Photo de la semaine: EXODUS

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Exodus au Hellfest, c’est une habitude! En ce 21 juin 2015, jour de la fête de la musique, et, accessoirement troisième et ultime jour de cette dixième édition du désormais incontournable festival clissonnais, le soleil frappe fort. Le ciel est clair, et les esprits à la fête. Steve Souza n’échappe pas à la règle, menant un Exodus particulièrement en forme. Ce cliché à été pris à 1/200 de seconde, la sensibilité réglée à 400 ISO. J’ai utilisé un objectif 55-200 mm avec une ouverture à F/5. Ce que j’aime? Ce visage à moitié caché par un bras qui se conjugue au regard de défiance du chanteur. Qui voudrait en découdre?

AIRBOURNE: Présentation de Breakin’ outta hell à Paris

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Paris, 30 août 2016. Ce sont quelques vingt représentants de médias français qui sont invités à découvrir le nouvel album d’Airbourne dans les locaux chaleureux de Gibson France. Au programme, l’écoute de Breakin’ outta hell suivie d’une conférence de presse d’une bonne demie heure.

Airbourne Paris

Si l’on vous annonce qu’Airbourne ne sonne plus comme AC/DC, alors « on » vous mentirait. Mais ce serait aussi trop réducteur, car, bien que le digne successeur de la bande des frères Young, le gang des frangins O’Keefe puise aussi ailleurs son inspiration. Sans entrer dans le détail de l’album – qui sera naturellement le sujet d’une future chronique – nous pouvons révéler qu’il contient onze chansons taillées dans le rock brut et direct, celui qui ne laisse personne indifférent. Les tempi varient, les thèmes des chansons, presque toutes inspirées d’expériences vécues au cours de ces trois dernières années, restent sans surprise: les femmes, l’alcool et le rock.

Au cours de la conférence de presse, parmi d’autres questions techniques, Joel et Ryan O’Keefe, très joyeux, expliquent leur choix d’enregistrer en Australie où le son obtenu est plus agressif que celui qu’ils auraient pu avoir aux USA avec le même matériel. La raison? La différence de voltage du courant, seulement de 110 volts aux USA. Lorsque Metal Eyes demande quel est cet enfer qu’ils ont vécu pendant les trois années qui séparent Black dog barking (2013) de ce nouvel album est simple: cet enfer, c’est le monde dans lequel nous vivons, et le seul échappatoire c’est le rock. La tournée à venir est également abordée, et si la France est à l’honneur (une seconde date a été rajoutée à Paris où le groupe se produira, au Trianon, les 1er et 2 décembre prochains) c’est parce que, dixit Joel: « ce n’est pas le plus gros marché, mais le public ici est le plus passionné en matière de rock ». Un album live est-il envisagé? Avec maintenant 4 albums, oui, Airbourne y songe. Et, sans vouloir trop en faire parce qu’ils sont aujourd’hui en France, il est probable que ce live soit enregistré sur l’une des dates françaises.

Inévitablement, des questions sont posées en lien avec AC/DC. La formation actuelle? Choix délicat du chanteur remplaçant de Brian Johnson, mais le résultat est probant, d’autant plus que le groupe a interprété sur scène des morceaux pas joués depuis des décennies. La pochette du nouvel album, Breakin’ outta hell , le quatrième d’Airbourne, évoque celle de Powerage, le quatrième d’AC/DC? « C’est une coïncidence » affirment les O’Keefe. « Je n’y crois pas » leur rétorque le journaliste. « Si, si! »

Bien qu’arrivés chacun une bière à la main, le guitariste se lève rapidement de son tabouret pour la poser et s’emparer d’une guitare qu’il gratouille. Comment, dans cet environnement, ne pas succomber à la tentation? Puis, une fois la dernière question posée, les frangins se prêtent un bon quart d’heure et avec plaisir à une séance dédicaces et photo avec qui le souhaite.

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Une fin d’après midi sympathique, en somme, qui donne envie d’être déjà fin septembre, date de sortie de Breakin’ outta hell, et plus encore, début décembre un peu partout en France! Rock’n’Roll forever.

 

 

GOV’T MULE: the tel star sessions

Gov't mule 2016« Marty, viens voir! Si tu règles le tableau de bord, tu fonces à 88 miles à l’heure… Et tu voyages dans le temps! »

Pas besoin de Doc, pour ça, il suffit de se munir de la dernière sortie de Provogue, ce The Tel star sessions de Gov’t Mule pour nous retrouver projetés plus de deux décennies en arrière. Car cet album, s’il est « nouveau », contient 9 morceaux d’anthologie, 9 chansons d’un hard rock sudiste et couillu composées en 1994 par le trio formé alors de Warren Haynes (chant et guitare), Matt Abts (batterie) et Allen Woody (basse), malheureusement décédé en 2000. Si Warren Haynes impose sa patte et son savoir faire acquis au sein du Allman Brothers band, c’est un groupe jeune et ambitieux que l’on retrouve ici. Et il ne fait aucun doute que les amoureux de ce genre terre à terre, poussiéreux, que ceux qui aiment le whiskey et la cendre froide, voire le goudron et les plumes, ceux-là vont être servis! Production minimaliste ou presque, fioritures inexistantes, Blind man in the dark, Mother earth, Rocking horse sont autant d’hymnes en devenir menée par la voix chaleureuse du sieur Haynes sur des mélodies souvent surprenantes (z’ont fumé quoi, z’étaient dans quel état les gars???) mais plus encore entraînantes. Un joli retour en arrière qui explique bien des choses. Et surtout une très bonne idée d’avoir ressorti ces démos, les avoir dépoussiérées pour les offrir au public.

BLACKRAIN: Released

blackrain 2016Hard rock, France (UDR, 2016)

Metal-Eyes a vu le jour au moment de la sortie du dernier album de BlackRain, ce qui explique pourquoi il n’a pas été chroniqué plus tôt. Pourtant, au regard (à l’écoute, plutôt) de ce nouvel opus, il n’est que justice de réparer cet « oubli », d’autant que nos glammers frenchies viennent de confirmer leur potentiel lors du récent Download festival à Paris. Released, donc? Paru en mai dernier et une nouvelle fois produit par Jack Douglas, ce disque est le premier depuis la séparation des Savoyards d’avec leur management. Le résultat est net: Released porte bien son nom, et se présente, sinon comme celui de la libération, comme l’album de la renaissance. BlackRain se retrouve, se reconstruit et teste de nouvelles choses, va explorer la musique sans se poser de limites pour nous offrir un condensé de ce qu’il est vraiment: un groupe de rock, direct et enjoué. Qui, au passage, règle quelques comptes (même si le chant anglais de Swan n’est pas toujours compréhensible, on retient cependant « Im back from the dead (…) it’s amazing to survive » sur Back in towwn, « Mind control, no more no more! » sur Mind control ou encore « I do as I please, I do what I want, I say what I want, That’s the way it goes and I like it, I’m not a puppet on a string » sur Puppet on a string). Bref, BlackRain enterre ce qui ressemble à une période douloureuse pour mieux repartir et propose une palette musicale variée, toujours rock. On retrouve ainsi un étrange mariage de mélodie mid tempo avec fond de double grosse caisse sur Killing me, des ambiances de cirque sur Eat you alive, un tube potentiel, soft, entraînant, au refrain imparable avec Run tiger runReleased fait partie de ces disques qui proposent tout ce qui transforme un album de rock en un excellent album tout court: des mélodies mémorisables, des alliances sonores parfois improbables et convaincantes, un ou deux hits en puissance, l’ensemble très bien mis en son par un maître du genre nommé plus haut. BlackRain grandit et est aujourd’hui un groupe mature qui, on l’espère, rencontrera bientôt le succès qu’il mérite . Released, oui, reborn aussi!

Note: 8,5/10

Titre que je retiens: Run tiger run

Interview: EPICA

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Rencontre avec Mark Jansen (Guitare) et Simone Simons (chant) (EPICA). Propos recueillis à Paris, le 1er juillet 2016

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Metal-Eyes : Nous n’allons pas revenir sur l’histoire d’Epica, simplement, je souhaite savoir ce qu’est Epica en 2016 ?

Mark : Pfou! Epica en 2016? C’est toujours un groupe de 6 personnes, comme nous l’étions à nos débuts, mais nous sommes aujourd’hui plus une « unité ». Quand je nous compare à notre passé, aujourd’hui, nous avons littéralement 5 compositeurs. 5 personnes qui contribuent, c’est plus un travail d’équipe que ça ne l’a jamais été. Je pense que c’est une des raisons pour lesquelles il n’est plus nécessaire aujourd’hui d’être effrayé si l’un d’entre nous est en manque d’inspiration : il y a 4 autres compositeurs.

Metal-Eyes : C’est un point de vue intéressant…

Mark : oui, mais souvent, dans un groupe, il y a un ou deux compositeurs, et tout repose sur eux. Pour notre nouvel album, tout le monde a contribué, c’est un effort collectif.

Metal-Eyes : En 2014, The quantum enigma avait été  présenté comme le résultat d’un travail collectif. Comment décrirais-tu la réalisation de The holographic principle en comparaison?

Mark : Plus encore que pour The quantum enigma, nous avons travaillé en tant que groupe. Nous sommes encore plus entrés dans les détails, les vrais instruments… Nous avons autant que possible évité les samples, les cuivres, les instruments à vent sont tous joués par des humains, et je pense que tu peux entendre la différence. L’enregistrement a aussi été assez intense car nous avions également des concerts à donner… Il y a des avantages et des inconvénients… Quand tu sors du studio pour jouer, tu te rafraichis les idées, mais d’un autre côté, c’est fatigant… Il nous faut trouver le juste équilibre entre les deux.

Metal-Eyes : Comment expliques-tu cette évolution dans l’investissement de chacun? Est-ce simplement dû au fait que le groupe se sent plus uni que jamasi ?

Mark : oui, mais c’est aussi une question d’opportunité. Je pourrais très bien ne pas autoriser les autres musiciens à composer, de nombreux groupes fonctionnent ainsi, mais d’une part les gens deviennent insatisfaits et ne sont plus motivés à faire partie du groupe, et, d’autre part, tu passes potentiellement à côté d’un très grand nombre de bonnes chansons. Alors, nous fonctionnons ainsi, ce qui motive tout le monde, chacun a envie de s’impliquer et nous avons une grande connexion avec l’album. Et on peut retenir les meilleures idées de chacun, n’avoir que le meilleur du meilleur ! Quand tu n’as qu’un gars qui écrit 13 titres, il y a toujours une récurrence.

Metal-Eyes : Comment comparerais-tu ce nouveau disque à The quantum enigma ?

Mark : Nous avons fait un pas en avant. Musicalement et littérairement. Comme je te l’ai dis, nous avons plus de vrais instruments, et nous avons donné plus de place aux guitares parce que nous pensons que ça rafraichit le son. Et il y a plein de choses intéressantes sur ce disque. C’est toujours plaisant de pouvoir écouter ce que tu joues. A chaque fois que tu veux mettre quelque chose en avant, c’est au détriment d’autre chose. Et il y a tant de pistes qui se conjuguent que tu ne peux pas tout distinguer d’un coup. Il faut toujours chercher le bon équilibre afin de ne pas léser tel ou tel effet…

Metal-Eyes : Ce qui signifie que si j’écoute l’album avec mon casque ou le tien, sur ma chaine ou une autre, j’entendrais des choses différentes à chaque fois ?

Mark : exactement, parce que tout ce matériel est différents, que le mix s’est fait avec tel matériel dont les réglages sont différents. Si tu écoutes ça  avec ces écouteurs bon marché de téléphone, tu perdras beaucoup.

Metal-Eyes : Parfois, tu peux découvrir des choses que tu n’avais pas entendues avant…

Mark : Oui, ça peut arriver aussi (rires). Certaines fréquences sont absentes, probablement, mais je suggère de ne pas les utiliser. Préférez une bonne chaine et un bon casque, c’est toujours préférable ! Notre album en profitera toujours !

Metal-Eyes : Une chose qui nécessite une explication est le titre de ce nouvel album: qu’est-ce que ce « principe holographique » ?

Mark : C’est une théorie dans la physique quantique qui traite du principe, très intéressant, que le monde entier pourrait être un hologramme. Cela me passionne vraiment, et nous sommes partis de cette théorie, prise au sérieux aujourd’hui par de nombreux scientifiques, même si ça parait étrange. Mais ça pourrait être vrai, et nous l’avons placé dans un concept, comme la réalité virtuelle, tu sais, tu mets un masque et tu te retrouves, avec d’autres, dans un monde virtuel. Tout le monde n’a pas encore testé ce principe, mais, un jour ou l’autre, tu revêtiras ce masque et tu pourras te trouver dans un monde comme celui-ci sans pouvoir faire la différence entre fiction et réalité. Te voilà allongé sur la plage, par exemple… Tout semble réel, et tu peux penser : « si tout semble réel, sans doute suis-je vraiment dans une réalité virtuelle ? Peut-être ne s’agit-il que d’une couche d’une réalité plus éloignée ». Les scientifiques étudient  la possibilité que ce soit réel, et possible. Ce qui nous effraierait sans doute, car cela remettrait en cause toutes nos certitudes. Mais d’un autre côté, c’est très excitant.

Metal-Eyes : Si tu devais choisir une chanson de The holographic principle pour decrier ce qu’est Epica aujourd’hui, quelle serait-elle ? Et c’est un album dont les chansons vont de 2’ à 11’, il y a une grande variété…

Mark : Oui, et c’est très difficile de choisir un morceau, mais je choisirais le morceau titre, qui résume bien l’ensemble. Tout ce que nous représentons, se que nous sommes se trouve dans ce morceau.

(Simone nous rejoint à ce moment)

Simone : Bonjour, ravie de te rencontrer…

Metal-Eyes : Je suis ravi aussi ! Nous parlions de votre album, et je te pose donc la même question : quelle chansons choisirais-tu pour décrire ce qu’est Epica aujourd’hui ?

Simone : Je pense que c’est la même : The holographic principle, mélangée avec Universal deat squad. The holographic principle contient le son traditionnel d’Epica, mêlé aux nouveaux riffs de guitare, un résumé de l’ensemble de l’album, dans un esprit très cinématographique.

Metal-Eyes : Epica est aussi un groupe de scène. Vous avez joué à Paris à de nombreuses reprises, mais vous allez vous produire pour la première fois au Zénith, qui est quatre fois plus grand que la plus grande salle où vous ayez joué à Paris. Qu’est-ce qui vous a poussés à vouloir évoluer à ce point ?

Mark : La démence ! (rires)

Simone : oui ! Je crois que nous avons, à Paris, évolué à chacun de nos passages. La famille française grandit rapidement et avec cet album nous avons voulu faire un pas de plus. Nous avons besoin, d’un point de vue scénique, production, de plus d’espace afin d’atteindre cet objectif. Les fans peuvent venir avec leur famille au complet car nous disposons maintenant de suffisamment de place pour accueillir tout le monde.

Metal-Eyes : Ce qui signifie que le spectacle sera plus gros que jamais ?

Simone : oui.

Metal-Eyes : Y aura-t-il des éléments de surprise que vous pouvez révéler ou pas encore ?

Simone : Nous avons un nouveau prototype d’éclairages, qui ne sont pas encore sur le marché mais que nous avons déjà utilisé pour les sessions photos et vidéo et qui s’intègre parfaitement dans le thème du principe holographique.

Metal-Eyes : Comment s’est montée cette affiche commune avec Powerwolf ? Car il s’agit de deux univers musicaux totalement différents. Ne craignez-vous pas que les fans de Powerwolf quittent la salle après leur concert ?

Mark : Nous avons décidé de cette affiche parce que Powerwolf est gros dans des pays où nous sommes moins importants, et, inversement, nous sommes gros dans certains pays, comme la France, où Powerwolf est encore relativement méconnu. Il y a toujours le risque que les gens partent avant la tête d’affiche. Parfois c’est nous, d’autre, Powerwolf. Dans l’ensemble, nous aurons le public le plus important, mais il y aura malgré tout de nombreux fans de chaque groupe qui regarderont les autres, et c’est pour cetet raison que nous avons choisi cette combinaison. S’il y a deux groupes similaires, il y a le même type de public, or nous voulions vraiment réaliser un pont afin de jouer dans des salles plus importantes. C’est ce qui rend possible le fait de jouer au Zénith, ce qui n’était auparavant qu’un rêve irréaliste.

Metal-Eyes : Comment décidez-vous quelles nouvelles chansons seront incluses à la setlist ?S’agit-il d’une réflexion du groupe, y a-t-il certaines chansons que vous êtes persuadés devoir jouer, d’autres qui n’ont pas leur place…

Mark : Certaines chansons, comme Universal death squad… Je n’imagine pas ne pas les jouer ! Il y a en effet certains titres que tu sais devoir inclure et d’autres dont nous parlons. Nous testons chacune, toutes seront jouées, j’en suis sûr. Certaines passeront très bien, nous les garderons, d’autres ne nous apporterons pas la satisfaction que nous recherchons. Alors nous ne gardons que les meilleures chansons pour le concert.

Simone : Et elles doivent aussi trouver leur place aux côtés des chansons plus anciennes. Sur un concert de deux heures, il faut que la « courbe d’attention » soit juste. Parfois, nous interprétons deux titres qui sont connectés avant de parler au public, puis passons à autre chose. La connexion doit fonctionner. Nous avons nos morceaux préférés – et chaque membre du groupe à ses chansons préférées aussi, donc nous devons en parler – nous demandons aussi à nos fans ce qu’ils souhaitent entendre et combinons au mieux l’ensemble.

Metal-Eyes : Lorsque vous venez à Paris, pour un concert ou de la promo, y a-t-il un endroit où vous aimez vous rendre ?

Mark : Oui ! Le Sacré-Cœur. J’y vais à chaque fois, et aujourd’hui, nous sommes vraiment à côté. Lorsque nous sommes arrivés hier soir, je m’y suis rendu, j’ai admiré la vue, je suis entré dans l’église, j’ai pris un verre à une terrasse … J’adore cet endroit !

Simone : J’aime aussi me promener dans ce secteur, du côté de l’Elysée Montmartre où nous avons joué plusieurs fois.

Metal-Eyes : Qui rouvre à la fin de l’année…

Simone : oui, et c’est une excellente nouvelle. J’étais vraiment attristée lorsque j’ai appris qu’il avait été détruit par un incendie. J’aime aussi le Louvre où je suis allée deux fois… Je suis aussi venue à Paris en touriste, pas seulement pour le travail. J’y ai des amis, et j’adore la cuisine française. J’aime les douceurs culinaires, et je fais ma pâtisserie moi-même…

Metal-Eyes : Je prévois d’aller avec mon épouse aux Pays-bas où nous ne sommes jamais allés. Où devrions nous aller, que devrions nous aller voir et ou devrions nous diner ?

Mark : Ca dépend de ce que vous aimez: plutôt ville ou campagne ?

Metal-Eyes : Peu importe, nous sommes curieux de tout!

Mark : Tout? Alors il y a une très belle région pour la nature, dans l’Est de la Hollande. Mais je te conseille Maastricht qui est la « perle du sud ». C’est une très belle ville, surtout si tu y vas en été. Tu peux très bien y manger, si tu es gourmet, tu dois te laisser tenter par la Burgunian Dutch kitchen de Maastricht. C’est une ville très mignone, avec une ambiance très sympa. Amsterdam, tout le monde y va…

Simone : Si tu aimes les musées, il faut aller voir le Plura Dutch musea (NdMP : je crois…) qui est fabuleux. Amsterdam est culturellement international, mais nous avons également une vraie culture locale. Il y a partout des maisons typiques, dans tous les centre-ville, tu trouveras ces maisons hautes et rapprochées. Je dirais qu’Amstredam et Maastricht sont incontournables. Aussi, je pense que Zealand est intéressante… il y a beaucoup à voir§ et dans le sud, d’où nous sommes tous originaires, il y a plus de relief. Et il y a la frontière des trois pays : Pays-Bas, Belgique et Allemagne.

Mark : Si tu aimes le vélo, il y a de bons circuits, cyclables et pédestres… Très beau et sympa.

Simone : Et si tu aimes les parcs à thèmes, tu peux aller au Efteling, pas trop américanisé, il est resté très hollandais. Ça a commencé comme une forêt féérique, et ils l’ont agrandi régulièrement.

Metal-Eyes : Merci beaucoup pour tout ces conseils, je vous en reparlerais la prochaine fois que nous nus rencontrons !

 

BLINK-182: California

Blink-182_-_Calfornia 2016Punk pop, USA (BMG, 2016)

Si depuis sa formation en 1992 les Californiens de Blink-182 se revendiquent « punk », c’est de plus en plus du pop rock que le trio nous propose. California, leur dernier album, n’a plus rien de dangereux, malgré certaines tentatives rythmiques qui figurent ici et là (Los Angeles). Oh, comprenez moi bien: les compositions sont carrées, accrocheuses, et, somme toute, efficaces. La production de John Feldman (on ne compte plus ses participations!) rend l’ensemble facilement écoutable. C’est ça! on est dans l’empire du « easy listening »! Ca tchaque, ça boume, ça chante des « na nana na na na » que le public se fera une joie de reprendre en concert, ça évoque Green Day et The Offspring… Bref, c’est cool, mais, comme un costard de star du petit écran, taillé sur mesure et sans faux plis. Blink-182 va encore cartonner, c’est sûr, et c’est prévu pour, mais, au final, on en retient quoi?

Note: 7/10

Titre que je retiens: Left alone

Photo de la semaine: ORANGE GOBLIN

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Je ne suis pas spécialiste d’Orange Goblin, loin s’en faut. Cependant, l’avantage d’un festival est de pouvoir y voir et découvrir de nombreuses formations. J’avais entendu parler des stoners anglais, et était donc curieux de les découvrir live. Ce fut chose faite lors du Hellfest 2015, et le bouffon orange s’est ici transformé en extra terrestre. J’avais réglé la vitesse à 1/200 de seconde et la sensibilité à 800 ISO. Lorsque j’ai déclenché, toute cette lumière a créé cette surexposition, heureusement contrastée par l’ombre du bassiste, offrant ce résultat inattendu et accidentel. C’est ce qui fait aussi une grande partie de la magie du spectacle vivant.

BERSERKERS – Lock & load

Berserkers-Lock-Load 2016Hard rock, France (Autoproduction, 2016)

Rien ne semble pouvoir venir à bout de la passion qui anime les Bordelais de Berserkers… Julius (chant et basse) et sa bande (Arthur Orsini, Léo Calzetta et Valentin Sarthou respectivement à la guitare, batterie et aux claviers) nous reviennent avec une troisième offrande toujours fortement inspirée par le gros et gras hard rock fin 70’s/début 80’s. Dès Outlaw, le programme est clair: ce Lock & load nous propose une collection de 9 nouvelles chansons efficaces, qui évoquent autant Deep Purple que AC/DC ou Motörhead. Dédié à la mémoire de (entre autres) Lemmy, cela n’a rien de surprenant, me direz-vous, de même qu’il semble logique que ce Hangöverhead rende hommage au grand Monsieur. L’ensemble est consistant, direct, entraînant et sans concession. Berserkers respire l’amour de la vie, du rock et du metal, et reste persuadé de l’esprit salvateur de l’ensemble (Rock will save the world: on a envie de vous croire!), et l’on n’attend plus qu’une chose désormais: que les 4 décident enfin de tourner pour vraiment sortir de l’anonymat. Tourneurs: à vos contrats!

Note: 8/10

Titre que je retiens: It’s up to you

MESHIAAK : Alliance of thieves

MESHIAAK 2016Thrash, USA (Mascot, 2016)

L’habit ne fait pas le moine… Mascot nous a habitués à nous proposer des formations de hard rock plutôt traditionnel, alors les guitares saturées et doubles-grosses caisses qui accompagne ce chant enragé dès Chronicles of the dead peuvent surprendre. Cependant, le message est clair: Meshiaak s’en va chasser sur les terres fertiles du thrash metal des (presque) débuts. Si Metallica ou Slayer ne sont jamais très loin, le groupe semble bien plus inspiré par la rugosité d’un Machine Head à ses débuts. S’il est naturel de se laisser guider par ses mentors, il est souvent judicieux de chercher à poser aussi tôt que possible les jalons de son identité. C’est ce que fait Meshiaak dès ce premier album, Alliance of thieves. Un titre fort à propos puisque le vocaliste et fondateur, Danny Camilleri, s’est entouré de Dean Wells (guitariste de Teramaze), Nick Walker (basse) et Jon Dette (qui a, entre autres, prêté ses baguettes à Testament, Slayer ou encore Anthrax). Un quatuor qui ressemble assez à une association de malfaiteurs, ceux qui braquent les double-croches! Le résultat est sans appel: l’ensemble, souvent agrémenté de sonorités électro et plus actuelles sans dénaturé l’esprit thrash, est compact, dans ta face et sans concession. On notera aussi, surtout, une production qui n’en fait jamais trop, mettant en avant les arrangements malicieux et une voix puissante. Ça va bouger dans les chaumières!

Note: 9/10

Titre que je retiens: Chronicles of the dead

TARJA: The shadow self

shadow-self-tarja 2016Metal, Finlande (E.a.r music, 2016)

Après un remarquable Colours in the dark et sa couverture flamboyante, Tarja revient avec The shadow self, album au visuel sobre, uniquement composé d’ombres et de lumières. Question: le contenu musical est-il aussi contrasté? Dès la première écoute, une chose semble évidente: Tarja, si l’on reconnait son style aisément, n’aime pas se répéter. Elle apprécie d’entraîner l’auditeur en terrain à la fois familier et partir en explorer d’autres. Innocence, parfait titre pour débuter ses prochains concerts, a des relents pop, la voix de la belle étant mise en lumière par les claviers et des chœurs légers. Le break, divagation pour piano solo, est suivi d’une reprise musicale évoquant une BO de film. Cette impression revient régulièrement (Supremacy, The living end ou Undertaker), mais Tarja sait aussi surprendre et prendre le risque de dérouter, comme avec Demons in you, qui débute avec une guitare très funky avant de devenir grosse et monstrueuse. Le chant plus pop que lyrique rencontre même ici son double démoniaque puisque des growls malsains viennent gêner la pureté du chant de la belle. Cet album est plein de surprises et nombre de titres de The shadowself semblent être le pendant de chansons figurant sur Colours in the dark: Demons in you évoque Victim of ritual, Supremacy rappelle les airs James Bondien de Deliverance, tandis que Diva pourrait être la suite de 500 letters et Falling from the wild a la sauvagerie et la rugosité de Never enough. Chacun de ces titres développe cependant une personnalité qui le rend unique. Tarja se fait aussi personnelle comme sur le très rock No bitter end, véritable appel au pardon (« Il y a une route pour chacun, car tous les cœurs peuvent pardonner ce qui a été fait, un vœu pieux, pour changer ») ou se fait règlement de compte, et c’est une évidence avec Diva (« On peut en rire maintenant, je me moque de poignards brûlants, de ceux qui me maudissent, me façonnent. Les lames se retournent contre vous »). Tarja pourrait se reposer sur ses acquis, sur ce que son public aime, mais non, elle réussit encore à surprendre, étonner et varier les plaisir. On ne peut pas dire que ses albums se suivent et se ressemblent, non, et The shadow self est là pour le démontrer. Un album aboutit, varié qui offre une belle palette musicale. En deux mots: une réussite.

Note: 9/10

Titre que je retiens: No bitter end