a rejoints et c’est à partir de là qu’on a vraiment commencé à trouver notre son. On a enregistré un premier album, Ghost, en 2016, en autoproduction, et fait quelques scènes. Puis le line-up a changé, puisque Olivier nous a rejoints à la basse et Fabien à la batterie. Entre temps, on a rejoint Mystyk prod et on a pu ressortir Ghost en 2018 qui a été distribué par Season Of Mist, ce qui nous a donné une autre exposition.

 

Metal-Eyes : Ça a changé quoi pour vous ?

Alex : Déjà, le soutien d’un label. Avoir un label, ça change beaucoup de choses. Déjà, on a eu une exposition plus importante. Et puis la distribution par Season Of Mist, ça signifie que l’album se trouve sur tout le territoire, dans les FNAC, à l’étranger aussi. Nous, seuls, on ne peut pas faire ça ! Ensuite, comme je te disais, Olivier et Fabien nous ont rejoints en 2018, on a composé assez rapidement et enregistré le nouvel album en 2019.

 

Metal-Eyes : Cette nouvelle section rythmique, ça apporte quoi de plus à Scarlean ?

Alex : Ça apporte beaucoup ! On est sur la même longueur d’indes, même si on a des goûts différents. Ils sont tous les deux arrivés avec leurs idées, leurs envies, on s’est très bien entendus à tout point de vue rapidement. Et là, avec Soulmates, je crois que nous avons vraiment trouvé notre voie. Mais note que Fabien n’a pas enregistré la batterie sur cet album, c’est Eric Lebailly, qui a été le batteur d’Adagio, qui s’en est chargé. Ce qui a permis à Fabien de se concentrer sur l’enregistrement, d’apporter son oreille à l’ensemble.

 

Metal-Eyes : Ce qui répond à ma question suivante, en fait. C’est cet apport de la section rythmique qui constitue la plus importante évolution entre vos deux albums…

Alex : Oui, c’est évident. L’apport de Fabien et d’Olivier a été plus qu’important. On s’entend vraiment bien et les influences musicales de chacun trouvent leur place dans Scarlean.

 

Metal-Eyes : Ce qui signifie que chacun a son mot à dire dans le processus d’enregistrement ?

Alex : Oui, tout le monde participe. Tu peux trouver des traces de metal, de hip-hop ; de trip-hop, de hardcore… Si ça fonctionne, c’est bon. Tu sais, j’écoute de tout, à partir du moment où la musique que j’écoute me parle, si elle me touche, ça me va. Et quand on compose, c’est pareil. On a pu mettre un peu de toutes les influences de chacun, et je pense que nous irons encore plus loin sur le prochain album !

 

Metal-Eyes : Justement, parlons un peu de Soulmates. Tout semble en opposition sur ce disque, de la pochette – fille / homme, jeune / adulte, naturelle / maquillé, faible / fort, habillée / nu – au titre – âmes sœurs qui se tournent le dos… Qu’elles étaient vos intentions avec ce disque ?

Alex : Tu as mis le doigt dessus : nous avons voulu travailler la dualité sous tous ces aspects que tu as cités. Aussi bien dans les contradictions que dans les oppositions. Le visuel est important et on y a vraiment réfléchi.

 

Metal-Eyes : Vos influences respectives ont dû aussi nourrir cette dualité ? Comment ça s’est traduit dans le cadre de la composition de l’album ?

Alex : Complètement. Comme on est tous assez ouverts musicalement, chaque chose différente a créé beaucoup d’engouement. Quand Olivier est arrivé avec ses parties de basses slappées, très groove, on s’est regardés, on a dit « woaw, trop bien ! On va pouvoir mettre ça en avant, faire quelque chose avec ! » Michel est arrivé avec des parties de guitare un peu… différentes, innovantes, des arythmies, des choses comme ça. Quand on a maquetté, pareil… Du coup, toutes les influences, on les a digérées, on les appréciées tout au long du process de composition. Du coup, on n’a pas vraiment senti les différences. On a plus pris ça comme une richesse globale, on s’est dit que ça sortait un peu du cadre. Mais, nous, on n’a pas de cadre, on fait de la musique comme on la veut, comme on l’entend. Tant qu’elle sonne à nos oreilles, on ne se pose pas de questions. C’est pas parce qu’on fait du metal qu’on ne peut pas intégrer des choses comme le hip-hop, par exemple. Il y a des choses très bien dans le hip-hop…

 

Metal-Eyes : Et c’est quelque chose qui s’est déjà fait. Comme tu le disais, j’imagine que vous, déjà, vous devez vous faire plaisir, que votre musique doit vous parler, et ensuite, si elle touche d’autres personnes, c’est du bonus.

Alex : Complètement ! L’idée, c’est de faire de la musique avant tout pour nous. On prend ça comme un exutoire, donc c’est avant tout un plaisir. Ensuite, on ne cherche pas à rentrer dans les cases, donc on ne cherche pas à savoir ce qui marche en ce moment pour imiter. On a tous des familles, un travail, on ne vit pas de la musique, donc on n’a aucun intérêt à chercher à en vivre. Nous, ce qu’on veut, c’est que ça reste toujours un plaisir, qu’à aucun moment on ne soit restreints par des obligations de… je sais pas, de tour manager qui te dit qu’il faut aller jouer là-bas, dans une salle pourrave. On veut garder notre liberté, notre individualité musicale. Si ça plait aux gens, et c’est un peu le cas en ce moment, c’est super, parce que ça nous permet de creuser un peu plus cet univers, d’aller un peu plus loin, de nous faire plaisir sur scène, parce que, l’aboutissement, c’est la scène.

 

Metal-Eyes : Justement, un groupe de rock c’est aussi la scène. En ce moment c’est un peu compromis partout, mais j’imagine que dès que possible vous allez tourner. Vous cherchez à tourner où, et dans quel type de salles ?

Alex : Nous, ce qu’on essaie de faire, c’est de jouer dans des conditions… Déjà, on ne joue pas dans les bars. J’adore les lieux avec des jauges à 2-300 personnes parce que je trouve que ça reste à taille humaine. Tu arrives à avoir une vraie complicité avec le public, et j’aime beaucoup ça. Après, on a fait des scènes à 1000-15000 personnes, et c’est intéressant parce qu’on joue sur une grande scène, où on peut vraiment s’exprimer. Globalement, je pense que notre musique est faite pour des grandes scènes, parce qu’on a besoin de lumières et d’autres choses pour mettre en valeur notre musique. Donc ce qu’on vise aujourd’hui, c’est des premières parties dans de belles salles et des festivals. C’est vraiment notre objectif aujourd’hui.

 

Metal-Eyes : Je crois que, malheureusement, les festivals, ce sera pour l’année prochaine…  

Alex : C’est aussi ce qu’on se dit, mais c’est pas grave. On continue de chercher à nous développer, à nous placer sur certaines choses. On est sur le tremplin de la MetalHead Convention à Paris, sur le Motocultor, aussi, où on est sélectionnés en finalistes.

 

Metal-Eyes : Celui-là, c’est au mois d’aout, ce qui laisse encore un peu de temps.

Alex : Voilà, et si c’est reporté, c’est pas grave, on aura au moins été là, on aura entendu parlé de nous, on aura existé à un endroit où on n’aurait pas imaginé exister… La MetalHead convention, on est assez bien placés : ça fait deux semaines qu’ils rentrent des résultats où on est dans les sélections. Ils ont une sélection de 5 genres, et ils nous ont classés dans la sélection « Djent/Prog » (rires). On est toujours dans le flow donc on va aller au bout.

 

Metal-Eyes : Il y a un autre sujet dont on doit parler, ou plutôt une personne puisqu’il s’agit de quelqu’un qui se nomme Annecke qui chante avec toi sur votre version réarrangée mais tout à fait reconnaissable de Wonderful life. Comme s’est fait cette collaboration ?

Alex : On avait décidé de faire une reprise. On a choisi Wonderful life qu’on a maquetté, et en fin de maquette, on a lancé ça en rigolant. Ça fait 25 ans que je suis fan d’Annecke, que je suis depuis son premier album, et je lance, comme ça « eh ! on pourrait faire un featuring ! Demain, j’appelle Annecke ! » Le lendemain, j’étais au téléphone avec Michel, mon guitariste et je lui dis que j’ai envie de le faire, que je vais voir si je peux trouver un mail… On sait jamais, ça pourrait le faire. De là, j’ai envoyé un mail à Stricly creative, qui est tenu par Rob Snijders, son mari qui est aussi l’ancien batteur de The Gathering et de Celestial Season. J’ai envoyé la maquette, en lui expliquant que je souhaitais faire un featuring avec Annecke… J’ai envoyé ça un peu comme une bouteille à la mer, et quelques heures après, j’ai reçu un mail me disant qu’elle adore la chanson originale et qu’elle adore notre proposition d’adaptation, donc… « on y va » ! J’ai relu le mail 30 fois (rires) en me diants que je m’étais planté quelque part, que c’était un pote qui me faisait une blague, mais non, c’e=était bien ça. A partir de là, on est entrés en studio, on a fait notre enregistrement, on lui a envoyé les bandes, elle a enregistré chez elle et 5 jours après on avait les bandes chez nous, avec sa voix posée sur le morceau. Je m’en rappelle parce qu’on était tous dans le studio et quand on a lancé la bande, il y avait un silence… d’écoute. A la fin, on s’est tous regardés en se disant « on a Annecke sur l’album ! » (rires). On est super contents de ce qu’elle a fait.

 

Metal-Eyes : En fait, ça s’est fait de la manière la plus simple qui soit. Qui ne tente rien n’a rien, vous avez osé, vous avez obtenu.

Alex : Exactement. Avant d’envoyer, j’y croyais un peu : on avait un projet qui tenait la route, une chanson pas trop mal, assez sympa. J’y croyais… On était super content, et du coup, sur le prochain album, on espère faire une autre collaboration avec quelqu’un d’autre. On a quelques idées… Le rêve absolu, serait de faire quelque chose avec Lisa Gerrard de Dead Can Dance, ce serait dingue !

 

Metal-Eyes : Pour le moment, il faut faire vivre Soulmates. Alors si tu devais ne retenir qu’un seul titre de l’album pour expliquer à quelqu’un qui ne vous connait pas ce qu’est Scarlean, ce serait lequel ?

Alex : Pour moi, ce serait Perfect demon qui est le morceau le plus progressif de l’album, qui part de quelque chose de très suave, très doux et qui, progressivement, monte vers quelque chose de beaucoup plus violent et qui finit en apothéose sur quelque chose de presque black metal, avec un côté très orchestré, une batterie à la double pédale, des guitares en accords inversés, typique du black metal. Parce que, aussi, je trouve que le texte commence avec un couplet pour continuer avec quelque chose qui dit l’opposé du premier et je trouve qu’il rassemble pas mal de facettes : un solo, des parties metal qui rentrent dedans, des parties plus douces, plus doom. Il y a un mélange d’influences dans ce morceau qui est vraiment conséquent et qui nous ressemble le plus, je pense. Il y a un autre titre que j’adore, c’est The smell of the blood, le tout dernier, parce que en plus, il y a une chanteuse qui n’est autre que ma femme, et ça apporte autre chose, d’encore plus personnel.

 

Metal-Eyes : Si tu devais imaginer une devise pour Scarlean en 2020 – quelque chose que vous pourriez mettre sur votre prochain album – ce serait quoi ?

Alex : Une devise ? Notre devise, pour celui-là, c’était… euh … C’était quoi d’ailleurs (rires) ? Ah, oui ! C’était Puissant-Emotionnel-Original, donc la devise en 2020 ce serait « Plus puissant, plus émotionnel et plus original » ! On va creuser l’univers et creuser encore plus ces aspects.

 

Metal-Eyes :  Ca me parrait être une bonne devise.

Alex : Ouais, allez, on valide ! (rires)

 

Metal-Eyes : As-tu d’autres choses à rajouter, Alex ?

Alex : Avec le climat actuel, j’ai envie de dire « restez chez vous, ne faites pas els cons ». Il faut rester optimiste, ce ne sera que mieux quand on pourra enfin se réunir dans les salles de concerts. J’espère que ça fera réagir les gens et qu’ils se déplaceront encore plus pour la scène locale. J’en profite aussi pour remercier tous les webzines et les radios qui parlent de gens comme nous, car sans ça, on n’est pas grand-chose. Et remercier notre fan-base qui grandit de plus en plus. On est toujours étonnés par certains retours. On a récemment fait une édition vinyle de Soulmates par le crowdfunding et on a halluciné de voir qu’il yavait autant de personnes qui adhéraient au projet. On espère que ça va continuer comme ça et qu’on va faire de belles choses en 2020, 2021 et après.

 

HEVIUS: Millenaire

Heavy metal, France (Autoproduction, 2020)

Amateurs de heavy français chanté en français, attention: Hevius déboule avec Millénaire son second album. Les amateurs du genre connaissent déjà le groupe qui, en 2005, avait proposé un Derrière la lumière qui n’avait pas totalement trouvé sa voie. Venant de Seine et Marne (77), le groupe propose un heavy traditionnel, à la fois puissant et mélodique qui lui permet, notamment, d’ouvrir pour Sabaton mais ne fait guère parler de lui par la suite. Quelques changements de personnel ont lieu entre 2008 et 2013, et Hevius revient, en 2020, avec ce nouvel album. Une nouvelle fois autoproduit, Millénaire ne surprend que peu par le style musical. Le chant puissant et clair évoque ouvertement les années 80 et 90, celles de Sortilège (tiens, on en reparle en ce moment…) et de Manigance pour le côté frenchie. Les claviers et les guitares évoquent toute la vague métal symphonique sans que Maiden ou Priest, éternel gardiens du temple, ne soient jamais loin. Hevius se fait simplement plaisir bien que jouant avec le plus grand sérieux – à l’opposé de son site web (www.hevius.com) qui présente le groupe avec un flagrant manque de sérieux. Les 11 titres (plus 2 bonus) taillent dans le vif avec bonheur, flirtant parfois avec une certaine forme de pop puissante. La joyeuse bande nous offre un album joyeux et entraînant. Une moment festif et léger bienvenu.

DUSK OF DELUSION: Watch your 6

France, Metal (Fantaizic, 2020)

Formé par les guitaristes Matthieu Morand et Claude Colmars ainsi que par le vocaliste Julien Skorka en 2015, Dusk Of Delusion a pour ambition de proposer une musique plus directe que le progressif technique que pratiquent habituellement ses membres. Déjà auteur d’un premier album paru en 2016 ((F)unfair) les Nancéens reviennent avec Watch your 6. L’album se base sur la première guerre mondiale vue par différents yeux, de différentes nationalités, sexes et conditions. Un point de vue qui évite de tomber dans le parti pris. Seulement, dès les premiers mots – qui suivent une intro légère avant un déchaînement dans l’esprit du thème – il est évident que Julien n’est pas anglophone. L’accent rend l’écoute complexe, et lorsqu’il choisi la route du chant, ben… ça n’arrange pas forcément les choses. Un point à travailler si DOD veut franchir les frontières. Musicalement, Dusk Of Delusion bénéficie de la technicité que ses membres ont pu acquérir auprès de leurs autres groupes de la sphère prog – Elvaron ou Akroma parmi d’autres – tout en allant plus facilement droit au but. Cependant, il y a un réel travail sur les ambiances, calmes ou brutales en fonction des besoins du propos. Propos qui mettent en relation un personnage ou événement et un sentiment, une approche qui se révèle rapidement efficace.  Watch your 6 reste cependant un album puissant et l’on attend que de retrouver les 5 sur scène.